Impagable montaje en forma de videoclip con imágenes de fotografías de Mike Oldfield de toda su vida musical, desde sus comienzos junto con su hermana Sally en aquel entrañable dúo folk Sallyangie (1968) mientras se escucha de fondo el tema original "Sally" incluido únicamente en las 30.000 primeras copias del vinilo "Platinum" en su edición inglesa. Es una canción con una letra algo simple, pero llena de humor:
- "Sally, I'm just a gorilla I'll say I'll love you ever more. Even an ape from Manila couldn't stop me knocking on your door."
Además, contaba con un solo de guitarra del propio Mike en estado de gracia, lleno de florituras y escalas, con los que expresaba su actual estado de ánimo.
La historia de esta canción se remonta precisamente cuando salió al mercado la primera tirada de 30.000 ejemplares del álbum Platinum en el Reino Unido. Todos los temas estaban perfectamente encarrilados por el músico y creía contar con el visto bueno de los mandamases de Virgin, pero tuvo que ser el propio Richard Branson que enseguida llamó la atención a Mike por la canción en concreto, afirmando que no tenía la calidad suficiente ni era la más adecuada para el álbum y ordenó a Mike que la cambiase por otra, en consonancia con los temas incluidos antes y después de "Sally". El tempo se mantenía intacto para entrelazar el nuevo tema tanto con el final de "Woodhenge" como con el comienzo de "Punkadiddle".
La canción conseguida finalmente y ensayada en poco menos de un mes al lado de los músicos que han colaborado en las sesiones de grabación de "Platinum", junto con la vocalista Wendy Roberts, resulta ser la que aparecería finalmente en las siguientes ediciones del álbum: Into The Wonderland.
Sin embargo, en los créditos del disco, en la contraportada, seguía figurando el nombre de la anterior canción finalmente sustituida, manteniéndose pese al cambio durante las siguientes ediciones, e incluso en las ediciones en CD, excepto en las carpetas interiores, el etiquetado de los vinilos y el serigrafiado de las obleas.
"Into The Wonderland", si la comparamos con la anterior canción, tiene más sentido comercial, cierta candidez y menos riesgo instrumental y vocal, al definir de forma más literal lo que esperaba conseguir Virgin en una época de especiales cambios en el panorama musical, donde el punk-rock, la new-wave y otras formas de expresión musical empezaban a implantarse en el mercado. En suma, buscaba el acercamiento de Mike Oldfield a los jóvenes que empezaban a cansarse de todo lo que tuviese que ver con el sinfonismo en el rock.
La primera vez que escuché a Philip GLASS fue precisamente con fragmentos de esta obra, y quedé alucinado por la originalidad de los sonidos que escuchaba. A partir de entonces, no perdí oportunidad de escuchar muchas otras piezas de este genial compositor estadounidense, y siempre quedé muy impresionado con la complejidad de sus obras, a pesar que se supone que la música minimalista es, supuestamente, de estructuras sencillas.
Sorprendentemente, no fue sino hasta hace muy poco que regresé a mis orígenes "glasseros", y me hice de la grabación completa de esta ópera, la primera de Philip, la más larga, la más famosa y, al mismo tiempo, la más atípica de todas. "Einstein…" es tan grande que definió y agotó su estilo consigo. GLASS se vio obligado a inventar un lenguaje musical completamente novedoso, y lo exploró tan concienzudamente que cualquier otro esfuerzo posterior ya sale sobrando. "Einstein…" es tan radical que marca el nacimiento y la muerte de un estilo, pero al mismo tiempo, al romper con todas las reglas, señaló el camino para las formas de expresión de la ópera moderna.
Hace 30 años, Philip GLASS no era famoso, nada famoso, y trabajaba lo mismo de taxista que de plomero, y en sus ratos libres componía obras para su grupo, el PHILIP GLASS ENSEMBLE. "Einstein in Eden" nació durante breves almuerzos con el libretista Robert WILSON, a quien GLASS conoció por su trabajo en una obra, de doce horas de duración, sobre la vida y obra de Josef STALIN. Ambos acordaron colaborar en una obra teatral basada en algún personaje famoso; WILSON propuso a CHAPLIN, luego a HITLER, GLASS reviró con GANDHI. Finalmente, acordaron inspirarse en Albert EINSTEIN, y el título de la obra sería "Einstein on the Beach on Wall Street." Ninguno de los dos recuerda porqué, cómo o en que momento se abrevió ese nombre.
"Einstein…" es una ópera de cinco horas de duración que consiste en 4 actos interconectados, sin intermedios (el público podía entrar y salir del auditorio sin mayor trámite). Entre acto y acto se ejecutan piezas breves, llamadas "knee plays" para permitir los cambios de escenografía. El texto de la ópera se basa en numeraciones, sílabas solfeadas y oscuros poemas escritos por Christopher KNOWLES, un joven autista a quien WILSON conoció cuando trabajó de maestro en una escuela para niños mentalmente perturbados.
Existen dos versiones grabadas de esta obra. La primera, de 1978 se ajustó a poco más de dos horas y media para hacerla caber en 4 LPs, mientras que la versión de 1993, regrabada y editada en 3 CDs, cubre poco más de tres horas. En ningún caso faltan piezas de la obra original, simplemente se cortó el número de repeticiones para ajustar el tiempo a los formatos existentes.
La primera experiencia al escuchar la obra completa puede resultar decepcionante, a la mitad del primer acto, uno se siente aburrido y frustrado: la música va y viene sin dirección alguna, y parece salir de un viejo disco rayado, sin llegar a un clímax, a un contraste. La palabra clave para describirla es "repetición", sin duda alguna… pero si uno no se rinde y permanece atento, poco a poco se descubrirá sorprendido, cada vez más interesado en esa cacofonía que parece no ir a lado alguno, pero sin embargo evoluciona casi imperceptiblemente, y cada tanto uno descubre una armonía nueva, una variación rítmica, o de repente echamos de menos algún tema que desapareció sin darnos cuenta. Muy pronto se aprecia la verdadera dimensión y complejidad de la obra; la música está basada en largas repeticiones de cortas melodías que entran y salen del paisaje sonoro, dando como resultado la sensación de estar escuchando una cosa viva, que lentamente va evolucionando y termina en algo totalmente diferente.
Las descripciones técnicas son más precisas si las dice el mismo Philip GLASS: "La obra está construída usando dos técnicas centrales: un proceso aditivo y estructuras cíclicas. El proceso aditivo consiste en la expansión y contracción de pequeños módulos musicales: por ejemplo, un tema de cinco notas se toca varias veces, seguido por una repetición similar del mismo tema pero con seis notas, al que le siguen repeticiones del tema, con siete notas, y así sucesivamente. Un tema puede ampliarse o contraerse manteniendo la misma configuración musical, pero al agregarle o restarle una nota, adquiere una configuración rítmica totalmente diferente. Las estructuras cíclicas es la repetición simultánea de dos o más patrones rítmicos diferentes que, dependiendo de la medida de cada uno de ellos, eventualmente regresan al punto de partida, completando un ciclo".
"Einstein…" representa la cumbre de esta técnica, y el mismo GLASS ha reconocido que después de ésta, poco más podía componer que fuera igualmente radical. Sus óperas pesteriores han sido más o menos "tradicionales", si es que una ópera basada en el Bhagavad Vita, escrita en sánscrito y sin línea narrativa ("Satyagraha", 1980) puede considerarse tradicional!
(C) Manticornio.
La presentación de esta ópera tuvo lugar el 25 de Julio de 1976, por la Philip Glass Ensemble, en el Festival de Avignon (Francia).
PISTAS EDICIÓN CBS MASTERWORKS (1979)
CD 1: - 1 Knee Play 1 (3:52) - 2 Act 1, Scene 1 - Train (17:20) - 3 Act 1, Scene 2 - Trial (23:20)
CD 2: - 1 Knee Play 2 (6:50) - 2 Act 2, Scene 1 - Dance 1 ("Field with spaceship") (13:41) - 3 Act 2, Scene 2 - Night Train (13:52) - 4 Knee Play 3 (5:39)
CD 3: - 1 Act 3, Scene 1 - Trial/Prison (18:15) - 2 Act 3, Scene 2 - Dance 2 ("Field with spaceship") (17:10) - 3 Knee Play 4 (6:46)
CD 4: - 1 Act 4, Scene 1 - Building (7:30) - 2 Act 4, Scene 2 - Bed (11:49) - 3 Act 4, Scene 3 - Spaceship (13:23) - 4 Knee Play 5 (5:30)
Vemos aquí un fragmento del concierto grabado en 1982 en el Teatro Sadler's Wells de Londres e igualmente recogido para edición en video VHS por el director Peter Greenaway para una serie titulada "Four American Composers", de la cual Philip Glass forma parte.
NOTAS DEL PROPIO PHILIP GLASS:
"La música para EINSTEIN ON THE BEACH fue escrita durante la primavera, verano y otoño de 1975. Yo y Bob Wilson trabajábamos directamente sobre una serie de bocetos que en principio formaban los diseños para los escenarios. Anterior a ese periodo, habíamos alcanzado un acuerdo sobre el contenido temático en general, la duración de la obra en su conjunto, su división en cuatro actos, nueve escenas y cinco interludios (las piezas "knee"). También determinamos cómo estaría definida la compañía teatral: lo formarían cuatro actores principales, doce solistas, doblando cuando fuese posible como bailarines y actores, un violín solista y un conjunto amplificado de teclados, vientos y voces con el que mi música está asociada comunmente.
El material musical más importante surge durante los interludios, protagonizados por el violín principal. En términos dramáticos, el violinista (disfrazado como Einstein, como el resto de actores) aparece no solo como solista sino como un personaje más de la ópera. Su posición interpretativa, a medio camino entre la orquesta y los intérpretes, ofrece una pista sobre su papel en la obra. Se le ve, quizás como el alter-ego de Albert Einstein, o simplemente como un testigo de los acontecimientos que se van desarrollando sobre el escenario; no obstante, es, en cualquier caso, una pieza más en el engranaje musical en su totalidad."
The music for "Einstein on the Beach" was written in the spring, summer and fall of 1975. Bob Wilson and I worked directly from a series of his drawings which eventually formed the designs for the sets. Prior to that period, we had reached agreement on the general thematic content, the overall length, its divisions into 4 acts, 9 scenes and 5 connecting "knee plays". We also determined the makeup of the company-4 principal actors, 12 singers, doubling when possible as dancers and actors, a solo violinist, and the amplified ensemble of keyboards, winds and voices with which my music is usually associated.
The most important musical material appears in the knee plays and features the violin. Dramatically speaking, the violinist (dressed as Einstein, as are the performers on stage) appears as a soloist as well as a character in the opera. His playing position-midway between the orchestra and the stage performers-offers a clue to his role. He is seen then, perhaps as Einstein himself, or simply as a witness to the stage events; but, in any case, as a musical touchstone to the work as a whole.
Como gran curiosidad, encontré este video en YouTube donde se le hace una especie de tributo a la ópera de Philip Glass con cierto sentido del humor, usando muñecos de Lego y tomando como base una pieza de la misma (Knee Play 1):
Me resulta increible contemplar con detalle esta fotografía que encontré en cierta dirección de Internet, que por más que lo mire me llama poderosamente la atención.
La Naturaleza es sabia en muchos sentidos y tiene sus momentos amables y entrañables, como muestra esta imagen. Pero me queda la duda de si esta fotografía muestra una curiosa y tierna verdad, o si es un típico montaje con el Photoshop (al que siempre nos referimos en muchas ocasiones para relativizar la importancia de ciertas imágenes volcadas en la red) para que los demás nos quedemos de piedra. Ahí queda el dilema que os traslado a vosotros. Os cedo la palabra.
"Tempi Dispari" is a magical live album from 1974 by the ATOMIC SYSTEM variation of The NEW TROLLS, led by guitarist Vittorio De Scalzi after three members left to form what would end up being Ibis. De Scalzi is joined by future Nova keyboards player Renato Rosset, who influences this variation in a more jazzy oriented way than any other New Trolls incarnation. The band play here two side-long suites with side 1 really exploring the Jazz theme and side 2 including a theme from "Concerto Grosso 1" of excellent and innovative music with very heavy Miles Davis-like jazz prog rock influences. This is actually an unbelievable album to be honest and a real severe departure from the traditional New Trolls sound delving more into the modal aspects of early Soft Machine and early Herbie Hancock... mostly I think due to the addition of sax. Although jazz rock dominated this album also contains some pretty spacey/trippy segments. Side 2 is more of I guess what you would expect from the Trolls with heavier guitar and more of an electric prog direction sound but still the freaked out sax really bring new sound to this group... a great album which I love.
Track Listing:
01.- 7/4 (Settequatri) 02.- 13/18 (Trediciottavi)
Total Time: 32:03
Line-up/Musicians
- Vittorio De Scalzi / guitar - Giorgio D'Adamo / bass - Renato Rossert / keyboards - Tullio D'Episcopo / drums - Giorgio Baiocco / sax, flute
Releases information LP Magma MAGL 18005 (1974) / CD Reissue Vinyl Magic (1996)
"Amarok", además de ser el título de uno de los discos más increíbles de Mike Oldfield, es también el nombre de un grupo de folk-rock progresivo con sede en Cataluña y el origen de tal nombre, para sus fundadores, procede de la palabra "lobo" en su traducción al esquimal.
Como citan en su página web, "Amarok se formó a principios de 1990 con la unión de Robert Santamaría y Lídia Cerón. Robert, teclista y compositor, elaboraba por aquel entonces música electrónica para sus propios audiovisuales de naturaleza y divulgación científica. Lídia, de formación clásica, ha sabido cultivar su entrañable voz que ha dado un color distintivo al grupo.
Entre 1990 y 1992 y en compañía de músicos diversos, el grupo ofrece conciertos en varios lugares de Cataluña. En el verano de 1991 se edita su primer MC “Migracions” y en Febrero de 1992 es invitado a participar en el “IV Encuentro Iberoamericano de Música Electrónica”, celebrado en Caracas (Venezuela).
El año 1993 marca un cambio importante en la dinámica de Amarok ya que, siguiendo los principios que lo habían guiado e inspirado desde el comienzo, el grupo opta por instalar su estudio en una casa de campo alimentada únicamente por energía solar fotovoltaica, situada en el norte de Cataluña. Después de más de un año de trabajo, en primavera de 1994 edita por cuenta propia el CD “Els nostres petitis amics”, de base principalmente electrónica con elementos sinfónicos y “New age”.
El reconocimiento obtenido gracias a este trabajo hace que en 1995 el prestigioso sello madrileño Lyricon produzca el segundo CD del grupo “Canciones de los mundos perdidos”, inspirado principalmente en la obra de J.R.R. Tolkien. En este álbum ya se aprecia una tendencia hacia la música acústica, con algunos toques étnicos."
De entre sus siete lanzamientos hasta la fecha, "Mujer Luna" (2002) es su disco más progresivo. Su característica principal es el alto nivel de sofisticación en su instrumentación, una agradable y compeja combinación de progresivo acústico con teclados y guitarra, acercándose hacia la fusión más típica de formaciones clásicas como Emerson, Lake & Palmer, Camel y King Crimson, del cual os he hablado recientemente en posts anteriores.
Su sexto disco, "Quentadharken" (2004) contiene una estructura más orientada hacia los teclados y guitarras eléctricas, más cerca del neo-progresivo que de un estilo más puramente progresivo y aun así es otro de sus discos más valorados.
La música de Amarok es algo más que una nueva experiencia que acerca al oyente hacia otra dimensión en la concepción del rock progresivo, fusionando elementos distintivos del folk tanto catalán como de otras raices y creando nuevos ambientes sonoros con su más que atrayente repertorio y de hecho, este último disco que os comento "Sol de Medianoche" bien puede definirse tal como lo acabo de expresar.
En este su último disco se nota la maduración de estos años de aprendizaje y afirmación de su propio sonido junto con el mestizaje de estilos, creando en torno al mismo una amalgama de colores musicales con la sonoridad que les caracteriza; como dicen en Manticornio, "su nueva y ecléctica propuesta combina el folk mediterráneo, la música oriental y el rock sinfónico".
Entre el excelente despliegue de temas originales y con un refrescante sabor "folk", de los cuales os recomiendo la escucha de sus composiciones "Sephiroth" y "Sol de Medianoche", también destacaría la versión de la composición de Keith Emerson "Abaddon's Bolero" (del álbum "Trilogy" del super trío Emerson, Lake & Palmer, editado en 1972). Un disco a tener en cuenta, sobre todo para los que aún no han escuchado nada de este grupo.
Track Listing:
En Castellano:
01. Sephiroth
02. Hermitaños:
- Iniciación
- Canción del asceta
- Tránsito
- The Last of the Last
- Giga de John Rondeau
03. Xiöngmao I
04. Wendigo
05. Duo para Hang y bajo
06. Mama Todorka
07. Ishak el pescador:
- El geni rebel
- Meitat home meitat pedra
- El castell de les cent donzelles
- El gran secret
- Tornada a la llar
08. Las ocho ranas
09. Sol de Medianoche:
- Mundo incoloro
- La danza de los autómatas
- Lejos
- El gran engaño
- Taiga
- Sombra de mediodía
10. Xiöngmao II
11. El bolero de Abaddon (Emerson)
En Inglés:
01. Sephiroth (4:17)
02. Hermits (10:46)
03. Xiöngmao I (1:13)
04. Wendigo (7:11)
05. Duet For Hang And Bass (2:09)
06. Mama Todorka (2:02)
07. Ishak The Fisherman (12:04)
08. Eight Touts (3:03)
09. Midnight Sun (13:34)
10. Xiöngmao II (0:41)
11. Abaddon’s Bolero (8:07)
Los distintos fragmentos seleccionados han sido extraidos de la web del grupo.
Músicos:
- Renato Di Prinzio / drums, tabla, Bosphorus and Wuhan cymbals and derbouka
- Mireia Sisquella / soprano and alto saxophone, and keyboards
- Robert Santamaria / keyboards, accordion, 12-string guitar, Turkish saz, Iranian santur, kanun, dulcimer, autoharp, xylophone, glockenspiel, hang and percussions
- Marta Segura / vocals, percussion
- Alán Chehab / bass guitar and oud
- Manel Mayol / flute, tin whistle, vocals, percussion, didjeridoo
Músicos invitados:
- Pablo Tato / electric guitar (8,9)
- Andres Oleagui / elctric guitar (2, not 3 as mentioned in the booklet)
- Victor Estradda / Spanish guitar (9), Theremin effects (4)
- Branislav Grbic / violin (3,6-8,11)
- Pepe Andreu / trumpet (4,7-9), flugelhorn (7,9,11), piccolo (11)
- Marta Riba / backing vocals (6)
- Moi Perez / Tibetian chant (4), harmonica (1,7)
- Luis Blanco / vibraslap (7)
Y seguimos hablando de King Crimson, del cual os hago saber de la edición recientemente publicada de un nuevo concierto "vintage" por parte de la banda de Robert Fripp. En su página web tenéis la oportunidad de adquirir en cualquiera de las dos versiones (FLAC o MP3) del concierto grabado en el dia 30 de Junio de 1974, en el Palace Theatre en Providence, Rhode Island (Estados Unidos) ante una audiencia entusiasta y entregada al grupo, el cual ya tenía la formación clásica de su segunda "reencarnación", omnipresente en los álbumes de estudio "Red", "Starless And Black Bible" y "Larks' Tongues In Aspic".
Tener en cuenta que este mismo concierto se encuentra disponible dentro del set de 4CD "Great Deceiver", pero si os apetece tenerlo en cualquiera de los formatos disponibles, es vuestra elección.
Pistas:
Disco 1:
1. Walk On - 0.49 2. Larks' Tongues In Aspic Pt II - 6.22 3. Lament - 4.39 4. Exiles - 7.16 5. Improv: A Voyage To The Centre Of The Cosmos - 16.44 6. Easy Money - 7.11 7. Improv: Providence - 10.05
Disco 2:
1. Fracture - 11.31 2. Starless - 12.14 3. 21st Century Schizoid Man - 9.50
Personal
Robert Fripp - Guitarras y mellotron John Wetton - Vocales Bill Bruford - Batería y percusión David Cross - Violín
Tras la publicación de su primer álbum, "In The Court Of The Crimson King", el cual causó un importante impacto musical en 1969, fecha de su salida al mercado, la cohorte liderada por el misterioso y siempre incansable guitarrista y mentor máximo del grupo, Robert Fripp, prosiguió en la misma línea que les definiría como una de las bandas más influyentes de la historia del rock, al combinar diferentes estilos creando un sonido característico. Diferentes gamas para diferentes temas donde la genial estructura de los diversos poemas y letras del sinpar Peter Sinfield tienen su principal base y el argumento necesario para la visualización musical de la imaginativa y privilegiada mente de Fripp, junto con sus músicos.
Esta inquietud le llevó a publicar un año después el segundo álbum de la banda, grabado de marzo a mayo de 1970, en los Wessex Sound Studios de Londres, bajo el título "In The Wake Of Poseidon", el cual guarda cierta similitud con el primero. Su fecha de lanzamiento tuvo lugar el 15 de mayo de 1970 y, pese a haber llegado a lo más alto de las listas británicas como cuarto álbum más vendido en el Reino Unido durante varias semanas, sin embargo la estructura del disco era eminentemente similar a la del primero, aunque en parte. Desde el dulce y breve comienzo con una de las partes de "Peace", entra de lleno y con mucha fuerza en el segundo tema con frenesí y poderío interpretativo y con las letras sarcásticas y ácidas de Sinfield: "Pictures Of A City" (guarda cierto parecido con "21st Century Schizoid Man" a nivel estructural y compositivo, e igualmente las guitarras eléctricas de Fripp suenan con la misma fuerza y rotundidad, pero emanando mensajes distintos en consonancia con el presente tema) y continúa con el suave y melódico "Cadence & Cascade" (seguimos con similitudes, en este caso con "I talk to the wind"), atajando la primera cara del vinilo con el tema que da título al álbum (más parecidos, aquí con el rotundo "Epitaph" del "In the Court of... the Crimson King"). A pesar de ello, este primer lado del "Poseidon" denota calidad y una cohesión bastante notable entre los músicos y que continúa a la vuelta del vinilo.
La segunda cara se nos presenta bien diferente, arrancando con una nueva sección de "Peace" a la guitarra acústica, siendo la perfecta transición hacia un nuevo tema, publicado como single en una nueva versión, "Cat Food", donde el jugueteo con las notas del piano se confunden en perfecta simbiosis con el resto de instrumentos y la voz de Greg Lake, desgarradora en las fases más estremecedoras del texto y más versátil en los coros. Sigue la canción hacia una variación instrumental de "Cat Food" con toques jazzisticos, desembarcando a continuación en la pequeña trilogía "The Devil's Triangle", casi surgiendo de la nada y a ritmo marcial, creciendo de forma lenta pero gradual ("Merday Morn") hacia el primer climax importante, durante el cual el Mellotron tocado por Fripp juega un papel fundamental, así como el resto de músicos hacen su papel correspondiente. Tras este intenso pasaje, nos deja respirar durante el enigmático "Hand Of Sceiron" y un inquietante silencio, solo atravesado por sonidos pregrabados de golpes o martilleos. Pero la calma iba a durar bien poco, pues nos faltaba sentir la desgarradora presencia del último climax de todo el disco en "Garden Of Worm", una pieza prácticamente alocada, frenética y misteriosamente bella, con claras referencias al "In the court of the Crimson King" (hacia el minutaje 10:44 a 10:54). El perfecto final llega con la conclusiva "Peace - An End" con Greg Lake entonando los últimos versos antes de irse despidiendo del grupo para reunirse con Keith Emerson y Carl Palmer en la gran aventura del trío Emerson, Lake & Palmer.
La formación, con respecto al disco predecesor, ya muestra cambios, algo usual en la carrera de la banda, ya que sólo Robert Fripp ha permanecido siempre en la misma. Greg Lake, que anteriormente tocaba el bajo y cantaba, deja el instrumento, siendo sustituido en este terreno por Peter Giles, hermano del batería Mike Giles, y canta sólo en tres temas.
Contenido del disco / Track Listing:
"Peace – A Beginning" (Fripp/Sinfield) 0:49 "Pictures of a City" (Fripp/Sinfield) – 8:03, incluye: 42nd at Treadmill "Cadence and Cascade" (Fripp/Sinfield) – 4:27 "In the Wake of Poseidon" (Fripp/Sinfield) – 7:56, incluye: Libra's Theme "Peace – A Theme" (Fripp) 1:15 "Cat Food" (Fripp/Sinfield/McDonald) – 4:54 "The Devil's Triangle" (Fripp/McDonald) – 11:39, incluye: a) "Merday Morn" b) "Hand of Sceiron" c) "Garden of Wurm" "Peace – An End" (Fripp/Sinfield) 1:53
Canciones extra en la edición del 30º aniversario:
"Cat Food (Versión single)" "Groon (Cara B)"
Por cierto, si tenéis curiosidad por la procedencia del diseño de la portada, ésta se llama "los 12 Arquetipos" o "Las 12 caras de la Humanidad". Los varios cuadros que componen esta obra pictórica fueron creados por el artista Tammo de Jongh en 1967.
Las doce caras representadas en él se definen de la siguiente manera:
- El Loco (Agua y Fuego) - El hombre sonriente con barba blanca rizada y corona de laurel.
- La Actriz (Agua y Fuego) - La chica egipcia con largos pendientes de perlas y collares de perlas sobre su pecho y una media luna sobre su cabello. Es la que aparece llorando.
- El Observador (Aire y Tierra): Una especie de científico con una pose pensativa y gafas apoyadas sobre su frente y pelo canoso.
- La Mujer Vieja (Tierra y Aire): Una mujer de piel curtida y cabello cubierto con un pañuelo para resguardarse del frío.
- El Guerrero (Fuego y Tierra): La cara, cuadrada y casi oscura de un guerrero refleja su poder, fuerza y garra. Lleva un casco de acero con cuernos.
- El Esclavo (Tierra y Fuego): Un nativo africano con grandes zarcillos y un anillo atravesando su nariz; ojos semicerrados, muestran un rostro cálido y sensual, igualmente infunde cierta sumisión y cordialidad.
- La Niña (Agua y Aire): Un cuadro de inocencia; una chica de dulce y delicada sonrisa, y lazos en forma de mariposa en su largo cabello dorado. A su cuello lleva colgado un collar de oro, del cual cuelga una pequeña llave.
- El Patriarca (Aire y Agua): Un viejo filósofo, de expresión lánguida, entrecejo fruncido y largo cabello blanco con bigote y barba. Cejas pobladas y a su alrededor centellean flores o copos de nieve. Su expresión seria denota respetabilidad y autoridad.
- El Lógico (Agua y Fuego): Hombre de gran inteligencia, un científico o un mago, con rostro firme, pelo gris y larga barba igualmente gris; sostiene en una de sus manos una varita y varias estrellas le rodean.
- El Bufón (Fuego y Aire): Cuadro de colores rojo y amarillo brillantes; un muy sonriente bufón de la corte con expresión pícara y sombrero triangular característico.
- La Hechicera (Agua y Tierra): Una chica con mirada triste y ojos vaporosos parecen atravesar los ojos del observador; su pelo oscuro es mecida por el viento hacia su derecha.
- Madre Naturaleza (Tierra y Agua): Duerme sobre un colchón de hierba; la silueta de su rostro se observa desde la izquierda y a su alrededor sobrevuelan mariposas y varias flores la acompañan.
Personal:
Robert Fripp - guitarras, mellotron y otros instrumentos Peter Sinfield - letras e iluminación. Greg Lake - vocales (excepto pista 3) Mel Collins - flauta & saxofones Michael Giles - batería Peter Giles - bajo Keith Tippett - piano Gordon Haskell - voz principal (pista 3)
Uno de esos discos que pienso no deberían faltar en la colección elemental de nadie y sí, uno de mis favoritos 100.
"Pawn Hearts", tras el poder interpretativo de Van Der Graaf Generator [Hugh Banton - Hammond, órgano, piano, melotrón, bajo, voz; Guy Evans - batería, timbales, percusiones, piano; Peter Hammill - voz principal, guitarras acústica y slide, pianos acústico y eléctrico y David Jackson - saxofones alto y soprano, flauta, voz] más la extraordinaria participación de Robert Fripp (King Crimson) en la guitarra eléctrica, es un disco que además de reflejar la potente voz de HAMMILL, se desarrolla en un concepto muy interesante. Hay que estar de cierto humor para escucharlo, y es que es un disco que contiene mucho poder y despierta muchos estados de ánimo, normalmente aletargados por la cotidianidad. El álbum desborda agresividad sonora mientras que líricos absurdos (reflejo inequívoco del gran sentido del humor de HAMMILL) contrarrestan los acordes retorcidos que se exponen por la guitarra de FRIPP en la obra. El trabajo en los teclados que interpreta BANTON es sañudo, lo que da también ese sonido toda vez característico del grupo, donde se manifiestan en ambiente espacial. JACKSON con sus saxofones interpreta disonancias controladas que conducen a un ambiente un tanto jazz, mientras que la batería de EVANS da las pautas y el control con arremetidos golpes sin pudor.
"Pawn Hearts" es un gran disco y como le pasa a las genialidades, se desatan muchas y constantes opiniones en su alrededor. Unos dicen que no es gran álbum, otros que más o menos, pero los más creemos que es la obra maestra de VAN DER GRAAF. Quienes gusten de conceptos densos, oscuros y sinfónicos (conceptos manifiestos en la súper obra 'A plague of lighthouse keepers'), podrán hallar aquí un clásico inmortal. (C) Manticornio.
Track Listing:
01. Lemmings (Including Cog) (Hammill) [11.39] 02. Man-Erg. (Hammill) [10.21] 03. A Plague Of Lighthouse Keepers. [23:04] a. Eyewitness (Hammill) b. Pictures/Lighthouse (Hammill/Jackson) c. Eyewitness (Hammill) d. S.H.M. (Hammill) e. Presence of the Night (Hammill) f. Kosmos Tours (Evans) g. (Custard’s) Last Stand (Hammill) h. The Clot Thickens (Hammill/Band) i. Land’s End (Jackson) j. We Go Now (Jackson/Banton)
Leaving all the world to play they disappear And the leaves have gathered dust to run like deer Tearing pieces from our lives to feed the dawn Mist surrounds the seagulls christened by the storm
Music, all I hear is music - guaranteed to please And I look for something else Rain drops pouring down the rooftops Flowing in the drains As the people run their lives As their lives are run by time
Fighting enemies with weapons made to kill Death is easy as a substitute for pride Victors join together, happy in their bed Leaving cold outside the children of the dead
Music, all I hear is music - guaranteed to please And I look for something else Rain drops pouring down the rooftops Flowing in the drains As the people run their lives As their lives are run by time...
Ya falta poco para que llegue la Navidad y espero que hayáis hecho acopio de todo lo necesario para pasar unas estupendas vacaciones, unas felices fiestas en comunidad y con los mejores deseos para el año próximo. Mientras tanto, os regalo la vista con la postal arriba mostrada.
Muy pronto tendréis ocasión de disfrutar con nuevas músicas, como mi regalo de Navidad hacia todos los lectores del blog. Y un par de consejos, si podéis, no abusar de los dulces y las comidas copiosas, además de salir a caminar al menos media hora al día. Es lo mejor para no engordar demasiado y evitar tener que ir al gimnasio el año que está por venir.
Hace ya mucho tiempo colgué varios discos de esta serie "Los Grandes del Rock", que en realidad acompañaba a la enciclopedia de igual nombre, editada por Orbis/Fabbri hace ya algo más de una decena de años. Lógicamente, el valor del contenido de las grabaciones contenidas en éste y demás CD's es mayor, si tenemos en cuenta de que en ellos hay recogidos grabaciones inéditas en vivo de los grupos y artistas con mayor renombre en la historia del rock.
Lo más peculiar del caso, es que algunas de esas grabaciones, en un par de casos que conozco, sin embargo, no eran más que una copia de conciertos que ya habían sido grabados anteriormente de forma oficial, como el caso del CD "Sinfonie Rock" conteniendo grabaciones de conciertos de Emerson, Lake & Palmer y Mike Oldfield. Mientras que del primer grupo quedaba recogido en este cd una grabación inédita de su revisión del clásico de Mussorgsky "Pictures At An Exhibition", respecto de Mike Oldfield se puede escuchar íntegramente el mismo "Tubular Bells, part 1" contenido en el doble álbum "Exposed".
Vayamos ahora al grano. Aquí sí que no hay grabaciones pre-escogidas de antemano, sino material inédito, posiblemente editado para alguno de esos bootlegs que circulan por Internet como los que he posteado aquí.
El material contenido en este disco ha sido extraido de diferentes lugares y en fechas distintas y paso a referiros el repertorio:
01. Embryo (Waters / Gilmour / Mason / Wright) (9.53) 02. If (Waters) (4.28) 03. Careful With That Axe, Eugene (Waters / Gilmour / Mason / Wright) (7.14) -- Temas grabados en el concierto de Londres, en 1971. 04. Grantchester Meadows (Waters) (7.20) -- Tema grabado en el concierto de San Francisco, en 1970. 05. Atom Heart Mother (Waters / Gilmour / Mason / Wright / Ron Geesin) (24.41) 06. Green Is The Colour (Waters) (3.23) -- Temas grabados en el concierto de Londres, en 1971.
Personal:
David Gilmour: Voces y guitarras. Rick Wright: Teclados y voces. Roger Waters: Bajo eléctrico y voces. Nick Mason: Batería y percusión. (Se desconoce la orquesta y coros que intervienen en "Atom Heart Mother", aunque presumiblemente sean los mismos que participaron en la grabación en estudio)
Este CD, así como los demás pertenecientes a esta serie en concreto, no se encuentran en ninguna tienda, excepto en ferias del libro antiguo y de ocasión. Es bastante raro de encontrar a través de Internet, si bien puede haberlo en venta en tiendas eBay o similares.
Tal vez os parezca una página algo infantil e inútil, pero la idea de conocer cuál puede ser vuestro nombre en el idioma élfico, aun cuando ha pasado la fiebre de El Señor De Los Anillos, aun cuando estamos a la espera de saber cómo será la recreación cinematográfica de El Hobbit de J. R. R. Tolkien, tiene, a pesar de todo, las connotaciones justas para con nuestro impulso curioso.
No perdáis la oportunidad de ser elfos u hobbits por un momento y descubriréis cuál es vuestro nuevo nombre en el mundo imaginario de Tolkien en la Tierra Media.
Recorded live at 18th July 1970, Blackhills Garden Party, Hyde Park, London.
A very rare recording, rescued from a tape boot some time ago, with the following tracklist:
01. Blues 02. The Embryo 03. Green Is The Colour 04. Careful With That Axe, Eugene 05. Set The Controls For The Heart Of The Sun
The sound quality ranges from good to very good, there are some microphone "nudge" noises and some wind noise. The show was recorded using a mono Phillips cassette recorder with a microphone mounted on a 6 foot pole. The taper, David, was sat about 100 meters from the stage to the left of center. Overall the recording quality is mostly very good. Some wind noise is picked up by the microphones and also the quality of the sound changes due to wind "blowing the sound around". Occasionally there is a little distortion but really nothing to complain about considering how this show was taped.
01. Little Blonde In The Parc Of Attractions 02. Birdwatcher's Dream 03. Quasar 04. Stratosfear 1995 05. Largo 06. Catwalk 07. Midwinter Night 08. Touchwood (The Forest Mix)
01. A Band Who Needed Pressure 02. More Space 03. The Aim 04. A, C, or E 05. Completely Out of Tune 06. They Don't Even Care 07. A Wise Idea 08. Stolen 09. Better Stay Out 10. 52 Kids 11. The Longing 12. A Certain Power 13. Quiet As Mice 14. Stupid Little Box 15. Working in the Docks 16. The Godfather 17. Good Old Days 18. One of the Dilemmas 19. Honest as Possible 20. Dancing Grizzlies 21. Platform 22. Give Him a Credit 23. Fresh Air 24. The Best Part 25. Particular Time 26. Strange Acoustics 27. Junk on the Road 28. A Nice Walk 29. This Took Ages 30. Zero Point 31. Just Playing Together 32. A Raging Trio 33. Buying All the Records 34. Fun PartGrey Part 35. Musical Doors 36. Stuck in Manuals 37. Not My Time 38. Really Tricky 39. Spiritistische Praktiken 40. Liebe zur Musik 41. Elektronische Klangerzeugung 42. Barer Unsinn 43. Musik existiert 44. Ein Schritt zurück 45. Was für Charts 46. Das Kollektiv 47. Eine Zäsur 48. Richtiger Donner 49. Eine Atempause 50. Buenas noches
"On My Heart", bellísimo tema de su disco clásico "Music Of The Spheres" llevado en vivo a un programa de televisión inglés.
Ella es Hayley Westenra, una de las voces más dulces y jóvenes de la música clásica en la actualidad, habiendo nacido en Nueva Zelanda en 1987. Su interpretación puede ser preciosa, si bien he podido advertir un poco de nerviosismo durante la misma.
Precisamente, la música de Hayley mezcla canciones con un aire pop, arias de ópera o canciones propias del mundo de la música clásica (como ‘Pie Jesu’ o ‘O mio babbino caro’) y canciones con un toque celta. Hayley se unió a Celtic Woman para hacer una gira mundial, pero recientemente ha publicado su último cd, «River of Dreams», un recopilatorio que incluye todos sus grandes éxitos hasta la fecha.
Hace ya unos cuantos años, cuando mi fanatismo por la música de Mike Oldfield llegó a un nivel tal que necesité de conocer a otros amigos y adictos a su música. Y la mejor manera de conseguirlo era a través de las revistas sobre Oldfield existentes y que solo a través de anuncios en ciertas publicaciones como revistas sobre Nuevas Músicas, cuyos títulos apenas recuerdo con exactitud (una era "World 1 Music" o algo así) aun siendo otra de ellas "Voice", era posible su promoción.
Fue gracias a "Voice" como descubrí primero este fanzine titulado "Orabidoo", que editaba un tal José Cantos Carnicer (actualmente fundador del blog "Solsticio de Invierno") y a través de él, otros más como "Dark Star" (ésta es la revista oficial sobre Mike Oldfield), "Northpoint", "Airborne"... y de esta manera pude conseguir no solo fraguar algunas amistades sino conocer aún más a fondo la vida y misterios sobre el "mallorquín" Oldfield.
Al tiempo que me empapaba de cuanta información ofrecían, era capaz de asimilar unos conocimientos que antes no poseía sobre la carrera musical del multiinstrumentista de Reading, tales como sus discos oscuros, aquéllos que por algún motivo no me fueron transmitidos por otros medios de comunicación: sencillos primigenios, caras B poco conocidas, bootlegs, rarezas y grabaciones de conciertos, entre otras cosas.
También pude conocer la historia de la canción "Sally" incluida en los 30.000 primeros ejemplares del álbum "Platinum" en su edición original, la inglesa, descartada después por obra y gracia de Richard Branson que la consideró una "idiotez" y proponiendo a Oldfield su cambio por otra mejor: Into The Wonderland. Curiosamente, el cambio permaneció entre los surcos de las ediciones posteriores, pero no así en los créditos de las contraportadas del disco.
Supe también de las curiosidades de algunos trabajos conceptuales en los que colaboró Mike Oldfield, junto con David Bedford, Pekka Pohjola (R.I.P.) y Pierre Moerlen, entre otros músicos amigos.
En definitiva, todo lo que los fanzines transmitían han sido buenamente asimilados para conocer aún más los misteriosos recovecos en la vida de Oldfield. Sin embargo, muchos de ellos han caido por el camino. En el caso de "Orabidoo" permaneció prácticamente una decena de años, desde 1995 hasta bien entrado el presente milenio, dejando de publicarse allá por el 2005, dato éste que solo me lo podría confirmar su editor principal ;).
En dicho fanzine, no solo leía cuantos artículos eran capaces de publicar sus lectores sino que me convertí también en un colaborador más, participando de mi inquietud por diversos temas, tanto si eran relacionados con Mike como si lo eran sobre otros músicos (Franco Battiato o Jean-Michel Jarre, aún mantengo en mi memoria cuánto escribí sobre ellos y conservo aún hoy en día).
De todos ellos, guardo un muy especial recuerdo, aunque el tiempo ha hecho mella en la amistad que se forjó gracias a los mismos y aún puedo conservar al menos una de ellas.
Maravilloso bootleg con una buena calidad de sonido en el que encontramos a un Pink Floyd en su salsa, su incipiente sonido característico entre ínsuflas de sicodelia pura, la que marcó unos inicios sorprendentes en el despertar de una banda ya mítica. Se adivina por las voces la todavía presencia de Syd Barrett, junto con el bajista Roger Waters, el armonioso órgano de Richard Wright (q.e.p.d.) y Nick Mason a la batería. Es probable que David Gilmour estuviese también presente en las sesiones de grabación para la BBC.
Recorded live in session for BBC Radio in 1968/69.
Tracklist:
01. Let There Be More Light 02. Point Me At The Sky 03. Murderistic Woman 04. Julia Dream 05. The Embryo 06. A Saucerful Of Secrets 07. The Narrow Way 08. Green Is The Colour
LE ORME nace en 1966 en Venecia con Aldo TAGLIAPIETRA como líder y realiza su primera grabación en 1967, el sencillo 'Fiori e color' junto con su cara B 'Lacime di sale', siguiéndole el ingreso de Michi DeiROSSI y sucesivamente de Tony PAGLIUCA, proveniente del grupo disuelto HOPOPI.
Contemporáneos de Banco Di Mutuo Soccorso, Le Orme fue fundada por los músicos Aldo TAGLIAPIETRA (voz, guitarra), Nino SMERALDI (guitarra), Claudio GALIETTI (guitarra, bajo) y Marino REBESCHINI (bateria). Después de su primer sencillo, REBESCHINI se fue del grupo y fue remplazado por Michi DeiROSSI. En 1968 Le ORME publicó un segundo sencillo, 'Senti l'estate che torna', al tiempo que un músico nuevo, Toni PAGLIUCA, se unió al grupo. Esta formación fue la responsable del primer LP oficial del grupo, "Ad Gloriam" (1968), un trabajo de pop psicodélico que tuvo poco exito comercial pero que les abrió las puertas hacia un suceso internacional de bases sólidas y ejemplares. En 1969 GALIETTI también abandonó, pero Le ORME se consolidó en lo que sería considerada su “formación clásica”, que produjo sus más exitosos álbumes de rock progresivo de los años 70 ("Uomo di Pezza", "Felona e Sorona" y "Contrappunti").
El grupo se separó a principios de los 80, pero se volvió a reunir en 1986. En 1992 PAGLIUCA abandonó la banda, y fue remplazado por Michael BON.
Discografía
Ad Gloriam (1968) Collage (1971) Uomo di pezza (1972) Felona e Sorona (1973) Contrappunti (1974) In concerto (1974) Smogmagica (1975) Verità nascoste (1976) Storia o leggenda (1977) Florian (1979) Piccola rapsodia dell'ape (1980) Venerdì (1982) Orme (1990) Il fiume (1999) Elementi (2001) L'infinito (2004)
Hace ya unos cuantos años, cuando mi fanatismo por la música de Mike Oldfield llegó a un nivel tal que necesité de conocer a otros amigos y adictos a su música. Y la mejor manera de conseguirlo era a través de las revistas sobre Oldfield existentes y que solo a través de anuncios en ciertas publicaciones como revistas sobre Nuevas Músicas, cuyos títulos apenas recuerdo con exactitud (una era "World 1 Music" o algo así) aun siendo otra de ellas "Voice", era posible su promoción.
