Para mear y no echar gota. Con esto lo digo todo... y más viniendo de los artistas del bricolage de arte y confección haciendo copias burdas, barateras y oportunistas de todo éxito cinematográfico que se precie: The Asylum.
Por lo visto, ahora recurren a la vieja historia de la película "Piraña" de Joe Dante de 1978, pero amparándose en el posible taquillazo (o gatillazo) del inminente "Piranha 3D" de Alexander Aja, a punto de ser estrenado en estos dias en los Estados Unidos, y magnificándola de tal forma que el tamaño de estos carroñeros peces crezca hasta el infinito (bueno, hasta hacer que los helicópteros parezcan canapés en la boca de estos "pececitos" hambrientos). Todo comienza en la Amazonia, bajo las aguas de su enorme y caudaloso rio. En ellas, un enjambre de feroces pirañas gigantes que han vuelto a aflorar desde su aparente extinción hace millones de años, buscan su camino a través del Amazonas para ir a parar a la soleada costa de Florida (¿por qué seráaaaa?). Durante su periplo, provoca el terror entre los humanos, pero mucho más cuando se conoce que su enorme y progresivo tamaño van a provocar consecuencias muy dantescas.
Esto parece un estirón, pero a mala idea e igualmente torticero, de su otro esperpento, del que hablé no hace mucho, "Mega Shark Vs Giant Octopus". Hala, si no queréis pelearos por verla, tenéis hasta el argumento completo en la Wikipedia (in English, of course): http://en.wikipedia.org/wiki/Mega_Piranha. Hasta resultará divertido y todo...
LP Tattoo Records (USA), BJL-1-1888 (1976) (also as promo) LP Tarantula Records (Germany), FIC-SP 8666 (1988)
CD Tarantula Records (Germany), FIC-SP 8666 CD (1988) CD Varèse Sarabande (Europe), VSD-5281 (1990) CD Varèse Sarabande (Europe) (2001) (Deluxe Edition, with new tracks)
LP Tracklist:
Side A:
Ave Satani 2:32 The New Ambassador 2:33 Killer's Storm 2:52 A Sad Message 1:42 The Demise Of Mrs. Baylock 2:52 Don't Let Him 2:48
Side B:
The Piper Dreams 2:39 The Fall 3:42 Safari Park 2:04 The Dog's Attack 5:50 The Homecoming 2:43 The Altar 2:00
De-Luxe Edition Tracklist:
1. Ave Satani 2. On This Night 3. New Ambassador 4. Where Is He? 5. I Was There 6. Broken Vows 7. Safari Park 8. Doctor, Please 9. Killer Storm 10. Fall 11. Don't Let Him 12. Day He Died 13. Dog's Attack 14. Sad Message 15. Beheaded 16. Bed 17. 666 18. Demise of Mrs. Baylock 19. Altar 20. Piper Dreams
Título original: The Exorcist
Director: William Friedkin
Guionistas: William Peter Blatty, basada en una novela suya.
Reparto:
Jason Miller: Padre Damien Karras
Ellen Burstyn: Chris MacNeil
Max von Sydow: Padre Lankester Merrin
Jack MacGowran: Burke Dennings
Linda Blair: Regan Teresa MacNeil
Kitty Winn: Sharon Spencer
Lee J. Cobb: Teniente Kinderman
Sinopsis:
Durante las excavaciones a unas ruinas al norte de Irak, el arqueólogo y sacerdote Lancaster Merrin (Max von Sydow) entra en pánico tras encontrar vestigios anacrónicos al periodo estudiado. El jesuita presiente que el Mal ronda y lo confirma cuando se topa con la estatua del demonio Pazuzu entre las excavaciones. Un viejo enemigo está por volver.
Justo después, la acción se traslada a Georgetown (Washington D. C.). Regan MacNeil (Linda Blair), una niña de doce años, comienza a experimentar violentos cambios de personalidad que ni la ciencia y la psiquiatría pueden resolver. Su madre, Chris MacNeil (Ellen Burstyn), desesperada, recurre finalmente a la Iglesia, quien envía al padre Merrin a realizar un exorcismo que salve la vida de la pequeña.
Curiosidades de la Pelicula:
Son muchísimas, enumeradas y comentadas a continuación, prácticamente en el mismo orden en que se va desarrollando la trama:
El lugar de la excavación arqueológica que se ve al principio de la película es en verdad el antiguo Nineveh en Hatra (Irak). Sólo el equipo técnico británico necesario para rodar la película en Irak estuvo allí, debido a que USA no tenía buenas relaciones diplomáticas con dicho país asiático. Además, le permitieron filmar con la condición de enseñar a los directores de cine del iraquí, avances técnicos y cómo se podía hacer sangre falsa. Fue lo último que se grabó, si bien todas las escenas grabadas en Irak fueron las primeras en verse en la película.
La estatua de "Pazuzu" que representa al demonio que posee luego a la niña, fue enviada accidentalmente a Hong Kong, antes de llegar a Irak, lo que obligó a retrasar el rodaje un par de días. Curiosamente, años más tarde, en la película "Wishmaster" (1997) del director Robert Kurtzman, aparecía una estatua muy parecida.
William Peter Blatty tiene un pequeño papel en este filme, apareciendo como el productor de la película en la que Chris (Ellen Burstyn) participa en su rodaje. Se le ve momentáneamente cuando ella está hablando con Burke Dennings (Jack MacGowran), en el papel de director.
Los estudiantes de la Universidad de Georgetown cobraron 5 dólares a cada uno de los curiosos, por poder mirar desde las azoteas.
El apartamento de la Avenida Prospect donde tiene lugar la historia, fue habitado una vez por el autor de la novela, William Peter Blatty, mientras él estaba estudiando en la Universidad de Georgetown.
La residencia verdadera sita en Georgetown que se utilizó para las tomas exteriores, tenía algo más de una yarda (algo más de 1 metro) de separación entre la misma y los empinados escalones de la calle. Una distancia imposible de alcanzar para cualquier persona que fuera lanzada a través de la ventana más próxima de la casa. Entonces, para la película, se empleó varios planos que daban la impresión de que tal distancia era mucho menor.
La canción griega que suena en la radio cuando el padre Karras sale de la casa de su madre, se llama "Paramythaki mou" cantada por Yiannis Kalantzis. Años más tarde, el escritor de la letra, Leyteris Papadopoulos, cuando se encontró con unas dificultades económicas, solicitó una cierta remuneración por los derechos de dicha canción a la productora.
Existe una versión de la película emitida solamente en televisión, en la que se sustituye la obscena escena de la profanación de la estatua de la virgen María vista casi enteramente, por un primer plano de la cara de la estatua rota y pintada, para evitar las consecuentes controversias con grupos y personas religiosas.
En algunas escenas se puede ver a una cara demoniaca en blanco y negro, que aparece y desaparece en muy poco tiempo (en la versión sin cortes del director se incluyeron imágenes subliminales de ella); pues dicho rostro pertenece a la actriz Eileen Dietz (quien también hizo de doble de Linda Blair), que necesitaba de cuatro horas de maquillaje para su tenebrosa caracterización. En la materialización de dicho rostro, William Friedkin se inspiró en la máscara de demonio que se utilizó en el filme "Onibaba" de Kaneto Shindô.
La primera escena en ser filmada de la película, es cuando el padre Karras (Jason Miller) camina apenado por los pasillos del hospital psiquiátrico, discutiendo sobre el internamiento de su madre por parte de su tío. Se construyeron tres camas separadas para realizar tres movimientos de la misma por separado.
La enfermera que entra con el Dr. Taney (Robert Symonds) en el despacho, después de hacer el arteriograma a Regan, es Elinore Blair, la madre de Linda Blair.
La contorsionista Linda R. Hager fue contratada para realizar la escena de Regan (Linda Blair) bajando las escaleras como si fuera una araña. William Friedkin eliminó la escena completa en la versión original, porque pensaba que ocurría demasiado pronto. Casi 30 años después, Friedkin decidió agregarla en la edición especial. Hager realizó la escena el 11 de abril de 1973 utilizando un arnés sujeto al techo por alambres, apenas tocaba los escalones con sus manos y pies.
En esa escena de la "araña", realmente se filmaron tres versiones distintas del final. 1º) La emitida en The Director's Cut, que es la que termina con Regan vertiendo sangre por la boca. 2º) Más fiel a la novela, Regan mueve la lengua como una serpiente y persigue a Chris y a Sharon. 3º) Acaba mordiendo a Sharon en la pierna.
ESCENA INCLUIDA EN LA EDICIÓN EXTENDIDA (DIRECTOR'S CUT):
ESCENA EXTENDIDA, INCLUYENDO EL ATAQUE A SHARON SIN LLEGAR A MORDERLA
Esta escena en concreto, más tarde se copió en el filme "Ruby" protagonizado por Piper Laurie, así como en otras películas de bajo presupuesto.
Mercedes McCambridge, que puso la voz al demonio, tuvo que demandar a la Warner para que su nombre acabara apareciendo en los créditos; además, Friedkin no quiso volver a trabajar con ella. Se cuenta que para conseguir la voz del demonio, tuvo que tragarse 18 huevos crudos, una manzana y después ser atada a una silla.
Para la escena de la "masturbación" con el crucifijo y la posterior agresión a la madre, se utilizó una doble de Linda Blair para rodarla, salvo al comienzo de la misma, cuando se ve un primer plano de la actriz.
Durante la producción de la película, no faltaron algunos accidentes imprevistos: la actriz Ellen Burstyn sufrió una lesión espinal permanente durante la película. Fue en la escena en la que Regan, ya poseída completamente, la lanza lejos contra el suelo; el arnés que la tenía sujeta, tras varios intentos, le dio un tirón más fuerte de lo previsto y se cayó con violencia sobre su coxis. Lanzó un fuerte grito de dolor que fue filmado y empleado por Friedkin luego en la película. También, Linda Blair se dañó la espalda cuando un trozo de aparejo se rompió mientras era lanzada contra la cama.
Gonzalo Gavira realizó muchos de los efectos sonoros en este filme, después de que le gustara el trabajo que realizó en "El Topo" al director Friedkin. Por ejemplo, para simular el crujir de los huesos de Regan (Linda Blair) cuando gira su cabeza 360 grados, realmente es él retorciendo una vieja billetera de cuero de uno de los técnicos delante de un micrófono.
Para la referida escena de la cabeza giratoria, se hizo una muñeca de latex a tamaño natural que era controlada por control remoto. El maniquí que se usó para dicha toma, se colocó previamente en el asiento delantero de un taxi que fue viajando por Nueva York, para ver las muchas reacciones de los pasajeros.
El set de la habitación de Regan fue refrigerado con cuatro acondicionadores de aire que permitían reducir la temperatura hasta cerca de 40 grados bajo cero. Era tan extremo el frío que la respiración del equipo técnico se llegaba a solidificar; cada cierto tiempo, el equipo debía limpiar el set pues, por la humedad, se formaba nieve en el techo. Este sistema se construyó para captar el vaho auténtico de la respiración. Linda Blair, que llevaba puesto sólo un camisón en el rodaje, no podía pararse si no quería quedarse congelada.
El vómito verde que expulsa Regan hacia el padre Karras era en verdad sopa de guisante de la marca Anderson. El efecto no salió como tenía previsto el equipo técnico: la actriz Linda Blair, que odiaba la verdura, movió su cabeza hacia arriba del asco y el potingue golpeó en la cara del actor Jason Miller, cosa que no se especificaba en el guión, pero Friedkin incluyó dicha toma en la edición final por el impacto de la misma. Es una de las escenas más icónicas de todo el filme.
La escena en donde se analiza la cinta grabada por Karras se rodó en la Universidad de Fordham (Nueva York), la misma que llega a aparecer en los filmes de "Una mente maravillosa", "Quiz Show: El dilema" y "Veredicto final".
En la escena del laboratorio de audio, se puede ver un cartel blanco con las letras escritas en rojo sobre la pared encima del cristal que pone: "TASUKETE", dicha palabra significa "Ayúdame" en japonés.
La famosa escena de la llegada del padre Merrin (Max von Sydow) a la casa y parado bajo la luz de una farola (empleada en el póster promocional), fue filmada el primer día de rodaje. Como información adicional, aquella escena estaba inspirada en el cuadro "L'Empire des lumières" ("The Empire of Light") de René Magritte pintado en 1954.
El actor Max von Sydow necesitaba varias horas de maquillaje para que su cara y manos diera la impresión de tener una avanzada edad y sensación de cansancio en todas las escenas en las que participaba. Max Von Sydow tenía en realidad 42 años de edad al inicio de la producción del film y 44 cuando se finalizó la misma para su estreno. Hay que recordar que este gran actor nació en abril del año 1929, por encima de los que aparentaba tener en la película (alrededor de los 70 años, gracias a los efectos del maquillaje).
El nombre completo del personaje que interpreta Linda Blair es Regan Teresa MacNeil. Se puede escuchar en la versión sin cortes del filme, en una escena donde el padre Merrin pregunta a la madre por el segundo nombre de su hija. De todas formas, Merrin durante el exorcismo llega a emplear el nombre completo de Regan.
En algunas de las escenas de miedo, se empleó el zumbido de las abejas como sonido de fondo para crear un ambiente de tensión.
El sonido del demonio cuando abandona el cuerpo de Regan es en realidad los gruñidos de cerdos antes de una matanza.
En la escena en la que el Padre Karras se arroja violentamente a través de la ventana de la habitación de Regan hacia las escaleras del exterior y rodar violentamente hasta el suelo, el especialista encargado de doblar a Jason Miller tuvo solamente que rodar dos veces dicha escena de manera violenta para que resultase lo más realista posible.
La última escena donde el padre Dyer (Reverendo William O'Malley) da la extremaunción al padre Karras, gravemente herido de muerte, fue necesario repetirla muchas veces, pues no salía como quería el director. Al final, Friedkin, cansado, se le acercó; le preguntó que si confiaba en él y, tras la aseveración del mismo, le dio una fuerte bofetada y se puso a grabar. La toma fue buena. Ello explica el convincente temblor de su mano y su rostro acongojado. Además, recordar que el reverendo William O'Malley era sacerdote de verdad y no un actor profesional.
¿MALDICIÓN O INCIDENTES VARIOS?
Se llegó a pensar que el filme tenía una "maldición", pues antes de su estreno y a los pocos años después, hasta nueve personas fallecieron relacionadas directa o inderectamente con la producción. Algunos casos ciertamente llamativos producidos antes del estreno fueron:
- El actor Jack McGowan, que a las dos semanas de rodar todas sus escenas como Burke Dennings, falleció el 30 de Enero de 1973 en Nueva York a los 54 años por culpa de una neumonía.
- Vasiliki Maliaros, quien interpretaba a la madre del Padre Karras, falleció el 9 de febrero de 1973 en Nueva York a los 89 años por causas naturales.
- Un extraño fuego de origen desconocido destruyó gran parte del set durante un fin de semana, lo que provocó que el rodaje se retrasara seis semanas.
- El evangelista cristiano Billy Graham, aseguró que un demonio real se encontraba en la bobina de la cinta. Quien lo hubiera creido, se lo habría tomado de una forma o de otra, pero no trascendió más allá del mero absurdo de aquella afirmación.
Otros casos ocurridos justo después de estrenarse en los cines:
- Cuando el filme se estrenó en 1973, causó la histeria en varias salas, la gente no paraba de gritar, se desmayaba y hasta algunas sufrían crisis de ansiedad; muchas ambulancias se tuvieron que desplazar a cines y teatros.
- Tras el estreno de la adaptación teatral de "El Exorcista" en el Theatre Comedy de Londres, en Inglaterra (1975), la actriz protagonista, Mary Ure, falleció en extrañas circunstancias aquella misma noche. Se especuló entonces con el sucidio, pues había consumido un cóctel de whisky y barbitúricos.
- Es conocido también que Linda Blair llegó a recibir muchas amenazas de muerte, por lo que Warner Bros tomó medidas protegiéndola con guardaespaldas durante los seis meses siguientes al estreno.
- El póster original de la película que el estudio creó, era una foto de la mano ensangrentada de Regan con el crucifijo, y debajo la frase: "God help this girl! (Dios ayuda a esta chica). Friedkin lo rechazó alegando que la palabra Dios no debía utilizarse en el poster de ninguna película.
- El teaser trailer original, que consistía sólo en imágenes que destellaban del demonio con la cara blanca y el fondo negro, fue prohibido en muchos cines, pues opinaban que era: "Demasiado espantoso".
OTRAS CURIOSIDADES
Se comenta que el director William Friedkin durante el rodaje tuvo diversos momentos de arrebato de distinto calibre con los actores, llegando incluso a usar la agresión física. Una situación para nada agradable para buena parte del elenco: realizó disparos desde detrás de los decorados con un arma de fogueo para conseguir que los actores se sobresaltaran; abofeteó a un actor en la cara antes de rodar una toma; puso arneses a las actrices Linda Blair y Ellen Burstyn para poder darlas fuertes tirones cuando fuera necesario en alguna escena. Ya he comentado antes de la lesión permanente de Ellen Burstyn en su espalda por este motivo.
Cuando en el año 2000 se volvió a estrenar en los cines el montaje del director (Director's Cut), se invirtió en él un millón de dólares en mejorar la imagen y el sonido; el presupuesto del filme original fue de 12 mill. de dólares y en total ha recaudado (contando el nuevo montaje) en todo el mundo 441 mill. de dólares.
El director Friedkin en una ocasión le preguntó al reverendo Thomas Bermingham (tiene una aparición como Tom, el presidente de la Universidad), quien participó como supervisor técnico en este filme, si realizaría un exorcismo en el set de rodaje. Él se negó argumentando que con ello se aumentaría la ansiedad de todos. Bermingham lo que hizo fue bendecir el set y tranquilizar a los actores y equipo técnico. Después de este filme, el reverendo Thomas Bermingham, fue supervisor religioso en las películas de terror: "Terror en Amityville" y "Amityville II: La Posesión".
Originalmente estaba programado que el rodaje durara 85 días, pero al final sólo contando el tiempo empleado en América fue de 224 días. Después de terminar la filmación, Friedkin llevó la producción al 666 (para más recochineo) de la 5ª Avenida de Nueva York.
La Warner llegó a ofrecer dirigir el proyecto a realizadores como Arthur Penn, Peter Bogdanovich, Mark Rydell, Mike Nichols y Stanley Kubrick, pero todos ellos por un motivo u otro rechazaron la proposición.
El director John Frankenheimer, que un mes antes de morir abandonó el proyecto de "El Exorcista: El comienzo" (2004), en su día le ofrecieron dirigir la primera parte de la saga.
Al director John Boorman le ofrecieron rodar "El Exorcista", pero rechazó la oferta porque él pensaba que la historia era cruel para los niños. Sin embargo, años más tarde dirigió la pésima secuela "Exorcista II: El hereje" estrenada en abril de 1978.
Para el papel de Chris MacNeil se llegó a pensar en varias actrices, entre ellas grandes oscarizadas como: Jane Fonda (rechazó formar parte del proyecto), Geraldine Page (rechazó el papel), Audrey Hepburn (habría aceptado si se hubiera filmado en Roma) y Anne Bancroft (fue una opción pero se encontraba en su primer mes de embarazo y al final se la descartó).
La actriz Ellen Burstyn aceptó hacer la película con una única condición, eliminar del guión una frase que su personaje decía: "Creo en el diablo". Los productores accedieron a dicha petición.
La actriz Linda Blair fue seleccionada para el papel de Regan, después de que el director William Friedkin hubiera entrevistado a más de 600 jóvenes por todo Estados Unidos.
La agencia representante de Linda Blair la pasó por alto (aún era poco conocida) y recomendó antes a otras 30 clientes para el papel de Regan. La madre de Blair la llevó al lugar del casting para que probara suerte. De aquella lista de posibles candidatas, la mejor colocada era la actriz Pamelyn Ferdin.
El estudio quería que Marlon Brando hiciera el papel del padre Merrin, pero Friedkin enseguida se negó en rotundo, pues pensaba que el actor (quien acababa de estrenar "El padrino") acapararía todo el protagonismo por encima del director y del guionista.
En un principio, el actor Stacy Keach fue contratado por William Peter Blatty para el papel del padre Karras, pero, un día, William Friedkin descubrió en un teatro de Broadway a un actor llamado Jason Miller, que nunca antes había actuado en ninguna película. Entonces, la Warner decidió romper el contrato con Keach y acabaron dando el papel a Miller. Se pensó también en los actores Jack Nicholson, Paul Newman y Gene Hackman para el papel del Padre Karras, antes de que lo consiguiera Jason Miller.
Vasiliki Maliaros realizó la primera y única interpretación en una película, como la madre del padre Karras. William Friedkin la descubrió en un restaurante griego, sólo tenía experiencia de haber hecho dramas griegos sobre un escenario. Además, Friedkin y Blatty la eligieron pues les recordaba a sus propias madres.
La inspiración para que William Peter Blatty escribiera el libro en el que la película se basa, la obtuvo de un episodio verdadero de exorcismo ocurrido en 1949. El escritor tuvo conocimiento de tal suceso cuando estando en la Universidad de Georgetown, leyó un artículo al respecto en el Washington Post escrito por Bill Brinkley; el titular era "Priest Frees Mt. Rainier Boy Reported Held In Devil's Grip". Se trataba de un niño de 13 años que vivía en Mount Rainer (Maryland, USA); el nombre del chico en cuestión se publicó con un seudónimo, 'Roland Doe' para preservar su intimidad; el exorcismo ocurrió entre Enero y Abril de 1949.
MIKE OLDFIELD Y LA BANDA SONORA DEL FILME:
El empujón necesario para que las ventas del disco "Tubular Bells" de Mike Oldfield subieran como la espuma en Estados Unidos vino cuando William Friedkin, animado por el visionario empresario Richard Branson, decidió usar un extracto de cuatro minutos del famoso álbum en la película. No obstante, Mike no fue consultado respecto a la asociación de su obra con aquella película, y más tarde diría a los periodistas que aquello no le había gustado del todo en muchísimas ocasiones.
Los fragmentos utilizados durante las escenas del paseo de Chris McNeil por las calles de Georgetown, el diálogo entre el padre Karras y el sacerdote Dyer en la habitación del primero en la Universidad (se escucha muy de fondo un fragmento del disco, como si estuviera oyéndose en una habitación contigua -secciones Trash y Jazz, si tenemos en cuenta la nueva versión de Tubular Bells grabada en 2003-), las convulsiones de Regan en el hospital previo al diagnóstico definitivo de los médicos y los créditos finales de la película, fueron suficiente para catapultar a la fama internacional al tímido músico británico.
El resto de la banda sonora (como hiciera Stanley Kubrick con varias de sus películas) fue escogida por el director Friedkin en base a su dramatismo sonoro y su intensidad, usando fragmentos de obras de Jack Nitzsche, K. Penderecki y Anton Webern, entre otros.
Dicho álbum sería luego editado tanto en vinilo (1973, Warner Bros WS 2774) como posteriormente en CD (1998, Warner Bros 1617700-CD).
Este es el listado de los temas incluidos en su tracklist:
Cara A:
1 Jack Nitzsche/Krzysztof Penderecki - Iraq 1:57
2 Mike Oldfield - Georgetown/"Tubular Bells" 5:28
3 Anton Webern - Five Pieces for Orchestra, Op. 10 1:16
4 Krzysztof Penderecki - Polymorphia 11:49
Cara B:
1 Krzysztof Penderecki - String Quartet (1960) 7:11
2 Harry Bee - Windharp 2:42
3 George Crumb - Night of the Electric Insects 1:38
4 Krzysztof Penderecki - Kanon for Orchestra and Tape 9:48
5 Mike Oldfield - Tubular Bells 0:28
6 Hans Werner Henze - Fantasia for Strings 2:12
Hasta el día de hoy cuenta con 4 secuelas: "Exorcista II: El hereje" (1977) de John Boorman, "El exorcista III" (1990) de William Peter Blatty, "El exorcista: El comienzo" (2004) de Renny Harlin y "El exorcista: El comienzo - La versión prohibida" (2005) de Paul Schrader.
La edición española en DVD
Y solo queda decir que la película se editó por primera vez en DVD en España hacia 1999. Esta misma edición se descatalogó al poco de ser lanzado en este mismo formato The Director's Cut algún tiempo después.
Entre las particularidades que recaen en la primera edición en DVD de "El Exorcista" está en que se ha respetado el primer doblaje original en castellano, con sus peculiaridades en muchos diálogos, particularmente entre el detective Kinderman (Lee J. Cobb) y el padre Karras. Para la nueva edición del director, se contó con un nuevo elenco de actores de doblaje que usaron el guión original para adaptarlo al castellano y respetando hasta cierto punto el texto original. Sin embargo, con ese nuevo doblaje, los diálogos en castellano en The Director's Cut eran ciertamente más planos y menos intensos de lo que habría sido normal, sobre todo en las escenas de miedo y pánico. Es aquí donde el doblaje de la primera versión gana por goleada a la nueva.
La primera edición del referido DVD con el montaje original difícilmente se puede encuentrar actualmente, aunque sea de segunda mano. No obstante, es posible encontrarla en páginas de compra-venta y de segunda mano como eBay, CEX y Todocolección. Los datos más importantes de la misma se dan a continuación:
Año edición: 1999
Idiomas en Dolby Digital 5.1: Inglés / en Mono: Español / Alemán.
Subtítulos: Inglés / Alemán / Castellano / Holandés / Sueco / Noruego / Danés / Finlandés / Portugués / Hebreo / Polaco / Griego / Checo / Turco / Húngaro / Islandés / Croata / Francés / Italiano / Inglés para sordos / Alemán para sordos.
Formato: 16:9 (1.85:1)
Certificado de calificación: 20.385
Duración: 117' Minutos Aprox.
Nº Catálogo: DVD (Z4) 17557
Código de barras: 7-321926-175577
Presentación: estuche semi cartón con cierre de plástico, similar al del Director's Cut (según comentarios aportados)
Tales of Mystery and Imagination is the debut album by the progressive rock group The Alan Parsons Project, released in 1976. The album's avant-garde soundscapes kept it from being a blockbuster, but the interesting lyrical and musical themes — retellings of horror stories and poetry by Edgar Allan Poe — attracted a small audience. The title of the album is taken from a popular title for Poe's macabre tales of the same name, Tales of Mystery & Imagination, first published in 1908 and many times since under this name. Critical reaction to the album was often mixed; for example, Rolling Stone's Billy Altman concluded that it mostly failed at reproducing Poe's tension and macabre fear, ending by claiming that "devotees of Gothic literature will have to wait for someone with more of the macabre in their blood for a truer musical reading of Poe's often terrifying works".
This album was released in the U.K. originally with a different name. Simply called The Alan Parsons Project, it was successful enough to achieve gold status but later that year the same album was released under the name of Tales of Mystery and Imagination.
"The Raven" features actor Leonard Whiting on lead vocals, with Alan Parsons performing vocals through an EMI Vocoder. According to the album's liner notes, "The Raven" was the first rock song ever to feature a digital vocoder.
The Prelude of "The Fall of the House of Usher", although uncredited, is based on the opera fragment "La chute de la maison Usher" by Claude Debussy which was composed in 1908-1917.
Tales of Mystery and Imagination peaked at #38 on Billboard's Pop Albums chart. "(The System Of) Doctor Tarr And Professor Fether" peaked at #37 on the Pop Singles chart.
The original version of the album was available for several years on vinyl and cassette, but was not immediately available on CD. This was due in part to Parsons' desire to rework some tracks. In 1987, Parsons completely remixed the album, including additional guitar passages and narration (by Orson Welles) as well as updating the production style to include heavy reverb and the gated drum sound of the 80s. The CD notes that Welles never met Parsons or Eric Woolfson (recently passed away by a cancer), but sent a tape to them of the performance shortly after the album was manufactured in 1976. In 1994 Mobile Fidelity Sound Lab (MFSL) released the original 1976 version on CD (UDCD-606), making the original available digitally for the first time. In 2007, a Deluxe Edition released by Universal Music included both the 1976 and the 1987 versions remastered by Alan Parsons during 2006 with eight additional bonus tracks.
Tracklists:
Original LP:
Side A:
1. A dream within a dream - 3:43 2. The raven - 3:59 3. The tell-tale heart - 4:42 4. The cask of Amontillado - 4:27 5. (The system of) Doctor Tarr and Professor Fether - 4:19
Side B:
1. The Fall of the House of Usher - 15:05 I - Prelude II - Arrival III - Intermezzo IV - Pavane V - Fall 2. To one in paradise - 4:33
Originally released on LP and cassette by 20th Century Fox Records and Charisma Records. See DiscoGS and Rate Your Music entries.
1987 Remix Album Edition:
As stated before, includes remixed versions of all tracks plus this bonus tracks:
"Eric's Guide Vocal Medley" "Orson Welles Dialogue" "Sea Lions in the Departure Lounge" (sound effects and experiments)[3] "GBH Mix" (unreleased experiments)
2007 Deluxe Edition (2-CD):
CD1 1976 Original Album:
01. A Dream Within A Dream 3.41 02. The Raven 3.58 03. The Tell-Tale Heart 4.42 04. The Cask Of Amontillado 4.28 05. (The System Of) Doctor Tarr And Professor Fether 4.19 06. The Fall Of The House Of Usher 06. a) Prelude 5.52 06. b) Arrival 2.41 06. c) Intermezzo 1.03 06. d) Pavane 4.34 06. e) Fall 0.52 07. To One In Paradise 4.39 08. The Raven (Original Demo) 3.27 (Bonus) 09. Edgar (Demo Of An Unreleased Track) 3.04 (Bonus) 10. Orson Welles Radio Spot 1.03 (Bonus) 11. Interview With Alan Parsons and Eric Woolfson (1976) 8.33 (Bonus)
CD 2 1987-Remix:
01. A Dream Within A Dream 4.13 02. The Raven 3.57 03. The Tell-Tale Heart 4.39 04. The Cask Of Amontillado 4.33 05. (The System Of) Doctor Tarr And Pfofessor Fether 4.21 06. The Fall Of The House Of Usher 06. a) Prelude 7.01 06. b) Arrival 2.39 06. c) Intermezzo 0.59 06. d) Pavane 4.36 06. e) Fall 0.51 07. To One In Paradise 4.54 08. Eric's Guide Vocal Medley 9.14 (Bonus) 09. Orson Welles Dialogue 3.08 (Bonus) 10. Sea Lions In The Departure Lounge - Sound Effects And Experiments 2.38 (Bonus) 11. GBH Mix - Unreleased Experiments 5.22 (Bonus)
Personnel:
Alan Parsons - Organ, Synthesizer, Guitar, Keyboards, Recorder, Vocals, *Producer, Engineer, Projection Eric Woolfson - Synthesizer, Harpsichord, Keyboards, Vocals, Vocals (bckgr), Executive Producer Orson Welles - Narrator (1987 version only) Leonard Whiting - Vocals, Narrator Arthur Brown - Vocals John Miles - Guitar, Vocals Jack Harris - Vocals Francis Monkman - Organ, Keyboards Kevin Peek - Guitar (Acoustic) Terry Sylvester - Vocals Laurence Juber - Guitar (Acoustic) Andrew Powell - Keyboards, Arranger David Paton - Guitar (Acoustic), Bass, Guitar, Vocals, Vocals (bckgr) Ian Bairnson - Guitar (Acoustic), Guitar, Guitar (Electric) Chris Blair - Assistant Engineer Peter Christopherson - Photography David Katz - Violin, Leader, Orchestra Contractor Burleigh Drummond - Drums English Chorale - Vocals Bob Howes - Choir, Chorus John Leach - Percussion, Vocals, Cimbalom, Kantele David Pack - Guitar Smokey Parsons - Vocals Joe Puerta - Bass Tony Richards - Assistant Engineer Jack Rothstein - Leader Daryl Runswick - Bass, String Bass David Snell - Harp The English Chorale and Played Ti - Choir, Chorus Stuart Tosh - Cymbals, Drums, Vocals, Tympani [Timpani] Tom Trefethen - Assistant Engineer Pat Stapley - Assistant Engineer Aubrey Powell - Photography Storm Thorgerson - Photography Hipgnosis - Design, Cover Art Sam Emerson - Photography Colin Elgie - Artwork, Graphic Design, Layout Design Billy Lyall - Piano, Drums, Glockenspiel, Keyboards, Recorder, Fender Rhodes Gordon Parry - Engineer Jane Powell - Vocals, Vocals (bckgr) Andrew Hurdle - Bass Christopher North - Keyboards
Como cada año, y ya van no sé cuántos, estamos notando nuevamente la presencia en televisión, pero también en algunos locales de nuestras ciudades, la invasión de la fiesta pagana por excelencia, Halloween. No contentos con manifestarse en los días previos a su "celebración" en aquellos sitios que no les importe caerse de un guindo, con tal de ganar unos cuantos cuartos (además de que estamos en crisis), nos restriegan literalmente por la cara las típicas figuras de las calabazas que ni mucho menos se parecen por su careto a la siempre recordada Ruperta del concurso televisivo "Un, Dos, Tres... responda otra vez" (cuánto lo echo de menos), sin olvidarnos de los inevitables demonios de nuestro subconsciente convertidos en monstruos de todo tipo: muertos recalcitrantes amigos del difunto Michael Jackson, calaberas de lo más guayaberas, brujas más feas y ordinarias que la Lola, murciélagos desterrados de la cueva de Batman, espíritus que aullan a la luna su desesperación de no haber cruzado el túnel y así hasta completar todo un conjunto de lo más "gore", simbólicamente hablando.
El año pasado por estas mismas fechas me explayé a gusto poniendo mucho énfasis en algo tan nuestro como las fiestas nacionales relacionadas con la festividad eclesiástica de Todos Los Santos del próximo domingo 1 de Noviembre.
¿Qué queréis que os diga? ¿Os tengo que recordar que sin el Halloween no somos nadie, unos míseros arroyos sin fuente, como decía Battiato en su "Fisiognómica"? Si queréis sentiros bien, no es necesario dirigiros al Señor si no sois creyentes, pero estaría de más pasar olímpicamente de lo pagano por su carácter eminentemente comercial. No hace falta pasar por caja para divertirse a costa de recordar a los muertos, pero tampoco es cuestión de plantearse desde un punto de vista metafísico o teocrático cuál es nuestra posición ante este dilema de a qué agarrarnos.
Unos prefieren las fiestas de siempre, y así lo veo yo desde la barrera y lo prefiero mayormente; y otros, pues sin pensárselo dos veces se apuntan a todo lo que suene a fiesta. Y el Halloween no es una excepción. A unos les unirá la fe y la creencia en lo divino y a otros lo puramente pagano y mundano.
Me parece de lo más normal, pero no tengo por qué sujetarme a uno o a otro bando. Ni la televisión ni nadie me tiene que convencer de nada; ni Su Santidad el Papa ni mucho menos una calabaza con mirada aviesa. Claro que hay veces que el propio Benedicto XVI me recuerda a cierto personaje de una película de terror...
Yo, por muchos motivos, no me vuelco ni en un sentido ni en otro; prefiero estar completamente al margen porque ante la vida es mejor vivir de una manera totalmente pragmática y conforme a la realidad, nunca por sentimientos absolutamente fingidos desde meras suposiciones sin fundamento.
Y es más... cada uno celebra lo que quiere y le apetece y cuando quiere si tiene motivos suficientes para ello, pero no porque lo que diga cualquier televisión.
Se hizo público en el mes de Abril la intención del director de cine Ridley Scott de "dar una vuelta de tuerca" a la historia de Alien, uno de sus films más reconocidos, con la idea de realizar una "precuela" del mismo, es decir, contar la historia anterior a los acontecimientos vividos en aquella, investigando en los orígenes del truculento xenomorfo. Diversas fuentes revelan que Michael Costigan, Ridley Scott y su hermano Tony Scott están inmersos en el proyecto inicial y en la forma con que se producirá la nueva película sobre Alien, que podría estar dirigida por el director Carl Erik Rinsch, un hábil realizador de anuncios comerciales y videoclips. Rinsh es, asimismo, miembro de la productora RSA. Aún no hay indicios ni detalles sobre el argumento ni cómo va a desarrollarse el mismo; en apariencia, es probable que todo gire a la idea original de un alien en el interior de una nave desconocida, posiblemente la misma que vemos en la primera parte de la película de 1979, los restos de una aeronave extraterrestre estrellada sobre la superficie del planeta y lo que queda de un miembro de su tripulación en su interior.
La actriz Sigourney Weaver había expresamente manifestado su interés en participar en una secuela, pero no tendría mucho sentido que fuesen a incluirla en los planes de esta historia original. Pero, a lo mejor, ¿quién sabe si Ridley Scott tiene escondido un as en la manga...?
In April it was revealed that director Ridley Scott is “toying around with the idea” of doing a Alien prequel or reboot. Bloody Disgusting’s sources claim that Michael Costigan, Ridley Scott and even Tony Scott are all on board to produce a new film in the Alien series, with commercial/music video director Carl Erik Rinsch at the helm. Rinsch is also a member of Ridley Scott’s production company RSA. No details about the plot or timeline (we’ve heard the words “reboot” and “prequel”), but apparently the plan is to return to the original idea of one alien on one spaceship.
I have compiled some of Rinsch’s more impressive commercials in another post called The Commercials of Carl Erik Rinsch. You must check out his work. Watching his commercials, it’s easy to see why he might be a choice for a 21st Century Alien film. He is able to effectively combine realistic visual effects with live action imagery to create a magically compelling story.
Sigourney Weaver has publicly expressed interest in doing a sequel, but it wouldn’t make sense to include her character in an origin story. But who knows, maybe Ridley is “toying” with some kind of reboot/prequel combo.
Y ahora, un motivo para la reflexión. Puede que a los fanáticos de las historias de ciencia ficción y de este filme en particular les haga tilín este proyecto, pero sinceramente... ¿es necesario que los de 20th Century Fox se pongan a hacer una precuela, secuela o lo que sea que suene a Alien? A mí me huele que quieren seguir dando más de lo mismo, escurrir el bulto antes que machacarse las ideas en busca de una película totalmente original, ya que así se consigue hacer caja. Solo espero que si siguen adelante con la idea, que sea algo realmente decente, desgarrador, sobrecogedor, estremecedor e inteligente en su concepto y desarrollo y no una poderosa máquina de hacer dinero con tropecientos efectos especiales y acción sin sentido. Poderoso caballero Don Dinero...
Por desgracia, el cine actual ya no da más de sí, salvo honrosas y contadas excepciones...
Con el título original de Nosferatu, eine Symphonie des Grauens (Nosferatu, una sinfonía del horror), era conocida en castellano como Nosferatu y Nosferatu el vampiro (España). Es una película muda de 1922 dirigida por F. W. Murnau. Fue la primera película de terror de la historia y dio origen a este género.
Parte de la sinopsis es la siguente: Thomas Hutter es un empleado de una compañía inmobiliaria en Wismar, Alemania, que vive tranquilamente con su esposa. Un día su jefe, Knock, recibe una extraña carta escrita con símbolos que reconoce como del Conde Orlok, quien desea comprar una casa en Wismar. Knock envía a Hutter a los Cárpatos para concretar con el Conde Orlok la venta de la casa. Hutter deja a su esposa Ellen en casa de su amigo Harding y se embarca.
Cerca de su destino, Hutter se hospeda en una posada en la cual menciona que se dirige a ver al Conde Orlok. Todos los presentes se aterran de sólo escuchar el nombre del Conde y tratan de convencerlo de no ir. Hutter encuentra en su cuarto un libro sobre vampiros el cual tilda de supersticioso, pero que mantiene consigo como material de lectura. Al día siguiente parte hacia el castillo. (A partir de aquí contar más de la sinopsis se convierte en "spoilers" por lo que recomiendo el visionado del film sin premuras).
INTERIORIDADES DEL FILM
Murnau quiso realizar una adaptación cinematográfica de la novela Drácula, de Bram Stoker, pero su estudio no logró hacerse con los derechos de la historia. De modo que decidió filmar su propia versión de la novela y el resultado es una película que tiene un gran parecido con la historia original de Stoker. El nombre de "Drácula" se cambió por el de "Nosferatu" y también se cambiaron los nombres de los personajes: el Conde Drácula es aquí el Conde Orlok, por ejemplo. Su papel fue interpretado por Max Schreck. Sin embargo, la viuda de Stoker demandó la película por infracción de derechos de autor y ganó el juicio.
El significado original de la palabra nosferatu es difícil de determinar. No hay duda de que alcanzó difusión popular a través de la novela de Bram Stoker; Stoker halló el término en cierta obra del escritor y orador británico del siglo XIX Emily Gerard, quien la introdujo en un capítulo de su obra Supersticiones de Transilvania (1885) y en su crónica de viajes La tierra más allá del bosque (1888) (la “tierra más allá del bosque” es literalmente lo que significa Transilvania en latín). Se alude a ella simplemente como el vocablo rumano para designar al vampiro; Stoker empleó el término como un calco del inglés undead o no-muerto. Esta atribución es patentemente falsa, puesto que la palabra nosferatu carece de significado conocido (aparte del introducido por la novela y las películas) en ninguna fase histórica del rumano.
Una etimología alternativa sugiere que el término proviene originalmente de los nosóforos griegos (*νοσοφορος), es decir, de los agentes transmisores de enfermedades. Esta derivación podría tener sentido cuando se observa que en varias naciones de Europa Central los vampiros eran considerados difusores de epidemias. La película de Murnau incide particularmente en el tema de la enfermedad, y su creatividad como director pudo haber sido influenciada por esta etimología. Otra teoría sugiere que la palabra significa “respiración”, un derivado del spirare latino. Una posibilidad final es que la forma que Gerard ofrece sea un término rumano bien conocido pero mal transcrito, o posiblemente un mala interpretación de los sonidos de la palabra debido a la familiaridad limitada de Gerard con la lengua. Dos candidatas a servir de origen a nosferatu son necurat (“sucio”, asociado generalmente con lo oculto) y nesuferit (“insufrible”). La forma determinada masculina nominativa de un sustantivo rumano en la declinación a la cual ambas palabras pertenecen se corresponde con la terminación ” - UL ", así que habría que hablar con propiedad del necuratul y el nesuferitul (traducibles como “el diablo” y “el insufrible”, respectivamente).
La sombra que proyecta el vampiro al subir las escaleras es una de las escenas más conocidas de la película. El tribunal ordenó que se destruyeran todas las cintas de Nosferatu, pero un reducido número de copias de la película ya había sido distribuido por todo el mundo y permanecieron escondidas por particulares hasta la muerte de la viuda de Bram Stoker.
Con el paso de los años se hicieron más copias de esas cintas (algunas de muy baja calidad y con cortes importantes). Nosferatu se labró la reputación de ser una de las mejores películas sobre el mito del vampiro y uno de los máximos exponentes del Expresionismo alemán.
Ahora, la obra Nosferatu de Murnau pertenece al dominio público y existe un gran número de copias en vídeo, generalmente de muy baja calidad ya que provienen de copias hechas a partir de otras copias de las primeras cintas distribuidas para la exhibición internacional. Muchas de ellas presentan diferencias notables de metraje, puesto que en cada país se exhibió una versión diferente de la película. Así pues, la copia francesa no es la misma que la alemana, por dar un ejemplo. No obstante, recientemente se han publicado ediciones restauradas de la película en las que se ha recuperado casi todo el metraje completo de la película original.
CRÉDITOS:
Dirección - F. W. Murnau
Producción - Enrico Dieckmann, Albin Grau Guión - Henrik Galeen Fotografía - Fritz Arno Wagner Escenografía - Albin Grau Vestuario - Albin Grau
Reparto
Max Schreck Gustav von Wangenheim Greta Schröder Alexander Granach Georg H. Schnell Ruth Landshoff John Gottowt Gustav Botz Max Nemetz Wolfgang Heinz Albert Venohr
Alemania Año - 1922 Género - Terror Duración - 94 minutos
Esta primera versión sonora no se basaba directamente en la novela de Bram Stoker, sino en la versión teatral de Hamilton Deane y John L. Balderstone, lo que repercute negativamente en el filme, que acusa de forma evidente este origen. La película es excelente en su primera parte, donde el talento de Karl Freund se muestra en todo su esplendor. Las escenas iniciales y las que transcurren en el castillo de Drácula tienen una fuerza feérica y un aliento misterioso preñado de presagios funestos que se pierde en la segunda parte (2/3 del metraje total), excesivamente estática y teatral, no sólo en la planificación y dirección escénica, sino también en la actuación afectada del protagonista.
Este Drácula ha alcanzado el rango de mito, de clásico, lo que ha provocado que hoy, de forma irreflexiva y por parte de aquéllos que no la conocen bien, sea considerada la versión de referencia y el original irreprochable del que todas las demás películas son meras copias sin alcanzar ni mucho menos su excelencia. Es, pues, necesario hacer algunas matizaciones.
La imagen del vampiro que transmite este filme está muy alejada de la concepción de Stoker: su hieratismo, su pelo engominado, su tez empolvada, sus movimientos solemnes carecen por completo de la ambigüedad con la que el novelista irlandés dotó a su criatura. Hollywood, a diferencia del cine europeo, había hecho escasas incursiones en el horror, por lo que la Universal no las tenía todas consigo respecto a la respuesta del público ante un tema tan novedoso.
El hecho de que la obra de teatro hubiera sido un gran éxito parecía una garantía, pero aun así, Carl Laemmle Jr., el productor, exigió expurgar la obra:
Drácula sólo podría vampirizar a mujeres (se eliminaba toda posible referencia homosexual), todo acto vampírico debía ocurrir fuera de la pantalla (nunca vemos al conde morder a sus víctimas, sólo lo intuimos) y, además, la versión original del director se aligeró en diez minutos, lo que hace que el montaje definitivo sea bastante chapucero.
CRÉDITOS:
UNIVERSAL (1931, USA) - 78 minutos
Director : Tod Browning
Intérpretes :
Bela Lugosi Helen Chandler David Manners Dwight Frye Edward van Sloan Frances Dade Herbert Bunston
Guión : Garret Fort
Fotografía : Karl Freund
Maquillaje : Jack Pierce
Música :
Tchaikovsky: Lago de los cisnes Wagner: Die Meistersinger Schubert: Sínfonia inacabada
An alien creature stows itself aboard an American spacecraft leaving Mars for the Earth and starts killing off crew members one by one.
Director: Edward L. Cahn Writer: Jerome Bixby (writer) Release Date: August 1958 (USA)
CAST: Marshall Thompson ... Col. Edward Carruthers Shirley Patterson ... Ann Anderson (as Shawn Smith) Kim Spalding ... Col. Van Heusen Ann Doran ... Dr. Mary Royce Dabbs Greer ... Eric Royce
Production Status: Released Genres: Science Fiction/Fantasy and Suspense/Horror Running Time: 1 hr. 8 min. MPAA Rating: Not Rated Distributors: United Artists Films Production Co.: Vogue Pictures Produced in: United States
REVIEW
Though its title might evoke a bit of laughter and thoughts of a schlocky man-in-a-rubber-suit monster movie, It: The Terror From Beyond Space is more than just a standard creature feature. Not allowing his film to be hindered by a shoestring budget and relatively short runtime, director Edward Cahn (along with screenwriter Jerome Bixby) crafts a taut, science fiction thriller with issues and themes that require no special effects in the confines of a story that takes little time to tell. Here is a movie that confronts the ideas of distrust among men and fear of the unknown, all the while evoking feelings of entrapment and claustrophobia.
Col. Edward Carruthers (Marshall Thompson) is the soul survivor after a botched mission to Mars left nine crewmen dead. Years later, a rescue shuttle is sent to Mars to retrieve Carruthers, who claims the deaths of his crewmen were the result of an alien creature that inhabited the ship. However, those on the rescue mission believe that it was Carruthers that killed his crew and dismiss all accounts of encountering a creature from another world. That is until several crewmen disappear and later turn up dead with the blood sucked from their bodies. This forces the crew to overcome their paranoia of Carruthers and work with him to defeat a bigger threat: the creature that has come aboard their ship and is traveling with them on their way to earth, lurking in the shadows of the cavernous shuttle.
Cahn uses a lot of his earlier scenes to subtly construct the themes that the film touches on, one of which is the distrust in fellow man. As presented in the film, the rescue crew has an apparent suspicion of Carruthers from the moment he is brought aboard their vessel, and Cahn hints at this during one of their initial encounters. Carruthers is showing one of the crewmen the skull of a deceased partner and there is a small hole is present in the top of the bone that looks peculiarly like a gunshot wound. A close-up of the small hole in the skull reveals that it could in fact have been done with a pistol, but at the same time, the hole appears too precise to have come from a man-made tool. Cahn moves from this scene without revealing answers because he wants the audience to be constantly thinking about the skull later on when the crew begins to disappear. It is in this scene that Cahn is planting the idea of distrust within not just the characters, but the audience as well.
A similar approach is taken in regards to the crew’s fear of the unknown, a much more prominent and thriving idea in It. Shadows create convincing images up on the bare walls of the space shuttle, and glimpses of the monster’s hand only confirm the idea that there is something to be afraid of within the unknown, but what? In theory, the crew has the killer captured (Carruthers), so who (or what) is causing the sudden deaths onboard? Cahn demonstrates that such a fear can cause men to react unconventionally, charging into the unknown without answers or ideas as to what is waiting for them behind the dark curtain of the shadows. It is an idea that has since been carried over into the modern horror film (the “don’t go in there!” moments) but still carries the same warning as it does here that immense fear among man results in irrational decisions.
Since almost 90% of the action in the film takes place on board the confines of the space shuttle, there is a certain degree of entrapment and claustrophobia present here. Though neither feeling is expressed through the dialogue exchanged between characters, the space shuttle set piece used for primary filming is brimming with it. Each wall of the shuttle is plain and lacking in discernable features from the others, a design that gives lead to the feeling of entrapment, as if the characters are stuck in the same place on the ship the entire time. Another well-designed set piece is the one used for the ship’s cargo hold, the place where the rescue workers first encounter the monster. Crates are stacked high and are strewn about so much that the camera cannot navigate through them. This sense of claustrophobia is ever so apparent toward the end of the film when one of the crew is stuck in the cargo hold with the monster and there is one staircase that can lead him up to freedom.
But one feeling that felt absent from the entire film was doubt. Initially, the rescue crew has trouble believing Carruthers’ case against killing his own team, but this doubt is entirely erased within the first half of the film after the monster has killed one of their own. Granted it would have been impossible for Carruthers to have orchestrated the attack when he was above deck and the attack happen in the cargo hold, but could there not have been at least an accusation? It seems like the crew, for being so hardheaded about not believing Carruthers at first, falls out of that conviction so easily and far too early in the film. Considering the first time the monster attacks the audience sees just the creature’s shadow, why not use this to stir up some doubt among the crew? After all, shadows can be manipulated.
A much more prominent and troubled oversight is the lack of character development. Sure, the themes and emotions that these characters go through and experience are vast and clarified, but what happened to the characters themselves? None of the characters in the film truly stand out: the men are all iron-jawed, tough, and emotionless and the women are just worried and seem generally puzzled most of the time. I’m not demanding that each character be sporadic, just that the characters seem are from different molds. Aside from Carruthers, there wasn’t one character whose name I could recall mere minutes after watching the movie; to wrestle up even a simple sentence describing these characters would be cumbersome.
It: The Terror From Beyond Space has its fair share of shortcomings to be sure, but the biggest obstacle that the movie faces is being pegged as just another midnight monster movie because of its stock characters and ridiculous title. However, the film manages to be quite an entertaining science fiction thriller with some interesting themes and ideas. Upon the release of a far more successful but similar space thriller, Alien, the producers of It claimed that their movie idea was unceremoniously stolen to create the Ridley Scott-directed blockbuster. Be that as it may, both sides should be honored.
Antes del olvidable remake de 1999 realizado por el director William Malone y con los actores Geoffrey Rush, Famke Janssen, Taye Diggs, Peter Gallagher y Chris Kattan, como protagonistas más destacados, cuarenta años atrás fue otro William, apellidado Castle, el encargado de realizar esta película de terror, ahora considerada de culto, con Vincent Price, Carolyn Craig y Richard Long entre sus actores principales.
Una de las películas más populares de William Castle. Y uno de los papeles míticos del siempre genial Vincent Price, capaz de crear un personaje tétrico sin que deje de despertar cierta simpatía en el espectador. Pese a que la película tenga un guión bastante sencillo, no deja de ser un muy entretenido largo, con unos cuantos sustos y momentos de suspense sabiamente repartidos. Por supuesto, en los pases que se hicieron del film en los años 50 no faltó alguno de los populares "gimmicks" de William Castle. En esta ocasión se trataba de Emergo, un esqueleto que, brillando en la oscuridad de la sala, se paseaba sobre la cabeza de los espectadores en uno de los momentos claves de la cinta, colgado de una cuerda.
Esta película hay que verla mejor en su versión original, en el link que os ofrezco a continuación.
SINOPSIS: Frederick Loren, un excéntrico millonario invita a cinco personas a su mansión. En ella se dice que se han cometido varios crímenes en el pasado. Loren ofrece a sus invitados (los cuales no se conocen entre ellos ni a su anfitrión y tienen necesidad urgente de dinero) nada menos que 10.000 dólares si permanecen en la casa desde las 12 de la noche hasta la mañana siguiente, cuando vuelvan los criados. Mientras, estarán encerrados e incomunicados. Así pues, los cinco extraños, el magnate y su esposa permanecen en la casa, en la que comienzan a ocurrir sucesos extraños.
De las muchas bandas sonoras realizadas por John Williams, la realizada para la secuela de "Tiburón" no desmerece para nada con respecto a la idea original, pues retoma el tema central más famoso del filme de Spielberg para crear una continuación sonora de igual fuerza, con sus súbitas entradas, cambios bruscos de ritmo e intensidad y golpes de efecto, que recrean los momentos más inquietantes presentes a lo largo del film en perfecta y sincronizada conjunción con la orquesta, como el ataque del tiburón contra los buceadores en la primera escena de la película, cuando estaban observando los restos del "Orca" y varias escenas más, que muchos recordamos de ver las muchas reposiciones realizadas de esta misma entrega en televisión, tanto en cadenas estatales como en los canales temáticos de la televisión digital y de cable.
Sobre el film en cuestión, está claro que no se han lucido mucho con el argumento, que continúa con poner a la familia Brody como cebo para un nuevo escualo, pariente cercano del anterior, y lo peor es contar con un tiburón de pega, alejado del usado en la primera versión hasta en sus movimientos y el contorno de sus fauces, muy acartonado y poco verosímil. Incluso cuando sacan algunos planos cortos directos, se notan enseguida lo mecánico de sus articulaciones. Un "bluff" en toda regla, como las secuelas que le precedieron.
Hay que tener en cuenta que el director encargado de realizar esta secuela, Jeannot Szwarc, es también responsable de algunos episodios de series de televisión muy conocidas por todos como "CSI", "Smallville", "Héroes", "Ally McBeal" y para el cine títulos como "Supergirl" entre otros muchos (ver su ficha en IMDB). Sin embargo, es prácticamente un desconocido, y a saber con qué presupuesto contó para la realización de esta, por otro lado, innecesaria secuela, si bien ha contado con el beneplácito del creador del bicho, el escritor Peter Benchley de cuya novela se basó Steven Spielberg para grabar su magistral film que inició esta serie de películas de miedo sobre el escualo más temido por los bañistas y buceadores: el tiburón blanco.
Pero igual el tremendo éxito de taquilla de Spielberg hizo creer que nuevos episodios con la familia Brody como protagonista asegurarían nuevos y espectaculares ingresos a las arcas de la fábrica de sueños, y casi seguro que se equivocaron. No es solo "Tiburón 2", es también "Tiburón 3 - La Venganza" (con la mujer de Brody, la actriz Lorraine Gray, aquí hecha toda una vengativa viuda, junto con un Michael Caine poco habitual en este tipo de géneros y fuera de contexto) y termina en "El Gran Tiburón (en 3D)" con los efectos más cutres jamás vistos en una pantalla de cine, a pesar de las gafas estereográficas (yo fui a verla en el cine y que los objetos salgan de la pantalla pues estaban bien, no era muy espectacular, pero bien. Y sin embargo, cuando se pasa a la televisión, todo eso queda al arrastre y se convierte en un prescindible título de la saga).
Sin olvidarme de otro título, igualmente basado en el film de Spielberg, pero casi olvidado por la mayoría, llamado "El último tiburón" (The Great Shark) de producción italo-americana, con el actor James Franciscus al frente. Una película perfectamente olvidable, pero que es interesante que la conozcáis.
Pues bien, a poco de que empiece la temporada veraniega y en televisión nos vuelvan a reponer ésta y otras películas semejantes, como suelen hacer casi siempre, os recomiendo la escucha de esta banda sonora, que no desmerece para nada la labor de su creador, si bien la película en sí no es como para tirar cohetes, si acaso la escena del helicóptero siendo atacado por el tiburón es realmente llamativa. Pero lo peor era ver al jefe Brody ponerse en la piel de un domador de circo y llamar al depredador con un remo, cual látigo a un león que pretende domar. Ya sabéis cómo termina: pescaito frito para dar y tomar, gracias a una buena ración de electricidad de alto voltaje.
TRACKLIST:
01 - Finding The "Orca" (Main Title) 02 - The Menu 03 - Ballet For Divers 04 - The Water Kite Sequence 05 - Brody Misunderstood 06 - The Catamaran Race 07 - Toward Cable Junction 08 - Attack On The Helicopter 09 - The Open Sea 10 - Fire Abroad And Eddie's Death 11 - Sean's Rescue 12 - Attack On The Water Skier 13 - The Big Jolt! 14 - End Title, End Cast
A la vista de los precios de algunas copias en CD de esta banda sonora en sitios como Ama$on.com (así, tal cual), no me dolerán prendas en colocar un link para que cada cual, en conciencia, pueda bajársela y escucharla. Por otra parte, por mucho que he buscado, no he encontrado más referencias de copias disponibles en CD a través de Internet, con lo que hubiera advertido al menos de cambiar los links por otros que redirijan a posibles sitios donde comprar este álbum en cuestión, si bien aquí, aquí y aquí se puede adquirir y descargar al mismo tiempo por una módica cantidad.
Al menos, tengo la suerte de tener una copia en vinilo...
Para mear y no echar gota. Con esto lo digo todo... y más viniendo de los artistas del bricolage de arte y confección haciendo copias burdas, barateras y oportunistas de todo éxito cinematográfico que se precie: The Asylum.
