Ha llegado a mis manos en días recientes este set en DVD con prácticamente todos los vídeos oficiales de Enya. Habiendo sido publicado en 2022, dicha colección aún puede encontrarse en Internet a un precio realmente asequible, teniendo en cuenta que no se trata de un producto ni oficial, ni aprobado por la compañía Warner Music. Por tanto, su venta queda reducida a muy pocos sitios particulares desde el cual realizar un pedido. Yo pude adquirirlo a través de la web madmusickid.com.
Carátula DVD Enya - Music Video Collection
Y tratándose, entonces, de un 'bootleg', hay cosas que advertir de entrada. Pese a lo que, según dicen, se ha mejorado y reescalado muchos de ellos a una resolución de 4K (¿en un DVD?), ésta no la veo por ninguna parte. Para que tengan los videos una alta resolución como prometen, se tenía que haber elaborado esta colección en Blu-Ray con tal de conseguir tal definición.
Después de darle un primer visionado, veo que videoclips como "I Want Tomorrow" mantienen una resolución algo pobre, sin posibilidad alguna de reescalado o mejora. En YouTube, este mismo videoclip se encuentra a una resolución aceptable, según quien lo comparta. Pero que se sepa, aún no he visto una versión del mismo en alta definición, de forma oficial, en ningún portal de videos aun habiéndose extraído del documental "The Celts" de la BBC.
Otra serie de vídeoclips se han reescalado de su formato original panorámico al simplista 4:3, sobre todo entre los últimos lanzados y promocionados oficialmente por Warner Music a partir del álbum "A Day Without Rain" de Enya. Esta forma de manipular la imagen de dichos clips tampoco me ha gustado mucho.
En otro videoclip, "On My Way Home" el sonido queda como algo "borroso", sin la calidad suficiente. También se ha descuidado el sonido en otros clips de esta colección.
Además, no se han cuidado tanto las entradas como los finales de muchos videos que, esperando un "fade out" en proporción tanto del sonido como de la imagen en una especie de fundido en negro, no se producen. No se ha cuidado de forma profesional estos aspectos y, en mi modesta opinión, me deja con una sensación de que no se ha puesto mucho mimo en su producción, aun tratándose de un lanzamiento hecho por fans (probablemente) para muchos fans de Enya.
Aun así, esta colección compuesta por hasta 31 canciones de Enya y por poco más de 14 euros puede ser una buena oportunidad para aquéllos que quieran acercarse al sonido de esta artista irlandesa, actualmente retirada del mundanal ruido y de la industria musical en su castillo de Killiney, en el condado de Dublín.
No obstante, lanzo esta pregunta a quien corresponda en Warner Music y Warner Bros. Records en general, entendiendo que son los actuales adjudicatarios de los derechos de autor sobre la música de Enya, si tienen previsto publicar algo parecido pero directamente al mercado del Blu-Ray conteniendo TODOS los videoclips de la compositora y cantante irlandesa, en HD y/o 4K real. Los videos oficiales "Moonshadow" (VHS) de 1991 y "The Video Collection" (DVD) de 2002 realmente saben a poco y muchos videoclips no pueden quedar al albor de lo que puedan hacer sitios como YouTube con ellos en un futuro próximo.
Tal vez para algunos de nosotros nos resulte familiar este titular. Unos los podrán asociar a diferentes cosas, a un programa de televisión presentado por el desaparecido y recordado disc jockey Joaquín Luqui que se emitió en 2005, e incluso a algún que otro recopilatorio de nombre similar. Pero no van por ahí los tiros, aunque la cosa va más bien sobre un programa radiofónico de Radio Nacional de España (RNE) que tuve oportunidad de conocer entre los años 2000 y 2001, fechas de su emisión. Un programa que fue conducido con bastante eficiencia y simpatía por quien era entonces su presentadora Beatriz Pecker, quien sería un tiempo después la directora de contenidos de Radio 3 de RNE. A ella la recordamos sobre todo por haber presentado durante una etapa de su dilatada carrera otro programa musical, en la primera cadena de TVE, llamado "Rockopop".
"La Tierra de las Mil Músicas" fue un programa que se emitía todos los dias de lunes a viernes entre las 3'00 y las 4'00 de la tarde, en Radio 1 de RNE, y su contenido era eminentemente musical y bastante ecléctico en cuanto a estilos, que iban desde el pop-rock más comercial a las baladas de corte clásico. Cabía de todo un poco: blues, rockabilly, canciones incluidas en bandas sonoras de películas, indie, rock, World Music... y lo que me atrajo de aquel programa, aparte de aquellas canciones, era lo que Beatriz aportaba entre tema y tema; algún comentario más o menos trascendente sobre lo que acontecía en esos dias de radio. Aquel programa me acompañaba casi siempre que podía, después de comer y como acompañamiento a mis horas de asueto o de estudio.
La posibilidad de que incluso los mismos oyentes dirigieran cartas a la emisora proponiendo canciones para su emisión en el programa era otro de sus atractivos. Yo envié una precisamente solicitando si era posible escuchar en élla la famosa y tan tarareada canción de los Monty Python "Always Look on the Bright Side of Life" y llegó a manos de la presentadora que leyó parte de ella.
"Si es que los Monty Python son tan humanos". Fue una frase que recordaré siempre, que yo escribí en esa carta y fue mencionada en el programa. Desde aquí, mando un beso muy grande a Beatriz Pecker, esté donde esté.
He creado la siguiente playlist con varias canciones de las que recuerdo fueron emitidas en el transcurso de aquel mítico programa. ¿Posibilidad de escucharlo de nuevo por medio de podcasts? Al archivo de RTVE les llegué a preguntar sobre el rescate y posterior guardado en digital de todas aquellas emisiones y me llegaron a decir que tal vez sería posible, aunque con tanto material como disponen en su extensísimo archivo sería muy complicado rebuscar entre todo el material radiofónico almacenado en esa época, si bien no descartan tal posibilidad llegado el momento.
La verdad es que, explorando en Bandcamp, uno encuentra cosas realmente sorprendentes y muy buenas de todos los géneros, pero buscando el tipo de música que más me gusta o me conviene según qué situaciones, pues también te tropiezas con música algo distinta, aunque te suene lo más parecida a lo de siempre. Ya me entendéis.
Se puede buscar por géneros, pero también hay algunos subgéneros que, dependiendo de los gustos de cada uno, es posible encontrar dentro de la amalgama de producciones y grabaciones realizadas, con una calidad similar a la de la industria musical convencional, que los numerosos artistas y grupos han suministrado a la red usando el servicio de Bandcamp. Por ejemplo, mis gustos son muy variados y si se trata de buscar algo relajante, por ejemplo y que tenga que ver con el título dedicado hoy en el blog, nada mejor como el "ambient" o la música "soundscape" con influencias en Brian Eno, Klaus Schulze o Tangerine Dream, referencias éstas que incluso se pueden usar tratando de ser algo más específicos con la clase de música que nos apetece oir. De este tipo de músicas, pues hay bastante donde escoger. De entrada, veréis que en la columna derecha del blog tenéis acceso a uno de estos discos que podéis oir en cualquier momento, mientras lo tenga activo durante un par de semanas, ya que cada cierto periodo de tiempo voy cambiando álbumes del catálogo de Bandcamp para vuestro disfrute.
Además del álbum "Yasumu" de Alpha Wave Movement, y en la misma página de la productora Harmonic Resonance Recordings, tenéis otros discos de este género de paisajes sonoros. A mí me atraen sobre todo esos discos en que los temas son de largo desarrollo, de más de 10 minutos de duración cada uno, mucho más sugestivos y potencian el ánimo. Y por poner otro caso de disco "ambient" es este "Architecture Of Silence" publicado por los mismos autores de "Yasumu". Más abajo, pongo los widgets de otros dos discos de música "ambient". Hasta lo desconocido es mucho mejor que lo bueno conocido.
Podemos oir estos discos sin problemas y disfrutarlos cuantas veces queramos, aunque sea con calidad 128 kbps de bitrate, desde la misma página o desde los widgets que cualquiera puede insertar en blogs (blogger, wordpress, etc...) o en otro tipo de páginas. Y si uno le apetece tenerlo en un formato de mayor calidad (como FLAC), necesariamente debe de comprarlo a sus autores a través de la opción "Buy now".
Tags que se pueden usar para buscar música de este tipo en Bandcamp: ambient, cinematic soundscape, analog synthesizer, soundscape, berlin school, meditation, space music, new age.
Como un regalo de fin de año, el productor y músico inglés, antiguo residente de los famosos estudios The Manor en el condado de Oxfordshire, Tom Newman, nos obsequia con la publicación a través del servicio multimedia de Spotify de dos de sus discos, reediciones de "Bayou Moon" y "Aspects" que en el caso de éste último forma parte de un nuevo álbum que parece más bien un recopilatorio: "Landscapes 1", publicado oficialmente hace pocas semanas y que mezcla todos los temas de "Aspects" a los que se han añadido cuatro nuevos temas, de los cuales desconozco su real procedencia, o si por el contrario son temas que quedaron descartados durante la maquetación de "Aspects" y que han sido reeditados para la ocasión.
También figura "Faerie Symphony" como álbum registrado pero que en algún momento se decidió dejarlo inactivo, con lo que el único medio de verlo visible en Spotify es copiando el CD original del álbum al ordenador, respetando los títulos de los cortes tal como figura en el listado del álbum en Spotify, y vincular la carpeta con los mp3 del disco a Spotify. Así de simple.
Hay otros dos discos pero no pertenecen al mismo músico, sino a otros que poseen el mismo nombre y por tanto no merece la pena mentarlos aquí.
Pero me huele a que Tom Newman tiene pensado ir desempolvando sus otros viejos discos y rehabilitarlos con un sonido remasterizado. Ojalá veamos en Spotify también su álbum "Fine Old Tom" grabado para Virgin Records junto con un nutrido grupo de amigos, entre ellos Jon Field y Mike Oldfield, así como tantos otros álbumes suyos en solitario ("Tall Scary Things", "The Hound Of Ulster", "Ozymandias" y demás).
Sin embargo, alguien ha cometido un error garrafal al subir "Bayou Moon", no sé si de forma intencionada o si debemos considerarlo un fallo humano, pero las cuatro entregas de "Gumbo Fling" en el disco están equivocadas o han sido manipuladas sin níngún motivo aparente. Debo entender que estos errores no son achacables a Tom Newman, sino a alguien encargado de los trámites en lo concerniente con Spotify. ¿O acaso Tom Newman ha decidido para esta reedición del disco modificar estas pistas y con qué objeto? No lo entiendo... Tomo como base la edición que poseo tanto en LP y CD de este disco si lo comparo con la versión añadida a Spotify y afirmo que las cuatro partes de "Gumbo Fling" no son las mismas de como figuran en los discos originales en mi posesión.
No obstante, había enviado el siguiente correo al servicio de soporte en línea de Spotify para que aclaren qué ha pasado con esos cuatro cortes y si los pueden solucionar. Si a alguno le interesa, puede quedarse con esta dirección para cualquier objeción que quieran plantear a los de Spotify.
A ver. Hay un álbum de Tom Newman llamado "Bayou Moon" que fue añadido recientemente al catálogo de Spotify y trae consigo varios fallos descomunales, presentes todas en las cuatro secciones de "Gumbo Fling" desde la primera hasta la última. Tengo el disco original en CD y lo tomo como referencia a la hora de describir los errores que contiene este disco: http://open.spotify.com/album/7Bxnhh0yXLt3DQmDNwPomK
Esta pista se corresponde totalmente con "Gumbo Fling 2". Dura 1m 11s, mientras que el tema que debía figurar en su lugar dura 2m 11s. (En este video podéis escuchar íntegramente "Gumbo Fling 1", tal cual fue grabado para el sello Coda Records)
Se corresponde con "Gumbo Fling 3" y encima lo acortan haciendo un "fade-out" en una pista que dura 32 segundos. El disco original carece de ese acortamiento y dura justamente 1m 23s.
Se corresponde con "Gumbo Fling 4" y encima lo han remezclado de tal forma que parece irreconocible al oido, pero yo mismo lo he sabido reconocer. Han hecho un "corta y pega" de un segmento del tema de forma concatenada para que parezca algo más extenso en duración y le endosan al final un "fade-out" poco elegante.
La desfachatez más absoluta. Esta vez sí se corresponde con la pista en cuestión, pero de forma descarada e intencionada lo han cortado por la mitad, sin razón aparente.
Por favor, a ver si cuidamos mucho lo que aportan los músicos o las discográficas a su catálogo y no nos veamos decepcionados cómo se les maltrata jugando con sus contenidos. Si estos errores proceden de quien los subiera en su momento, hay que reportarle a esa persona o personas su falta de respeto hacia el músico autor de este disco en concreto.
Muchas gracias, un saludo.
Observo perplejo que en CD Baby está a la venta el disco en cuestión en su nueva edición --con nueva portada, que no había mencionado antes-- y he escuchado los samples correspondientes a los cuatro cortes de "Gumbo Fling" (las he identificado como las que figuran en Spotify) y hasta las duraciones de estas cuatro pistas coinciden las de esta web con las de Spotify. ¿Entonces Tom Newman ha reeditado estas pistas y no ha dicho nada al respecto?
Por no meter más la pata, no quiero hacer más conjeturas ni especulaciones que resulten ser nada convincentes. Claro que alguien me tiene que decir si la he metido bien hasta el fondo...
Algo más de un año después, creo necesario hablar de este trabajo, no solo para darlo a conocer sino también para hacer algo de justicia por él. Aun sabiendo de las dificultades que entraña últimamente publicar un álbum de las características de que voy a hablar a continuación y en las circunstancias actuales, hay que reconocerle a su autor el mérito, dedicación y cariño en su materialización.
Dejando a un lado la posibilidad más o menos cierta de la influencia de Mike Oldfield y su música en la creación de "Migration", hay que centrarse positiva, neutral o negativamente en la escucha, comprensión y valoración de este trabajo musical. En mi caso, mi valoración es más que positiva y cuenta con todo mi apoyo.
"Migration" es un álbum conceptual e instrumental de gran belleza y evocador, compuesto y autoeditado por el músico mallorquín Onofre Garcías. No sabría bien cómo clasificarlo, aunque es más cercano a un cruce de estilos, desde el crossover-prog al folk-pop sinfónico. Cuenta con la colaboración de varios músicos locales, entre ellos José Manuel Guerra, un guitarrista con bastante talento que destaca por su afinidad con la música de Mike Oldfield y sus videos en YouTube, con los que demuestra su potencial.
La obra se presenta dividida en varias fases, tituladas cada una tal como se puede ver a continuación. A lo largo de esta suite de unos 40 minutos de duración, escucharemos diferentes paisajes y ambientes sonoros perfectamente instrumentalizados por Onofre a los teclados, junto con Magi Garcías (piano), Lluis García-Fogeda (guitarra), Helena García-Fogeda (voces en "Olympus") y José Manuel Guerra (guitarras).
La versión de Spotify cuenta con una pista más con la obra al completo unida en una sola pista. La idea de hacerlo así es con vistas a los que han elegido las opciones gratuitas de Spotify a fin de eludir las diferentes cortinillas de publicidad ofrecidas cada cierto tiempo.
Asimismo, en YouTube hay un video documental dividido en dos partes acerca de cómo se creó el álbum (Parte 1 - Parte 2) que merece la pena ser contemplado para entender mejor el significado de "Migration".
Además de Spotify, la versión digital puede comprarse en iTunes, 7-Digital España y Amazon. Onofre Garcías vende copias físicas del mismo previa petición de las mismas a través de su perfil en YouTube o de Facebook, o simplemente mandando un mail a onofreg.migration(a)gmail.com. El CD tiene alguna curiosidad incluida, aparte de una cuidada presentación. Considero necesario no valorarlo de manera excesiva, solamente hacerlo en su justa medida. Por ello, debo reconocer que el disco, en su conjunto, está hecho con muchísimo cariño y sentimiento. Mi enhorabuena, aunque tardía, a todos los partícipes del mismo. Nunca es tarde si la dicha es buena.
Tras bastantes años sin lanzar un álbum al mercado, llega lo último del músico y productor inglés Tom Newman; un recopilatorio que solo podemos comprar en CD Baby con temas instrumentales extraidos de las grabaciones realizadas para el sello Coda Records de Nick Austin, entre ellos los ocho temas que constituyen el disco "Aspects" publicado entonces en el año 1985. Creo que no hace falta decir que detrás de este nombre está el de uno de los productores de varios de los discos de Mike Oldfield, amén de otros artistas. Pero, por si todavia hay alguien despistado, Tom Newman participó en la producción de estos trabajos del músico de Reading: "Tubular Bells", "Hergest Ridge", "Platinum", "Amarok", "Heaven's Open" y "Tubular Bells II".
El disco solo se presenta en formato digital en la página antes mencionada y podemos escuchar unos trozos de cada canción. Cuesta en total 9,99 dólares (unos 7,70 euros al cambio).
Listado de temas:
1. The Rokeby Venus - 6:39
2. Fair Winds and Homeward Bound - 3:54
3. Samson and Delilah - 6:00
4. Stonehenge - 5:21
5. The Stonemason's Yard - 6:22
6. The Cenotaph - 5:26
7. The Dream - 6:12
8. The Fighting Temeraire - 8:34
9. The Tower of Babel - 6:33
10. Thermopylae Leaving Foochow - 4:29
11. Music in the Tuilleries - 6:07
12. Beach Scene - 6:08
Tom Newman tiene a bien añadir unas notas al respecto del lanzamiento de este disco:
"These pieces were commissioned in the eighties by Nick Austin (Beggars Banquet and Coda records) after a wine fuelled meal celebrating the completion of my 'Bayou Moon' album. 'What shall we do next' -
One of the tracks on Bayou Moon was inspired by the George Caleb Bingham painting of 'Fur traders descending the Missouri', and that was Nicks favourite track, so the idea of extending that concept to europe and the great masters seemed a natural progression.
A set of rostrum camera videos were done for ten of the tracks, and I hoped it might become a teaching tool for schools . . . The videos are around somewhere - I think Nick has a TV channel called Landscape?
Paul French is scoring these pieces for orchestra, I'm looking forward to the sessions, and the album will be available in the new year . . .
The cove painting is by Caitriona Marshall, a great undiscovered Belfast talent . . . .
Anyway - hope you like it . . . . feedback would be lovely too . . . All the best, Tom."
Aunque resulte algo obvio, pero no hay que confundirlo con otro músico de nombre similar, Thomas Newman, autor éste de bandas sonoras para el cine.
Y no acaba aquí la cosa: Tom está preparando, además del relanzamiento de algunos de sus anteriores trabajos, algo grande para el año que viene y tiene que ver con el 40 aniversario del "Tubular Bells". ¿Qué será, qué sera?
Básicamente Golden Avatar es una banda liderada por el compositor de profundas convicciones hinduistas Michael Cassidy. Cassidy escribe en este disco tanto la música como las letras, muy personales y caracterizadas por su mantra personal y su visión del mundo. Los más de quince miembros de la banda orquestal que le arropan, beben de numerosas fuentes pero en su conjunto forman un estilo muy particular, sin ser realmente una banda de rock progresivo, como algunos han tardado en clasificarla. En ProgArchives está considerada como un grupo que funden rock y jazz, y si nos atenemos a las letras, respiran un aire entre 'folkie' y religioso. Varios de los temas incluidos en este álbum contienen las típicas aclamaciones de la religión hindú como "hare krishna". No obstante, si nos atenemos al conjunto del disco, su presencia se reduce a tres canciones como mucho, dejando que en las demás se respire un ambiente menos trascendental y más complejo armónicamente tanto por la instrumentación como por las voces secundarias.
Quizás no parezca un álbum de rock progresivo, pero su planteamiento es tan original como para encasillarlo dentro de un género en concreto. Su fuerza radica en los arreglos orquestales. Si observamos en los créditos de la contraportada, la variedad de instrumentos es muy notable y se dejan notar. Solamente Michael Cassidy toca la guitarra y lleva la parte vocal en todas las canciones. A veces, cuando en una banda compuesta por más de diez músicos confluyen un número elevado de instrumentos, se tiende a focalizar los mismos hacia los más principales, normalmente un órgano, una guitarra y unos pocos sintetizadores. No obstante, el objetivo de esta complejidad sonora es la de crear un ambiente musical etéreo, en consonancia con la fuerte carga de espiritualidad en las letras. Las melodías son potentes, las armonías vocales ricas; pero puedo decir, sin sorpresa alguna y desde mi humilde punto de vista, que la música es bastante aceptable, sin ser en su totalidad una maravilla.
Golden Avatar publicaría un segundo álbum al año siguiente "Pastimes", pero no tan bueno como el anterior. Michael Cassidy publicaría en solitario tres discos a renglón seguido de su andadura por dicho proyecto musical y, tras un largo compás de espera por motivos familiares, volvería a grabar un nuevo disco en 2002.
Por fortuna, me encontré este disco en el típico mercadillo callejero que hay cerca de casa y me ha agradado de alguna manera, aunque la espiritualidad del mismo me haga sentir bastante resquemor. Pero si me atengo a su carga musical, es lo que más me importa del mismo. Que yo sepa, y he procurado buscar en la red, no existe reedición alguna en formato CD y solo se ha editado en vinilo, en Estados Unidos, Canadá y Australia, según refiere DiscoGS.
Tracklist:
A1 - World Beyond The Sky - 3:25
A2 - Questions Questions - 3:45
A3 - Bhagavad-Gita - 5:30
A4 - Seers Of The Truth - 5:35
A5 - You're Not That Body - 3:40
B1 - A Change Of Heart - 3:00
B2 - Swetadwip - 8:15
B3 - Oh Govinda - 4:42
B4 - Time For Going Home - 6:30
DATOS DISCOGRÁFICOS:
Título: A Change of Heart
Artista: Golden Avatar
Sello: Sudarshan
Pais: Estados Unidos
Formato: Vinilo LP (33 rpm)
Nº catálogo: BBT 108A (SD 1)
Año lanzamiento: 1976
Género: Fusión rock / jazz / espiritual.
Hace poco más de un año, reseñé este disco del músico y productor inglés Tom Newman (ex-miembro del grupo de rock sicodélico July y conocido por sus producciones para diversos músicos e intérpretes durante los años 70, sobre todo para el celebérrimo Mike Oldfield) e indiqué el tracklist de una edición estándar del mismo hasta que ayer mismo recibí mi copia en CD (original por supuesto) pero con un contenido, en cuanto a pistas y metrajes se refiere, ligeramente distinto a aquél.
Si bien aquella otra referencia se hacía sobre la edición (supuestamente) inglesa, VP192CD, aquí tengo un lanzamiento publicado en la EU y con marchamo de haberse fabricado las obleas en Austria (en el label del disco figura "Made in Austria", obviously!!!). En el CD hay seis pistas separadas, en lugar de las siete de la otra edición y con el siguiente metraje cada una:
Por otra parte, los créditos solo figuran en la contraportada, mientras que la propia carátula no tiene nada destacable, solamente una poesía alusiva de Percy Bysshe Shelly en su interior y nada más.
Los temas incluidos son:
Dying Civilisation Cycle For Moving Dunes Ozymandias: The Song The Cenotaph The Song Abstracted The Missing Peace The Reprise
(7 temas en total)
Ahora bien, ¿cómo encajan estos temas dentro de las seis pistas del CD? La pregunta del millón.
Tal vez "The Cenotaph" y "The Song Abstracted" van unidos en una sola pista, la cuarta, si comparamos los tiempos de ésta con los correspondientes a ambos cortes de la otra edición.
For many people, Serge Blenner is still a very unknown composer. Born in France and living actually in Germany, Serge Blenner is an electronic musician with a recognisable style in which he knows how to mix with lots of imagination, such electronic orchestral performances with necessary rhythm for his compositions to be danced, approaching to techno-pop basements. Melodical elements presence, many times romantic, ingrained in his style.
He first made "La Vogue" album in 1979 and continued his musical career with new albums exploring electronical capacities to convey new emotions on listeners, with landscaping arrangements, turning from techno to World Music, as well as part of his works may pass on our ears a feeling of tranquility and fun at the same time.
His most celebrated album remains to be "La Dimension Prochaine", released in 1986.
Almost each of his albums is available at Spotify for full listening:
Música ambient-electrónica de calidad, que viene firmada por un apenas desconocido Greg Baumont, músico francés que además se estrena con este disco que me ha llamado mucho la atención, tras haberlo estado escuchando durante esta misma mañana desde la web de Jamendo donde se halla localizado.
Hay un poco de todo, sonidos tribales, étnicos, mezclados con el característico sonido ambiente, muy cercano al "chill-out" y debo reconocer que son pocas las veces que este tipo de música me llega a agradar. Está realizado con sumo gusto y dotado de una buena variedad sonora, a lo largo de los nueve temas de que se compone este álbum llamado "Wood" (Madera). Muy fácil de escuchar, relajante sin resultar repetitivo, de lo cual adolece mucha música dentro del ambient electrónico. Me parece una música inteligentemente compuesta y muy equilibrada. Particularmente este disco se merece un 10.
Sinceramente, estoy deseando saber qué será lo próximo que nos tenga preparado Greg.
Tracklist:
1. La sixième porte de Shanaaghar (4:10) 2. Le nettoyeur (3:48) 3. The blue star (4:02) 4. Respire ! (The dervish) (5:02) 5. Why (4:02) 6. The new day (6:48) 7. Why (Trance remix by Ilya Malyuev) (4:53) 8. La face cachée de la lune (4:19) 9. Les chevaliers de l'Aar (6:17)
La Fête Sauvage (The Wilderness Party) is an original score album, by Greek composer Vangelis (as Vangelis Papathanassiou in some releases), from the 1975 documentary, about animal wildlife, by Frédéric Rossif, the same who shooted L'Apocalypse des Animaux TV series about five years ago with music from Vangelis himself.
It's the most world music-oriented of his soundtracks for Frédéric Rossif, compared to the mostly electronic/ambient/spacey L'Apocalypse des Animaux and the highly melodic "classic Vangelis sound" of Opéra Sauvage. It was recorded in December 1975, three months after Heaven and Hell album release and published just next year.
The first part of the album features a mixture of electronics, percussion, animal sounds, and tribal chanting which is extremely evocative of the nature of the film project. The second part moves into more familiar Vangelis territory, with lush electronic soundscapes and sweet melodies, yet still well in keeping with the movie's themes.
The chanting and percussion was performed by a number of guest musicians whom Vangelis invited to his own studio at London, the famous Nemo Studios.
The documentary contains much more music than is available on the album, a common theme with Vangelis soundtracks.
Releases information:
LP 1975, EMI/Pathe Marconi 2C066/14276, France 1975, Barclay 200.332, France 1975, CAM Y900.056, France 1975, CAM 6905, Canada 1976, CAM SAG 9096, Italy 1979, CAM SPL1-7175, Spain 1977, Polydor 2421100, Greece 1978, RCA PL-30036, West Germany 1979, EGG GP 711, Japan 1983, CAM LCM 233451, Italy (2LP, together with Entends-tu les chiens aboyer ?) 1987, LupSom 2LL2.001, Brazil (2LP, together with Entends-tu les chiens aboyer ?)
CD CAM 13071-2, France CAM CSE 067, Italy CAM CSE 800-067, Italy CAM 493 206-2, Italy CAM 474493, Spain Barclay 823 756-2, West Germany/US Polydor 841 198-2, West Germany
Tracklist:
Side 1. La Fête sauvage I – 20:18 Side 2. La Fête sauvage II – 18:12
- A single was released from the album - Thème d'amour / Générique, (EMI/Pathe Marconi France). - The film does not feature the prominent vocal performance of Vana Veroutis that is on the album. - The 1992 CD edition (on the CAM label) divided the album in two tracks, but mistakenly starts with the last half of Ignacio album instead of the first half of La Fête sauvage. A new release later on changed the order of the tracks but still got the Ignacio part wrong. CAM finally corrected their mistake with a 1992 rerelease. - The movie has only ever been released on VHS, by Belgium Production Video (PAL), and Cassette Video Hachette (SECAM). There is, as yet, no DVD release.
Todo comenzó cuando Irlanda tenía que organizar la edición del Festival de la Canción de Eurovisión en el año 1994, tras haber quedado como pais ganador en la edición anterior, igualmente celebrado en el mismo pais, gracias a la cantante irlandesa Niamh Kavanagh con el tema "In Your Eyes" y la que propició que todo quede nuevamente en casa, pero mejorando la ubicación del evento, pasando de un hipódromo a un gran teatro, el Point Theatre de Dublín, con un escenario particularmente inspirado en una típica ciudad irlandesa. Por si fuera poco, volvería a ganar Irlanda con Paul Harrington & Charlie McGettigan y su canción "Rock'n'Roll Kids".
Para el intermedio del festival, se encargó al músico Bill Whelan la composición de una pieza de música tradicional del pais sobre la que poder ofrecer a la gran audiencia europea una muestra del baile típico zapateado irlandés. "Riverdance" era el nombre escogido para aquella pieza bailable, y a la postre iba a suponer la fabulosa idea para el montaje de un disco y seguidamente un espectáculo enormemente seguido y admirado en muchos paises de todo el mundo.
La grabación del álbum con buena parte de la música del show se realizó en el transcurso desde 1993 a 1995. A partir de ahí, se trabajó intensamente en llevar a los escenarios la misma magia de la música de Bill Whelan, en conjunción con los bailarines y cantantes que operan dentro del espectáculo. El resultado es, en dos palabras... COJONUDAMENTE INCREIBLE. Los que hayan podido acudir al espectáculo en su día, tanto en Nueva York, Génova, Londres, y demás ciudades donde se realizó, seguro que habrán quedado extasiados por la gran calidad y lujo de los intervinientes en el mismo. Michael Flatley fue el principal bailarín que representó buena parte de los espectáculos montados durante largas temporadas, y con la experiencia vivida en él se decidió a montar su propio espectáculo de baile tradicional irlandés, el magnífico e impecable show "Lord of the dance". Una experiencia irrepetible e inolvidable que muchos desearían volver a revivir.
En la presentación realizada en el Radio City Music Hall de Broadway, Nueva York, en el año 1996, se contó con la presencia del gran bailarín Colin Dunne junto con Jean Butler como bailarina principal. La audiencia quedó embelesada y subrogada al poderío artístico desplegado sobre el escenario. Dicha actuación ha quedado posteriormente grabado en un lujoso video tanto en VHS como en DVD, bajo el título "Riverdance - Live From New York City". Uno de los números más aplaudidos fue el llamado "Trading Taps", una especie de duelo interpretativo entre un trío de bailarines irlandeses frente a un par de claquetistas americanos con un toque entre sutil e inverosímil dado la gran capacidad de ambos para el espectáculo de baile; a este duelo se unían dos músicos, uno representando la música urbana de Nueva York (un saxofonista de jazz) frente a la música tradicional irlandesa (una violinista de prestigio como Márie Breatnach).
Otro DVD con otro montaje escénico del mismo show se produjo a partir de la actuación llevada a cabo en la ciudad suiza de Génova en el año 2002, ante una expectante y cálida audiencia, y en la cual los principales bailarines eran Breandán De Gallaí y Joanne Doyle, más The Riverdance Irish, Dance Troupe, The Riverdance Orchestra y The Riverdance Singers, y Yolanda González Sobrado, en lugar de María Pagés (ésta hizo su papel en Broadway con mucho arte y poderío).
En cuanto a la creación del álbum, editado para el sello Celtic Heartbeat, se han hecho dos ediciones ligeramente distintas del disco en su edición CD; una, por el sello Atlantic en 1995 y nº de catálogo (82816-2) y la otra por la Universal (UND-53076).
La principal diferencia entre ambas está, por un lado, en el color de fondo de los títulos de la portada, y por el otro en la última pista de cada CD, una especie de "reprise" del tema principal; mientras que en la edición realizada por Atlantic cuenta con una versión bailable de Riverdance (se escuchan los zapateados de los principales bailarines tal como se vería en el show), la grabada por Universal es sin embargo un remix del mismo tema con inclusión de cortes pregrabados y programados en el estudio, como si fuese hecho para ser incluido o radiado en las emisoras musicales.
Más tarde, aparecería otra edición en 2001 con un contenido parecido pero distinto en cuanto a presentación y al repertorio, ya que se trata de una grabación de los temas incluidos en el show realizado en Broadway, Nueva York.
En 1997, Bill Whelan ganaría un premio Grammy por el disco, que además, desde su lanzamiento, llegó a mantenerse en el primer puesto del ránking de ventas durante algo más de seis meses en Estados Unidos, en Irlanda y Australia, consiguiendo la certificación del doble disco de platino en estos dos últimos paises, dos discos de oro en el Reino Unido, otro en Noruega, Estados Unidos y Canadá, más otro de platino también en USA.
Bill Whelan fue nombrado el Mejor Artista de la World Music por la revista Billboard en 1996 y 1997, y el álbum Riverdance como el Mejor Disco de World Music en 1997 por segundo año consecutivo. En él se integran 15 composiciones propias de Whelan en las que ha capturado la extraordinaria belleza de la música tradicional y celta con nuevas melodías que evocan sonidos desde lugares como Rusia, España, el Este de Europa y la música americana.
Tracklist:
1. Reel Around The Sun 2. The Heart's Cry 3. The Countess Cathleen/Women Of The Sidhe 4. Caoineadh Cu Chulainn (Lament) 5. Shivna 6. Firedance 7. Slip Into Spring 8. Riverdance 9. American Wake (The Nova Scotia Set) 10. Lift The Wings 11. Macedonian Morning 12. The Marta's Dance / The Russian Dervish 13. Andalucia 14. Home And The Heartland 15. The Harvest 16. Riverdance Remix (Universal) // Riverdance (Dance Reprise) (Atlantic)
Karl Jenkins, antiguo miembro del legendario grupo de rock jazz-progresivo Soft Machine, con la colaboración de Miriam Stockley y su maravillosa voz, y el acompañamiento de la London Philharmonic Orchestra, abre un nuevo mundo musical hacia la originalidad y el misterio con un lenguaje inventado por él mismo.
Adiemus (pronunciado /ædi'eməs/) es el título de una saga de discos del compositor galés. Cada disco de Adiemus es una colección de piezas con la duración de una canción en la que se presentan voces melódicas armonizadas con una orquesta como acompañamiento. No hay letra en las canciones, sino que los cantantes recitan sílabas y palabras inventadas por el compositor. Sin embargo, en vez de llamar la atención a base de patrones de fonemas, el lenguaje de Adiemus está cuidadosamente estilizado a fin de no distraer la atención del oyente del timbre y el tono de la voz; por ejemplo, lo mismo que sucede con los idiomas africanos, las sílabas que terminan en consonante son inusuales.
El concepto central de Adiemus es que la voz tendría que funcionar como un simple instrumento musical, una postura moderna que se ha convertido en una cierta tendencia, como ejemplifica la música compuesta por Vangelis para la película 1492: Conquista del Paraíso (1992). El propio término de Adiemus se escribe de forma similar (pero se pronuncia de forma distinta) a una palabra en Latín que significa "Nos reuniremos cerca", aunque Jenkins asegura que lo desconocía.
La cantante Miriam Stockley, interpretó la parte vocal de los primeros cuatro discos. Mary Carewe, proporcionó voces adicionales en todos los discos, salvo en Dances of Time, que presenció la aparición de los fineses Adiemus Singers (que volverían a aparecer más tarde, en Vocalise). Voces adicionales y los efectos de coro fueron proporcionadas por repetidas grabaciones multipista de los cantantes (a veces hasta cuarenta veces), y variando la velocidad de la cinta. Stockley, fue descrita por Jenkins como esencial para el proyecto de Adiemus debido a su rango y entonación, aunque, por razones que siguen sin ser aclaradas, no se contó con ella en Vocalise.
La orquesta de Songs of Sanctuary consistía en una sección de instrumentos de cuerda a la que se añadieron numerosos instrumentos étnicos de percusión, con ocasionales adiciones de otros instrumentos, como campanas, una flauta dulce o una quena o flauta de pan. Mike Ratledge, con quién Jenkins había tocado en Soft Machine, contribuyó asimismo al primer disco. Jenkins añadió instrumentos de viento, de metal y de madera, para Cantata Mundi, y continuó añadiendo distintos instrumentos, como una guitarra acústica, en discos posteriores. Para los tres primeros discos, de Songs of Sanctuary a Dances of Time, se contó con la Orquesta Filarmónica de Londres, después Jenkins formó su propia Orquesta Adiemus para interpretar en The Eternal Knot, volviendo a la OFL para Vocalise.
Aunque ha habido una considerable evolución a lo largo del proyecto, el lenguaje musical de Adiemus se basa, en gran medida, en la música clásica y la música del mundo. Jenkins sigue las convenciones en tonalidad hasta un cierto punto; su armonía deriva del Gospel y la música africana, decorada con disonancias funcionales, como suspensiones y gran libertad de movimiento entre tipos de claves con poco en común. A menudo emplea tiempos inusuales, siendo muy común un lento 3/2, junto con 6/8, 9/8 e incluso 5/8 (Cantus Inaequalis del Songs of Sanctuary). La sección de percusión, cuando se usa de forma destacada, le da a la pieza, generalmente, un ritmo elevado, casi tribal.
El ambiente que se encuentra en Adiemus es energético y recalcitrante, complementado con lo que Jenkins describe como ambiente eclesiástico. Muchos oyentes identifican el sonido de Adiemus con la música New Age o Celta. De hecho, The Eternal Knot es un disco de clara inspiración celta que se empleó en la ambientación musical de un documental sobre los celtas en una emisora galesa. Dentro de la música clásica, Adiemus ha luchado por distinguirse del semigénero del Chillout, aunque los primeros discos se considera que rompen las barreras de la definicón dentro de géneros musicales.
Songs of Sanctuary fue un gran éxito comercial, encabezando las listas de música clásica. La crítica lo considera como el disco esencial, en el que la idea de Jenkins se presenta del mejor modo con los menores recursos. Aunque ninguno de los discos posteriores obtuvo las mismas buenas críticas que el primero, Adiemus consiguió una legión de seguidores, y mantuvo un lugar destacado dentro de la conciencia colectiva gracias a su uso en anuncios de televisión.
Por otra parte, tanto Karl Jenkins como Miriam Stockley han intervenido con Mike Oldfield en proyectos distintos. El primero, como orquestador y director de la música compuesta por Mike para su hasta ahora último disco de estudio Music Of The Spheres (2008), mientras que Miriam prestaba su voz para algunos de los temas incluidos en su controvertido álbum The Millenium Bell del año 1999 y participó junto con Pepsi Demacque y otras vocalistas en el concierto de Berlin de ese mismo año, coincidiendo con las celebraciones para la entrada en el nuevo milenio.
Su uso es gratuito siempre y cuando uno quiera. Por otra parte, la cuenta Premium de este gran programa con una biblioteca musical cada vez en aumento es solo para evitar escuchar cada cierto tiempo la publicidad incluida, pero no es caro (9,99 euros al mes).
ES - Banda clave en la música tradicional canadiense y laureada con los premios más importantes de su pais, La Bottine Souriante es un grupo muy especial que a lo largo de su larga trayectoria ha sabido combinar con exquisita elegancia las melodías ancestrales de sus antepasados y los elementos modernos, los temas cantados y las alegres piezas instrumentales, creando un mundo de sonidos y ritmos de tremenda fuerza expresiva.
En Spectacle es una muestra inmejorable, como también lo es otro de sus trabajos La Mistrine, de la inmensa calidad artística del grupo. La mayoría de sus canciones son tradicionales y proceden de la herencia francesa de su Quebec natal -historias, leyendas y sones que se remontan incluso a la Edad Media, conservadas por las familias que cruzaron el Atlántico y que fueron transmitiéndose durante siglos de padres a hijos-. y están llenas de una energía electrizante que incita al baile y a la diversión.
UK - La Bottine Souriante is one of a kind. The band was formed in Québec in 1976 with five core members: Régent Archambault on double bass; Denis Fréchette on piano, accordion piano, and flügelhorn; Michel Bordeleau on mandolin, fiddle, vocals, and feet (yes, you read that correctly -- feet. Michel is the band's percussion section!); Yves Lambert on lead vocals, diatonic accordion, chromatic accordion, and harmonica; and Martin Racine on fiddle and guitar.
Their formation marked an interesting blend of styles. Régent and Denis have jazz backgrounds, while Michel, Yves, and Martin are traditional musicians. As a result, La Bottine Souriante is not only the most renowned traditional music group in Québec, but their Acadian flavor and blend of musical traditions from France, England, Ireland, and Scotland have gained the band fans around the world.
In recent years, the band moved from five pieces to nine, with the addition of a four-piece brass section: Robert Ellis on bass trombone; Jean Fréchette on saxophone and brass arrangements; Jocelyn Lapointe on trumpet; and André Verreault on trombone. The sound is incredibly powerful, with a dynamic stage presence captured on their latest album En Spectacle.
En Spectacle captures the band live performing their best-known songs, sometimes with a new twist. It won the band a Félix award for Album of the Year in the Folk category at the recent Gala de L'ADISQ, the Québec equivalent of the Juno awards (the Canadian version of the Grammies).
I highly recommend En Spectacle not only as an introduction to La Bottine Souriante, but as a toe-tapping, energetic album. I've only been familiar with La Bottine Souriante for a short time, but one listen is all it takes to get hooked!
(C) Inside World Music
1. Ouverture 2. Sur La Route (La Tapinie) 3. Suite De La Sauvagesse 4. Ch'pas Capable (La Montagne Du Loup) 5. Le Voyage De Basile 6. Chapeau 7. Virginie Adieu 8. Le Rêve Musical (Le Rêve Du Quéteux Tremblay) 9. Un Coup Madame 10. La Galoppe De La Rive-Sud 11. Le Lanlire (La Poule A Colin) 12. A Travers La Vitre 13. La Chanson De L'Ivrogne 14. La Cuisinière 15. La Grand-Côte 16. Son P'Tit Bidoulidou
CD 1 (Spiral): 01. Spiral 02. Ballad 03. Dervish D 04. To The Unknown Man 05. 3+3
CD 2 (Heaven And Hell): 01. Heaven And Hell, Part 1: "Bacchanale" – 4:40 "Symphony to the Powers B" (Movements 1 and 2) – 8:18 "Movement 3" (from "Symphony to the Powers B") – 4:03 "So Long Ago, So Clear" – 5:00 (with Jon Anderson)
02. Heaven And Hell, Part 2: "Intestinal Bat" – 3:18 "Needles and Bones" – 3:22 "12 O'Clock" (in two parts) – 8:48 "Aries" – 2:05 "A Way" – 3:45
CD 3 (Albedo 0.39)
01. Pulstar 02. Freefall 03. Mare Tranquilitatis 04. Main Sequence 05. Sword Of Orion 06. Alpha 07. Nucleogenesis I 08. Nucleogenesis II 09. Albedo 0.39
Tom Newman's Ozymandias is something of a lost masterpiece. Featuring a variety of inspired settings incorporating neo-classical, ambient and rock motifs, Tom provides a musical backdrop for the powerful and much acclaimed work of Percy. B. Shelley.
Released in 1988 for Oceandisc record label, as test pressings only, had a CD reissue on Voiceprint (VP185CD) in 1996. So it may be officially published that year.
Track listing:
01. Dying Civilisation (8:08) 02. Cycle for Moving Dunes (12:41) 03. Ozymandias: The Song (4:36) 04. Cenotaph (1:50) 05. Song Abstracted (2:38) 06. Missing Peace (2:51) 07. Reprise (2:01)
Según la web de Tubular-World, ya se pueden ir realizando las reservas de las demás ediciones de "Tubular Bells", a través de Amazon.de. Por un lado, tenemos el doble CD del TB junto con el recopilatorio "The Mike Oldfield Collection 1974-1983", mientras que la Deluxe Edition (CD+DVD) se puede ir pidiendo aquí, y por parte de Amazon.de ponen a la venta otra edición del Tubular Bells, sellado por Mercury, sin concretar nada sobre su contenido y si pertenece a alguna de estas esperadas reediciones, salvo su fecha de salida (el 12 de Junio).
Sobre la edición Ultimate ya se comentó su disponibilidad para la reserva en otro apartado del blog, pero también puede reservarse en la misma versión alemana de Amazon.
Decía Rolf Lovland, el 50% de Secret Garden, que "a mí no me gustan los datos, lo que más me interesa es la filosofía de la música". Pese a ello, en la compañía discográfica del duo musical alardeaban entonces de las más de medio millón de copias vendidas de su primer álbum "Songs from a Secret Garden", en más de 50 paises, del más de un año que llevaba este trabajo en las listas de ventas de la revista "Billboard", y de la relación de lugares en que ha alcanzado la categoría de disco de oro o platino.
No obstante, Rolf matiza: "Por supuesto, no puedo quedarme al margen del hecho de que la gente vaya a la tienda a comprar mis discos, pero prefiero hablar de las impresiones al componer mezclando elementos clásicos y tradicionales para dar lo que es finalmente mi música. Para la parte del 'marketing' están los sellos discográficos, que además llegan muy bien a los mercados, y para ver cómo te meten en el 'Billboard' junto a músicos como Vangelis o Enya. Eso es ya una gran caja que se puede llamar música instrumental, pero no queremos estar metidos en un cajón específico como 'new age' o cualquier otro."
El impacto de ganar la edición del año 1995 del Festival de Eurovisión, frente a la parafernalia pop y la música caduca presente en este evento en los últimos años, supuso una sorpresa en todos los ámbitos del festival. Fue una locura presentarse compitiendo por Suecia con un tema casi instrumental, "Nocturne", contra todo un caleidoscopio de canciones entre insulsas y estridentes. Y, sin embargo, ganó aún siendo una de las favoritas de los críticos. Rolf apunta: "Nos planteamos qué podría significar Eurovisión para nuestra música. Era algo inesperado y decidimos jugar el factor de lo inesperado; era inesperada la reacción del público a nuestra música e, incluso, era inesperado nuestro perfil, no obedecía nada a lo que se había visto anteriormente. Queríamos crear una respuesta emocional entre el público y ni por un solo segundo nos hemos arrepentido de aquello. Sabíamos que era un gran riesgo puesto que 'Nocturne', la canción con la que ganamos, pertenecía a un disco que ya estaba editado. Era un experimento, tiramos para adelante y no nos hemos arrepentido de hacerlo."
Después de los excelentes resultados conseguidos con el álbum de debut, es lógico pensar en el grado de exigencia sufrido en la grabación de su segundo, "White Stones". A partir de ahí, la carrera de Secret Garden ha seguido una corriente a caballo entre el reconocimiento mundial y la calidad de las composiciones de Rolf Lovland.
Durante la etapa de promoción del primer álbum, Fionnuala Sherry tuvo un accidente que casi termina con su carrera. Después de caer por una escalera, se rompió el hombro por dos sitios. Con dos operaciones quirúrgicas, sesiones de fisioterapia infinitas, y una abrazadera metálica, fue capaz de tocar otra vez.
Cuando Fionnuala grabó sus partes de violín para White Stones en noviembre de 1996, su brazo todavía la atormentaba con el dolor. El nuevo repertorio era técnicamente más provocativo y ellos no querían que la herida fuera "una excusa". Ella empezó a tocar aún mejor que antes. Y parece que logró su objetivo, y ayudó a Rolf en su esfuerzo para mantener vivo el mismo espíritu creativo, usando las mismas semillas y cosechando una nueva cosecha.
White Stones fue recibido por el público de Secret Garden con el mismo entusiasmo que Songs from a Secret Garden, y consiguió unas ventas de la misma magnitud. Esto alcanzó otra permanencia máxima en las listas de ventas por dos años. Los artistas describen el álbum como una continuación de las ideas y pensamientos conceptuales desarrollados en el primer álbum, pero también como un álbum de funcionamiento donde las composiciones fueron diseñadas para ser más convenientes para un concierto en vivo. Esto también condujo a la formación de un conjunto turístico y el principio de conciertos en directo por el mundo entero.
En 1998 recibieron una extraordinaria carta de Barbra Streisand, quien solicitó su canción "Heartstrings" para su boda. Ana Hampton Callaway añadió unas letras al tema instrumental y Barbra Streisand lo interpretó como parte de su discurso de boda con el actor James Brolin. Más tarde lo registró y lo grabó como el primer single de su álbum "A Love Like Ours". En su concierto Millenium-live de Las Vegas realizó la segunda grabación, y también lo incluyó en "Streisand Essential" en 2002. Amablemente realizó una declaración de prensa en la que dice: "Espero que la gente en América descubra la maravillosa música de Secret Garden".
En 1999 Secret Garden comenzó a trabajar sobre su tercer álbum Dawn Of A New Century. Coincidiendo con la grabación, también produjeron un concierto en directo para PBS en EE.UU.. La "performance" duró cerca de dos horas y fue un récord en Lillehammer, Noruega, y fue reconocido en todas partes de los Estados y en otros continentes. El programa también está editado en vídeo y DVD.
Dawn Of A New Century incluye 3 pistas vocales, dos realizadas por Fionnuala, "Prayer", cantada por la cantante escocésa Karen Matheson. También contiene un final épico, destacando el coro irlandés Anùna. Este tema fue realizado en el concierto del Premio Nóbel de Paz 2000. Otra vez el álbum tuvo el éxito de los dos álbumes anteriores en la Billboard, y otra vez el grupo viajó por Asia, Europa, Sudamérica y los EE.UU. en su programa más extenso hasta ahora en toda su carrera. Entre las actividades había una gira de 40 conciertos por los EE.UU. a finales de 1999, que incluyó una serie de tres conciertos con la Orquesta Filarmónica de Hong Kong en el Queen Elisabeth Hall de Londres y un concierto de fin de milenio con la Orquesta Sinfónica de Kristiansand.
En 2000 el álbum "Dreamcatcher" fue recogido para el mercado británico. Contenía el material de los tres primeros álbumes más una grabación especial del villancico "I Know a Rose Tree", siendo editado incluso en EU, Canadá, Irlanda y en algunos territorios asiáticos.
"Once In a Red Moon", fue escrito y grabado durante 2001. Contenía el tema "You raise me up" con la letra escrita por Brendan Graham, realizado por Brian Kennedy, y también a dúo con el violonchelista inglés Julian Lloyd Webber, llamado "Dúo", este álbum ha encabezado las listas en Noruega y Irlanda y la Billboard en los Estados Unidos. "You raise me up" fue catalogado como una de las canciones más solicitadas de la emisora de radio inglesa BBC 2. También fue usada para las Olimpiadas de invierno de 2002 en Salt Lake City, e incluso realizada como la parte de la conmemoración la tragedia en Nueva York del 11 de septiembre de 2001.
"You raise me up" se grabó en más de 40 versiones por todo el mundo con las traducciones de la canción en español, italiano, francés y persa, por citar unos cuantos. Entre sus intérpretes, caben citar el cuarteto Il Divo, Aled Jones, Westlife, Ronan Tynan, Sissel Kyrkjebø, Russell Watson, Selah y Celtic Woman. Quizás la versión más notable fue la de Josh Groban en 2003. Su versión de la canción alcanzó el número 1 en la Billboard y el álbum el nº 1 de la Billboard 200 semanas consecutivas. La canción también fue interpretada en la SuperBowl como una conmemoración especial al equipo de la NASA que falleció trágicamente en el accidente del Columbia delante de una audiencia de TV mundial de aproximadamente 900 millones. En 2003 viajan extensivamente por Noruega, Corea, Japón e Irlanda, donde interpretaron con el Irish RTE Philharmonic Choir and the RTE Concert Orchestra y donde "Once in a red moon" ganó el Oro.
Secret Garden siguió viajando en 2004. Su Viaje a Australia y Singapur fue destacado por un lleno en la Casa de Ópera de Sidney. En mayo viajaron a Corea por séptima vez donde el cantante de opera Young Ok Shin la interpreta con ellos, realizando una selección de canciones de Secret Garden con la nueva lírica coreana.
Un nuevo disco salió a la venta coincidiendo con este viaje, The Ultimate Secret Garden, que también salió a la venta en Singapur, Malasia, Taiwan y Hong Kong. Recientemente completó un viaje de cinco semanas por Asia con conciertos en China, Taiwán y Hong Kong donde tocaron con Ding Sisters. La canción "Adagio" fue escogida por el célebre director Wong Kar-Wai como un tema musical que se repite en todas partes de su última película “2046”.
Un nuevo disco de Secret Garden con canciones completamente nuevas se puso a la venta el 29 de noviembre de 2005. El CD se titula "Earthsongs" y está producido en su totalidad por los propios Secret Garden (Rolf Lovland y Fionnuala Sherry). Consta de 15 temas grabados en los estudios Groose Looge y RTE Studio 1, ambos en Irlanda, y PUK Studio, en Dinamarca bajo las órdenes de Alan Meyerson, de Los Angeles (California).
En el año 2007 sale a la luz el que es, hasta ahora, su último album Inside I'm Singing. Este cd conmemora los 10 exitosos años de su carrera musical, cada canción es espectacular, un relax y armonía en cada nota, extremandamente bien interpretada o ejecutada. En él, participan los siguientes artistas: Barbra Streisand, Elaine Paige, Brian Kennedy, Niamh Kavanagh, Peter Corry, Tracy Campbell, Tommy Körberg, Peter Jöback, Anne Takle, Espen Grjotheim and Steinar Albrigtsen.
Adicionalmente hay dos nuevos temas instrumentales de Secret Garden.
DISCOGRAFÍA:
Songs from a Secret Garden (1996) White stones (1997) Fairytales (1998) Dawn of a New Century (1999) Dreamcatcher (2001) Once in a Red Moon (2002) Dreamcatcher: Best Of (2004, Australia) Earthsongs (2005) Inside I'm Singing (2007)
TERRY OLDFIELD nació en Londres, Inglaterra, en 1949 y pasó su niñez en la localidad de Reading, y en donde ingresó en una escuela del monasterio benedictino. Las tempranas experiencias musicales de Terry las hallaba en los pubs de ambiente "folk" tanto a finales de los 60 como a comienzos de la década siguiente, escuchando las canciones de Leonard Cohen, Bob Dylan, Bernt Jansch y John Renbourne.
Terry abandonó la escuela a los 16 años para comenzar a viajar por el mundo y trabajar por libre para varias bandas de rock y folk, como los Byrds, en puesta de escena y sistemas de mezclas de sonido. Durante una larga estancia en la isla griega de Hydra, descubrió su primer instrumento musical: la flauta, aprendiéndola a tocar de un modo nada académico. Su único aprendizaje formal ocurrió en Agra (India) donde también aprendió a tocar la tabla.
Decía Terry, "creo que fue una forma útil de aprender a tocar, sin una guía formal, lo que me permitió desarrollar la habilidad de componer música. Pasé muchos días felices improvisando y descubriendo escalas y arpegios por mi cuenta, y pronto comencé a aprender a escribirlas."
En los 70 formó una banda llamada Barefoot junto con su hermano Mike (¿hay alguien que no sepa quién es Mike?), tocando en escuelas y clubs a través del Reino Unido, pero la banda se disgregó al poco tiempo. Mike se uniría al grupo de Kevin Ayers & The Whole World y más tarde comenzaría a trabajar en su exitoso "Tubular Bells". Terry le acompañaría en la flauta durante la presentación oficial del álbum en el Queen Elizabeth Hall de Londres.
Algo más adelante, prestaría a Mike un par de colaboraciones más en sus discos "Ommadawn" a las flautas de pan e "Incantations" con su magistral interpretación con la flauta.
Después recibió el encargo de ponerle música a una producción de la BBC, llamada "Great Railway Journeys of the World". Desde entonces, su carrera como músico independiente se ha ido consolidando y evolucionando de forma más que notable, hasta el punto de ser nominado en un par de ocasiones para los premios Emmy (por sus producciones para las series "Land Of The Tiger" y "Twilight Of The Dreamtime") y una vez para los premios BAFTA (por "Kingdom of the Ice Bear"). También trabajó en "Meerkats United", considerada en una votación popular sobre televisión como la mejor película documental sobre la vida salvaje.
Su carrera contiene una enorme variedad de ideas e influencias y en total ha vendido algo más de un millón de discos en todo el mundo.
Prefiere el término "World Music" antes que el sello intangible de "New Age", aunque este tipo de cosas son precisamente las responsables de que luego no se sepa qué clase de música hace realmente Terry Oldfield. Y para eso, amigos, no existe mejor remedio que escucharla.
Discografía en solitario:
1982 - In Search of the Trojan War 1983 - Sunshine Holidays 1986 - Cascade 1986 - Reverence 1987 - Return to Treasure Island 1987 - In the Presence of Light 1988 - Resonance 1989 - Star of Heaven 1990 - Spirit of the Rainforest 1990 - Angel 1991 - Zen 1992 - Illumination 1992 - Spiral Waves 1993 - Out of the Depths 1993 - Spirit of Africa 1994 - Australia 1994 - Spirit of Tibet 1995 - Earth Spirit 1995 - Icon 1996 - Theme for the Telford Time Machine 1996 - Spirit of India 1997 - South East Asia 1999 - All The Rivers Gold 2000 - Music for Wildlife 2000 - Reflections - The Best of Terry Oldfield 1985-1995 2000 - Across the Universe 2000 - Spirit of the World 2002 - Turning Point 2003 - A Time for Peace 2004 - Yoga Harmony 2004 - Celt 2005 - De Profundis / Out of the Depths II 2005 - Ethereal 2006 - Reiki Harmony 2007 - Terry Oldfield and Soraya Mandala: Forever One 2008 - Terry Oldfield and Soraya Mandala: Circle of Chant
En una entrevista realizada para la revista World 1 Music en el año 1997 llega a decir:
- Sus comienzos en el mundo de la televisión: "Los productores me proporcionan una versión casi terminada de la película y yo le echo un vistazo y charlo con la gente implicada y extraigo todas estas ideas para captar la esencia de la película y compongo la música del tema central y después trabajo en el resto de la música que gira en torno a este tema."
- La Naturaleza como fuente de inspiración: "Es muy importante. Varias veces al año salgo a determinados páramos y otros parajes y paso gran cantidad de tiempo alejado. Encuentro esto muy importante para mí y para mi música y para vaciarme de forma que permita llegar nuevas intuiciones."
- Opiniones sobre su hermano Mike: "Realmente nuestra música es muy diferente y la suya me gusta mucho". "Somos muy buenos amigos y no hay ningún tipo de problema". (no se extiende mucho, por lo que se puede intuir otra cosa bien distinta).
Al igual que Hergest Ridge y Tubular Bells, Ommadawn es otra obra sinfónica en dos movimientos de Mike Oldfield.
Este tercer trabajo de estudio puede considerase como una de las primeras referencias europeas en la llamada World Music. Siguiendo la estructura clásica de sus primeros trabajos, Ommadawn es una obra sinfónica de dos movimientos pero, a diferencia de sus trabajos previos, Ommadawn destila influencias Celtas y Africanas.
El título de la obra no tiene una traducción directa al castellano, pero se asemeja mucho a la palabra irlandesa "Amadán", que significa "loco". Esta especulación procede de la traducción de la letra que tararean los coros al final del primer movimiento de la obra, "ta me an amadán" que viene a ser algo así como "Estoy loco por la música".
A pesar de la actual edición en dos partes, originalmente Ommadawn contenía una tercera pista, la canción "On Horseback", una pequeña pieza vocal compuesta por Oldfield y William Murray. En diciembre de 1975 volvió a aparecer la canción como cara B del Single "In Dulci Jubilo" que alcanzó el número 4 en las listas de ventas del Reino Unido.
En 1990 Mike Oldfield lanza Amarok (álbum), una obra considerada por muchos como una secuela de Ommadawn.
Aun cuando ya ha pasado un día, fue justamente un 21 de octubre del año 1975 cuando salió por primera vez en el mercado el tercer disco en solitario de Mike Oldfield bajo el extraño pero curioso título arriba descrito en la definición que nos daba la Wikipedia y secundada por fans y entusiastas del músico de Reading. Por tanto acabamos de celebrar su 33 aniversario que es de lo que se trata.
Es difícil dar una opinión de un disco que para mí, personalmente, significa un montón de cosas. Ineludiblemente, lo considero de lo mejor de la carrera musical de Mike e indudablemente así lo afirman muchos de sus aficionados.
La Parte 1 empieza con una melodía que se presenta de manera suave, inocente, que se repite una y otra, volviéndose cada vez más graves, logrando transmitir una sensación amenazante. En cierto momento, esta melodía es reemplazada por un solo de guitarra que crece en intensidad y se transforma en un pasaje más optimista, construído a base de varias melodías muy alegres que dan paso al tema inicial, inocente, seguido del segundo tema, amenazante. Entonces inicia una larga parte de ritmos africanos mezclados con frases en galés, que se repite una y otra vez, cada vez más rápido, y sobre la que se van agregando más y más instrumentos, hasta que desemboca en un clímax de guitarras, voces y percusiones, que disminuyen su intensidad para dejar solamente el ritmo obsesivo de las percusiones africanas.
La Parte 2 inicia súbitamente con una cacofonía de guitarras encimadas, bajo la cual se escuchan los mismos elementos rítmicos del final de la Parte 1, hasta que todo se resuelve en una guitarra que interpreta lentamente el tema principal de esta segunda parte, una melodía pastoral que expresa la sensación de un día soleado. La guitarra dejará su lugar a las flautas, en una sección de gran belleza, que también crece poco a poco a medida que se van agregando más instrumentos, la misma técnica que Oldfield empleará una y otra vez en todas sus composiciones. Esta parte termina de manera optimista, para dar paso a una canción sobre caballos, On Horseback, donde Mike se anima a cantar por primera vez, y habla sobre su afición a montar caballos y su particular filosofía de la vida.
Para muchos, "Ommadawn" es la composición más apasionada y sincera de Mike, su verdadera obra maestra. El álbum salió a la venta apenas 9 meses después de que Oldfield ganara un Grammy por "Tubular Bells" y, al igual que "Hergest Ridge", "Ommadawn" no superó las expectativas de otro gran éxito. La presión sobre Mike empezó a resultar insoportable y tuvo consecuencias serias en su vida privada, al no poder compaginar el triunfo, la fama y la riqueza con su necesidad de estabilidad interior. La música de "Ommadawn" habla de esta urgencia de encontrar paz y, aunque musicalmente lo expresa de manera magistral, en la vida real no fue así.
Dadas las fechas en que estamos, después de estas palabras, es tiempo ya de recomendaros su escucha, si nunca habéis tenido esa oportunidad.
Live In Montreaux 1981 (1/3):
Live In Montreaux 1981 (2/3):
Live In Montreaux 1981 (3/3):
Músicos e instrumentos:
Mike Oldfield: harp, electric, acoustic, classical and twelve-string guitars, acoustic and electric basses, mandolin, bodhran, bazouki, banjo, spinet, grand piano, electric organs, synthesizers, glockenspiel, assorted percussion. Not listed but believed to be there...Electric lap steel guitar
Paddy Moloney: uillean pipes. Herbie: northumbrian bagpipes. Leslie Penning: recorders. Terry Oldfield: pan pipes. Pierre Moerlen: timpani. David Strange: cello. Don Blakeson: trumpet. William Murray: percussion. Julian Bahula, Ernest Mothle, Lucky Ranku, Eddie Tatne (Jabula): African drums. Clodagh Simonds, Bridget St John, Sally Oldfield, The Penrhos Kids (Jason, Abigail, Ivan and Briony Griffiths): vocals The Hereford City Band conducted by Leslie Penning.
Produced and Engineered by Mike Oldfield Recorded at The Beacon January - September 1975. African drums recorded at The Manor.
