La ASCAP en contra de Creative Commons

Fuente: El Mundo

Pero vamos a ver, señores de la desafortunada ASCAP, ¿son ustedes idiotas o qué? El autor o autores de una obra discográfica son muy dueños de elegir la forma de promover su música y gestionarla como ellos mismos deseen. Esto implica por fuerza que ni por asomo ningún gobierno o estado (esto va también para González-Sinde), o ninguna institución de editores, productores y creadores, está en condiciones de obligar a nadie a pasar por el aro del "copyright", ni insuflarle en su cara las muchas mentiras sobre la protección de los derechos del autor. Ni mucho menos tienen la potestad de decirles a estos artistas lo que tienen que hacer porque ellos lo digan, habiendo otras fórmulas mucho mejores y más liberales y que favorecen tanto a los propios artistas como a los consumidores.

Si creen que el chollo se les acaba, no hagan juegos malabares con ciertas políticas implantadas como el Open Source, GLL, y las licencias libres sobre obras artísticas, literarias, musicales y videográficas. Que cada palo aguante su vela.

Quien quiera registrar su música con copyright y protegerla a toda costa, está en su derecho, como también es perfecto que cualquier otro está en su derecho de registrar o no su música o simplemente adjudicar una licencia Creative Commons con las particularidades pertinentes en función de la decisión única e intransferible de su autor o autores. Pero es de estúpidos empujar a ningún grupo o solista a hacer aquello que no desee ni convencerle de que va a recibir todo el oro y el moro por vender su obra al mejor postor. Es un gran error en el que caemos continuamente y así será, desgraciadamente, por los siglos de los siglos, hasta que cambiemos por completo de mentalidad.

De aquí a la estupidez hay un paso. Si yo quiero promover mi música sin necesidad de percibir ningún precio, ni pago de remuneración o donación alguna, estoy en mi derecho de hacerlo así, siempre y cuando use alguna de estas licencias libres, bien copyleft o la que se discute aquí. La música será todo un negocio para algunos, pero no para aquellos que prefieren dedicarse a ella por puro amor al arte.

¿Cuándo serán capaces estos gualtrapas de entender esta frase y dejar a los artistas hacer con su música lo que quieran? Y ni mucho menos, en estos tiempos que corren, se puede uno creer la cantidad de burradas que nos llegan desde la SGAE y otras entidades similares como la susodicha en el título de este post.

Tonterías, las justas.

Las bibliotecas en el punto de mira de la SGAE

Esto no hace ningún bien a la cultura ni siquiera es moralmente digerible; tanto que se habla de inculcar la lectura y ahora vienen éstos a minarnos de nuevo la moral con una nueva salida de tono.

Me sumo a la iniciativa de otros blogs que han publicado este artículo del conocido escritor José Luis Sampedro:

POR EL PLACER DE LA LECTURA:

La SGAE (Sociedad General de Autores) ataca de nuevo.

Escrito y firmado por José Luis Sampedro, escritor:

POR LA LECTURA

Cuando yo era un muchacho, en la España de 1931, vivía en Aranjuez un Maestro Nacional llamado D. Justo G. Escudero Lezamit. A punto de jubilarse, acudía a la escuela incluso los sábados por la mañana aunque no tenía clases porque allí, en un despachito que le habían cedido, atendía su biblioteca circulante. Era suya porque la había creado él solo, con libros donados por amigos, instituciones y padres de alumnos. Sus ‘clientes’ éramos jóvenes y adultos, hombres y mujeres a quienes sólo cobraba cincuenta céntimos al mes por prestar a cada cual un libro a la semana. Allí descubrí a Dickens y a Baroja, leí a Salgari y a Karl May.

Muchos años después hice una visita a un bibliotequita de un pueblo madrileño. No parecía haber sido muy frecuentada, pero se había hecho cargo recientemente una joven titulada quien había ideado crear un rincón exclusivo para los niños con un trozo de moqueta para sentarlos. Al principio las madres acogieron la idea con simpatía porque les servía de guardería. Tras recoger a sus hijos en el colegio los dejaban allí un rato mientras terminaban de hacer sus compras, pero cuando regresaban a por ellos, no era raro que los niños, intrigados por el final, pidieran quedarse un ratito más hasta terminar el cuento que estaban leyendo. Durante la espera, las madres curioseaban, cogían algún libro, lo hojeaban y a veces también ellas quedaban prendadas.

Tiempo después me enteré de que la experiencia había dado sus frutos: algunas lectoras eran mujeres que nunca habían leído antes de que una simple moqueta en manos de una joven bibliotecaria les descubriera otros mundos. Y aún más años después descubrí otro prodigio en un gran hospital de Valencia. La biblioteca de atención al paciente, con la que mitigan las largas esperas y angustias tanto de familiares como de los propios enfermos, fue creada por iniciativa y voluntarismo de una empleada. Con un carrito del supermercado cargado de libros donados, paseándose por las distintas plantas, con largas peregrinaciones y luchas con la administración intentando convencer a burócratas y médicos no siempre abiertos a otras consideraciones, de que el conocimiento y el placer que proporciona la lectura puede contribuir a la curación, al cabo de los años ha logrado dotar al hospital y sus usuarios de una biblioteca con un servicio de préstamos y unas actividades que le han valido, además del prestigio y admiración de cuantos hemos pasado por ahí, un premio del gremio de libreros en reconocimiento a su labor en favor del libro.

Evoco ahora estos tres de entre los muchos ejemplos de tesón bibliotecario, al enterarme de que resurge la amenaza del préstamo de pago. Se pretende obligar a las bibliotecas a pagar 20 céntimos por cada libro prestado en concepto de canon para resarcir -eso dicen- a los autores del desgaste del préstamo.

Me quedo confuso y no entiendo nada. En la vida corriente el que paga una suma es porque:

a) obtiene algo a cambio.
b) es objeto de una sanción.

Y yo me pregunto: ¿qué obtiene una biblioteca pública, una vez pagada la adquisición del libro para prestarlo? ¿O es que debe ser multada por cumplir con su misión, que es precisamente ésa, la de prestar libros y fomentar la lectura?

Por otro lado, ¿qué se les desgasta a los autores en la operación?.¿Acaso dejaron de cobrar por el libro?. ¿Se les leerá menos por ser lecturas prestadas?.¿Venderán menos o les servirá de publicidad el préstamo como cuando una fábrica regala muestras de sus productos? Pero, sobre todo: ¿Se quiere fomentar la lectura? ¿Europa prefiere autores más ricos pero menos leídos? No entiendo a esa Europa mercantil. Personalmente prefiero que me lean y soy yo quien se siente deudor con la labor bibliotecaria en la difusión de mi obra.

Sépanlo quienes, sin preguntarme, pretenden defender mis intereses de autor cargándose a las bibliotecas. He firmado en contra de esa medida en diferentes ocasiones y me uno nuevamente a la campaña.

¡NO AL PRÉSTAMO DE PAGO EN BIBLIOTECAS!

José Luis Sampedro

Difúndelo.

Señores de la SGAE, por lo que veo, a ustedes no les ha afectado para nada la crisis y se nota. Pero, ¿acaso les importa que los que no podemos llegar a fin de mes tengamos que pasar aún más penurias por su culpa, pagando aquí y allá todo lo que ustedes tocan? No tienen vergüenza alguna.

Los juegos para PC de Mike Oldfield

Publicado también en mi retroblog Program : Bytes : 48k.


THE SONGS OF DISTANT EARTH, Interactive cd-rom track:

Aun no habiéndose publicado exactamente para ordenadores PC, el primer "videojuego", si se puede llamar así, creado por Mike Oldfield, fue aquel programa incluido como primera pista en su CD "The Songs Of Distant Earth" (1994). De hecho, dicho programa interactivo solamente se podía usar en equipos Macintosh, aun a pesar de que el PC era el sistema que estaba mucho más extendido en esas fechas. El formato del CD era lo que entonces se conocía como CD-Plus (audio y datos en una misma oblea, muy habitual en esos años dentro del mundo de los videojuegos).

El corte de CD-ROM que incluyen sólo algunas copias sólo puede visionarse en máquinas Mac de Apple. Este fue el gran error de Mike Oldfield: firmó un acuerdo con esta compañía sin percatarse de que en todo el mundo las ventas de ordenadores personales PC iban en aumento e iban a dominar el mercado de forma masiva. Mike trató de remediar su error sacando una versión simplificada para PC, pero Apple se lo impidió alegando que el contrato que había firmado con ellos se lo impedía. De esta manera muchos seguidores se quedaron sin poder disfrutar de este corto, pero intenso, CD-ROM. Ahora mismo, todos lo que desen ver este CD-ROM en un PC tienen que conformarse con visionar los vídeos que varias páginas de fans tienen disponible para bajarse, o por lo menos disponer de una buena oportunidad de hacerlo, con solo descargarse esta aplicación, si bien necesita tener QuickTime de Apple instalado en el ordenador.

Dicho corte, muestra una secuencia animada por ordenador bastante futurista, ambientada en la novela de Arthur C. Clarke, junto con extractos del disco. En algunos momentos determinados, interactuaremos para abrir algunos pasajes o descubrir otros senderos y recorrer el mundo espacial creado por Mike Oldfield, a partir de su propia música.



TR3S LUNAS:

Posteriormente, y con el advenimiento de su trabajo de corte "chill-out" Tr3s Lunas, quiso Mike realizar un videojuego nada corriente, que jugase no solo con su música sino que se pudiera incluso interactuar con los objetos presentes en él, así como con los jugadores que se conecten a Internet, participando de forma simultánea. Aquel proyecto tenía en principio el nombre de "Music VR" (VR por Virtual Reality). Y hasta que no salió junto con el disco en cuestión, solo podíamos esperar a ver el resultado. ¿Cuál ha sido? Gracias a la demo incluida dentro del segundo CD del álbum, con el que podíamos movernos en un ambiente limitado, podemos ver por nosotros mismos un videojuego original y fuera de lo corriente, pero que distaba mucho de tener todo el potencial que se esperaba por su despliegue de gráficos bastante corrientes en un equipo multimedia por aquél entonces, comparado con otras producciones del momento. Para acceder al juego completo, había que dirigirse a la página web del artista y descargarlo; tras haberlo instalado, teníamos que solicitar una especie de "llave", o lo que es lo mismo, una clave de acceso y para ello se tenía que pagar una cierta cantidad.




Oldfield había expresado entonces su deseo por compartir su juego con otros usuarios; así "Tr3s Lunas" se convirtió en un videojuego multimedia para varios jugadores, con el que a través de Internet los usuarios podían conectarse en cualquier momento al mismo. Cada persona podía elegir su propio avatar, con el que luego podrían volar literalmente a través de mundos totalmente virtuales, desde la pantalla del ordenador y con total libertad de movimientos. Hasta un máximo de 13 avatares podían permanecer al mismo tiempo, mientras otros jugadores lo presenciarían como meros expectadores. Además, se permitía el uso del chat para la intercomunicación entre los distintos jugadores. Por raro que parezca (ahora parecería impensable dado el carácter actualmente huraño del músico) el propio Oldfield se comunicaba de vez en cuando con los jugadores a través del chat.

Requerimientos básicos:

S.O.: Windows 95, 98, NT, Millenium y XP.
Procesador: Pentium III 500 MHz,
Memoria: 64 MB Ram,
Tarjeta gráfica: 16 MB OpenGL graphics card
Tamaño: 53,5 MB

MAESTRO:

Hacia 2003, Oldfield había regrabado su primer disco, el exitoso Tubular Bells, añadiéndole la coletilla "2003" al mismo -técnicamente, ganaba en calidad y producción, pero había perdido completamente la frescura y la espontaneidad de la primera versión, realizada en 1973 con unos medios técnicos algo limitados, pero con los que se pudo jugar entre él y los productores Tom Newman y Simon Heyworth para sacar a la luz el disco por el que se le recordará siempre-.

Pues en ese periodo, le llegó a Mike la inspiración para un segundo videojuego basado en Music VR, un nuevo episodio inicialmente titulado "The Tube World", del cual os ofrezco a continuación la demo. La versión final llevaría por fin un título definitivo, "Maestro" y saldría publicado en 2004. Una vez más, estaba disponible a través de la web del compositor británico y solo se podía comprar por 14.98 libras el archivo descargable de la web y por 18 el CD con el programa preinstalado.



Algo más tarde, aparecería una nueva demo, con nuevas zonas a descubrir, pero realizado como una especie de videoaventura en la que tenemos que realizar una serie de cometidos. Al empezar a jugar la demo, nos encontramos en el interior de un túnel y un número determinado de campanas tubulares como marcador. Nos indica que debemos recorrer todas las estancias posibles recogiendo el mismo número de campanas que se hallan dispersas. A partir de ahí, lo desconozco por completo, aun cuando uno va a ir descubriendo nuevos paisajes y lugares recónditos, hasta aterrizar en el interior de una gran astronave de forma peculiar. Reconozco que el videojuego es llamativo pero es bastante confuso a su vez, y no tengo ni puñetera idea de qué hacer después.



En 2004 se publica por fin el juego completo.

"Maestro" contenía algunos segmentos musicales del Tubular Bells, así como nuevo material compuesto específicamente para el juego. Esta vez, se nos planteaba un objetivo, encontrar 24 medallas y 4 "gravitars". Como en Tr3s Lunas, teníamos también total libertad de movimientos en todas las direcciones y la posibilidad de interactuar con muchos de los objetos presentes.




Requerimientos básicos:

S.O.: Windows 95, 98, NT, Millenium y XP.
Procesador: Pentium III processor,
Tarjeta gráfica: compatible OpenGL,
Memoria: 128Mb RAM,
Tamaño: 68,9 MB

Descarga de los programas:

Pasado un tiempo, Mike Oldfield decidió liberar por completo ambos juegos, permaneciendo desde entonces a ser descargados de forma gratuita desde su web. Sin embargo, recientemente la web oficial de Mike, www.mikeoldfield.com ha dejado de estar operativa (probablemente por motivos técnicos, aunque todo apunta a que el propio Oldfield la haya retirado) y por tanto no se pueden acceder a dichos juegos. En vista de que ambos juegos pueden distribuirse sin problemas, los he subido yo mismo a Mediafire, junto con la demo de la versión inicial de Maestro, es decir "The Tube World".

Tr3s Lunas (53.5 MB) (Otro link)
Demo The Tube World (24.3 MB)
Demo Maestro (20 MB)
Maestro (68.9 MB) (Otro link)

Enlaces relacionados:

- MusicVR (Wikipedia)
- Tr3s Lunas, el videojuego (Wikipedia)
- Maestro, el videojuego (Wikipedia)
- A review of Mike Oldfield's Maestro game
- Ficha de Tr3s Lunas en MobyGames
- Ficha de Maestro en MobyGames

Sobre fregonas, maletas de ruedas y otras "alegrías"

Lo ha dicho el ex-presidente de Extremadura, Juan Carlos Rodríguez Ibarra:

Chirría escuchar a algunos creadores hablar de su propiedad dañada por la piratería informática.

¿Cuánto tardarían en surgir mil páginas en Internet por cada una que se cerrara?

Hubo alguien que inventó la fregona para, en el tiempo del machismo recalcitrante, poner a la mujer de pie en lugar de rodillas a la hora de fregar el suelo, y también existió alguien que inventó la maleta de dos ruedas que hoy usa casi todo aquel que se decide a emprender un viaje para evitar un sobreesfuerzo en su traslado. Ambos inventos vinieron precedidos de otras cuatro genialidades: algunos inventaron el palo, otros el trapo, otros la rueda y otros la maleta. La ocurrencia del de la fregona y del de la maleta de ruedas consistió en unir en un mismo artefacto el palo y el trapo por una parte, y las ruedas y la maleta por otra. Ante esto cabe preguntarse razonablemente: ¿le corresponde algún tipo de propiedad intelectual al inventor de la fregona y al inventor de la maleta de ruedas? Sus creaciones no surgieron de la nada, puesto que unieron dos cosas que ya existían y que, antes que ellos, alguien inventó. Y siguiendo el razonamiento, seguro que antes del de la rueda o del de la maleta, del trapo o del palo, ya hubo alguien que inventó algo que sirvió para que esos artilugios pudieran mezclarse.

Eso que acabo de describir y que permite discutir, cuando no negar, la propiedad intelectual, no ocurre sólo con esos inventos, sino que es la forma que tiene la humanidad de acercarse al proceso de creación. Por eso, resulta chirriante escuchar a algunos creadores musicales y cinematográficos españoles cuando hablan, hasta la náusea, de sus creaciones y de su propiedad intelectual, dañada, según ellos y la SGAE, por la piratería informática. ¿Acaso cuando alguien compone una balada, de cuya autoría reclama la propiedad intelectual, no está creando algo sobre creaciones anteriores o contemporáneas a él? ¿No hubo antes que él alguien que escribió la primera balada de la historia? Es imposible imaginar que una creación de ese tipo se sostiene sobre la nada o sobre el vacío. Cuando alguien compone una melodía del tipo que sea, ¿no está influido por todo lo que ha escuchado, leído y visto a lo largo de su vida? ¿Es que la creación cultural no es acaso la forma recurrente que tenemos de hacer las cosas? ¿Alguien puede decir que lo que ha creado no es el producto de sus influencias? Una película de cine, ¿no es la consecuencia de las miles de películas de cine que se han creado a lo largo de la historia? ¿De qué propiedad intelectual nos están hablando los que hablan de esa forma? Lo que yo estoy escribiendo en este momento, ¿no es la consecuencia de lo que hablan y razonan millones de personas? ¿Cuáles son los derechos que me corresponden como autor de un escrito que es la consecuencia de la influencia de miles de escritos y reflexiones? ¿Entrecuántos tendría que repartir mis derechos de autor?

Lo que escribo en este instante lo estoy haciendo en un banco de un parque que ha sido diseñado por un arquitecto. Quienes se dedican al ejercicio de la arquitectura también tienen reconocida la propiedad intelectual. Enfrente de donde estoy sentado, miro y observo una escultura, propiedad intelectual de un escultor que se la vendió al Ayuntamiento de la ciudad en la que vivo. Escribiendo en el parque y mirando la escultura me he acordado de las cosas que dijeron algunos creadores, hace unas semanas, a las puertas del Ministerio del Cultura del Gobierno de España y he pensado que, siguiendo sus razonamientos sobre los derechos de autor y la propiedad intelectual, alguien debería venir a cobrarme unos euros por estar disfrutando del espacio que un arquitecto creó y por mirar la escultura que un escultor ideó y modeló. No diré cuántas veces he mirado la escultura, no vaya a ser que la SGAE me denuncie por haber mirado más veces de las que podría ser entendido e interpretado como un acto de piratería visual. ¿Por qué los arquitectos y los escultores no cobran sus derechos de autor cuando usamos o miramos los espacios y las esculturas por ellos creados y sí hay que pagar por usar o mirar las canciones o las películas realizadas por otro tipo de creadores?

He dejado este escrito para mañana y me he pasado por una frutería a comprar dos kilos de naranjas; el frutero sólo me ha cobrado por lo que he pedido y no ha tenido la ocurrencia de pretender venderme dos kilos de melones, un kilo de limones y tres kilos de manzanas, aunque yo sé que el frutero tiene un huerto en el que cultiva todos esos productos. Me ha servido lo que le he pedido y he pagado religiosamente. A continuación, he pasado por una tienda de discos y he pedido que me vendieran la canción de Joaquín Sabina, Tiramisú de limón, pero, a diferencia del frutero, el dependiente ha pretendido que le comprara 13 canciones más que, por lo visto, es toda la producción del huerto musical de Sabina en la temporada del año 2009. Y no sólo lo pretendía, sino que además quería cobrarme algo más de veinte euros por un estuche de plástico con un disco dentro. Me he negado a llevarme toda la producción del maestro, porque a mí sólo me gusta Tiramisú de limón. El dependiente no entendía lo que yo le decía y yo no entendía lo que me decía él; debe de ser que yo emigré a la sociedad virtual, que no necesita formato para disfrutar de un hecho cultural, y él sigue en territorio analógico, donde la realidad es sólo física. ¡Vamos, que si le digo que le voy a enviar un correo, seguirá pensando que en una semana recibirá una carta mía envuelta en un sobre de papel, con un sello postal y un matasellos!

Si la propiedad intelectual es discutible e incluso se puede negar desde una concepción de izquierdas, no niego que, por juntar palabras que no son nuestras o por unir imágenes que tampoco lo son, se tenga derecho a recibir algún tipo de remuneración en forma de lo que se conoce como derecho de autor, y para ello mi propuesta es la siguiente: 1. Tomar como punto de referencia el importe de ingresos por compensación por copia privada que se ha recaudado con la legislación vigente en los últimos tres años. 2. Que esa cantidad, con las sucesivas actualizaciones, sea garantizada por el Estado para la industria cultural nacional. 3. Que esa cantidad sea repartida entre los creadores de forma transparente, es decir, que se haga en función de los ingresos declarados por venta de sus obras en las respectivas declaraciones de la renta. 4. Que en la declaración de la renta de todos los ciudadanos figure una casilla para destinar una parte de los impuestos a compensar la copia privada.

Los creadores de la SGAE no deben tener miedo a que en cuatro o cinco años se acabe la creación artística. Nunca ha habido una época en la historia de la humanidad donde la creación haya sido tan prolija como en la actualidad. Lo que ocurre es que, en la actualidad, la realidad es física y virtual; cuanto antes se entienda, mejor. En una sociedad en la que un chico de quince años es capaz de introducirse en los archivos del Pentágono norteamericano con su ordenador, ¿cuánto tiempo calcula la Ministra de Cultura que iban a tardar en aparecer mil páginas en Internet por cada una que cerrara una comisión ministerial o un juez?

Juan Carlos Rodríguez Ibarra es ex presidente de la Junta de Extremadura.

Fuente: ElPais.com

Pues, visto de esta forma, ¿a ver quién es capaz de ponerle un cascabel a la gata González-Sinde y otro con sordina al presidente de la SGAE?

Public Domain Films - The Great Commandment (1939)

Historia de la revuelta de los judíos contra el yugo romano en el año 30 D.C., centrada en la figura de Joel (John Beal), líder de los zelotes, una primitiva organización revolucionaria judía. También debe superar la problemática con su padre (Maurice Moskovitch), que prefiere dedicarse a leer el Talmud. La aparición de un Nazareno que da preponderancia a la Palabra por encima de la Espada, probará ser mucho más revolucionaria que lo que los zelotes fueron capaces de lograr. La película fue producida por el Reverendo James Friedrich, un Episcopal, que fundó la Cathedral Films para llevar a cabo el filme, que costó 150 mil dólares y se filmó en la segunda mitad de 1939.

Aun no siendo personalmente, yo lo confieso, religioso, respeto hasta cierto punto las creencias de los que profesan la fe cristiana y encontrarán en este filme, en su versión original en inglés, una punta de lanza para escudriñar en la vida de los judíos durante la etapa de Jesús de Nazareth. Y sirva esta película a modo de reflexión sobre la fe en la actualidad.

FICHA TÉCNICA:

Director: Irving Pichel
Producción: John T. Coyle
Guión: Dana Burnet
Intérpretes: John Beal, Irving Pichel, Albert Dekker.
Cinematografía: Charles P. Boyle, A.S.C.
Edición: Ralph Dixon
Distribución: Cathedral Films, Inc.
Fecha de publicación:
- 1939, por Cathedral Films
- 1941, por 20th Century Fox
Duración: 78 min



LINKS:

Detalles y reviews del film y descarga (4 GB, MPEG2)
Ficha IMDb

Public Domain Films - Nosferatu (1922)

Con el título original de Nosferatu, eine Symphonie des Grauens (Nosferatu, una sinfonía del horror), era conocida en castellano como Nosferatu y Nosferatu el vampiro (España). Es una película muda de 1922 dirigida por F. W. Murnau. Fue la primera película de terror de la historia y dio origen a este género.

Parte de la sinopsis es la siguente: Thomas Hutter es un empleado de una compañía inmobiliaria en Wismar, Alemania, que vive tranquilamente con su esposa. Un día su jefe, Knock, recibe una extraña carta escrita con símbolos que reconoce como del Conde Orlok, quien desea comprar una casa en Wismar. Knock envía a Hutter a los Cárpatos para concretar con el Conde Orlok la venta de la casa. Hutter deja a su esposa Ellen en casa de su amigo Harding y se embarca.

Cerca de su destino, Hutter se hospeda en una posada en la cual menciona que se dirige a ver al Conde Orlok. Todos los presentes se aterran de sólo escuchar el nombre del Conde y tratan de convencerlo de no ir. Hutter encuentra en su cuarto un libro sobre vampiros el cual tilda de supersticioso, pero que mantiene consigo como material de lectura. Al día siguiente parte hacia el castillo. (A partir de aquí contar más de la sinopsis se convierte en "spoilers" por lo que recomiendo el visionado del film sin premuras).

INTERIORIDADES DEL FILM

Murnau quiso realizar una adaptación cinematográfica de la novela Drácula, de Bram Stoker, pero su estudio no logró hacerse con los derechos de la historia. De modo que decidió filmar su propia versión de la novela y el resultado es una película que tiene un gran parecido con la historia original de Stoker. El nombre de "Drácula" se cambió por el de "Nosferatu" y también se cambiaron los nombres de los personajes: el Conde Drácula es aquí el Conde Orlok, por ejemplo. Su papel fue interpretado por Max Schreck. Sin embargo, la viuda de Stoker demandó la película por infracción de derechos de autor y ganó el juicio.

El significado original de la palabra nosferatu es difícil de determinar. No hay duda de que alcanzó difusión popular a través de la novela de Bram Stoker; Stoker halló el término en cierta obra del escritor y orador británico del siglo XIX Emily Gerard, quien la introdujo en un capítulo de su obra Supersticiones de Transilvania (1885) y en su crónica de viajes La tierra más allá del bosque (1888) (la “tierra más allá del bosque” es literalmente lo que significa Transilvania en latín). Se alude a ella simplemente como el vocablo rumano para designar al vampiro; Stoker empleó el término como un calco del inglés undead o no-muerto. Esta atribución es patentemente falsa, puesto que la palabra nosferatu carece de significado conocido (aparte del introducido por la novela y las películas) en ninguna fase histórica del rumano.

Una etimología alternativa sugiere que el término proviene originalmente de los nosóforos griegos (*νοσοφορος), es decir, de los agentes transmisores de enfermedades. Esta derivación podría tener sentido cuando se observa que en varias naciones de Europa Central los vampiros eran considerados difusores de epidemias. La película de Murnau incide particularmente en el tema de la enfermedad, y su creatividad como director pudo haber sido influenciada por esta etimología. Otra teoría sugiere que la palabra significa “respiración”, un derivado del spirare latino. Una posibilidad final es que la forma que Gerard ofrece sea un término rumano bien conocido pero mal transcrito, o posiblemente un mala interpretación de los sonidos de la palabra debido a la familiaridad limitada de Gerard con la lengua. Dos candidatas a servir de origen a nosferatu son necurat (“sucio”, asociado generalmente con lo oculto) y nesuferit (“insufrible”). La forma determinada masculina nominativa de un sustantivo rumano en la declinación a la cual ambas palabras pertenecen se corresponde con la terminación ” - UL ", así que habría que hablar con propiedad del necuratul y el nesuferitul (traducibles como “el diablo” y “el insufrible”, respectivamente).

La sombra que proyecta el vampiro al subir las escaleras es una de las escenas más conocidas de la película. El tribunal ordenó que se destruyeran todas las cintas de Nosferatu, pero un reducido número de copias de la película ya había sido distribuido por todo el mundo y permanecieron escondidas por particulares hasta la muerte de la viuda de Bram Stoker.

Con el paso de los años se hicieron más copias de esas cintas (algunas de muy baja calidad y con cortes importantes). Nosferatu se labró la reputación de ser una de las mejores películas sobre el mito del vampiro y uno de los máximos exponentes del Expresionismo alemán.

Ahora, la obra Nosferatu de Murnau pertenece al dominio público y existe un gran número de copias en vídeo, generalmente de muy baja calidad ya que provienen de copias hechas a partir de otras copias de las primeras cintas distribuidas para la exhibición internacional. Muchas de ellas presentan diferencias notables de metraje, puesto que en cada país se exhibió una versión diferente de la película. Así pues, la copia francesa no es la misma que la alemana, por dar un ejemplo. No obstante, recientemente se han publicado ediciones restauradas de la película en las que se ha recuperado casi todo el metraje completo de la película original.

CRÉDITOS:

Dirección - F. W. Murnau

Producción - Enrico Dieckmann, Albin Grau
Guión - Henrik Galeen
Fotografía - Fritz Arno Wagner
Escenografía - Albin Grau
Vestuario - Albin Grau

Reparto

Max Schreck
Gustav von Wangenheim
Greta Schröder
Alexander Granach
Georg H. Schnell
Ruth Landshoff
John Gottowt
Gustav Botz
Max Nemetz
Wolfgang Heinz
Albert Venohr

Alemania
Año - 1922
Género - Terror
Duración - 94 minutos

VERSIÓN EN INGLÉS

Internet Archive: Nosferatu

DESCARGA DEL VIDEO:

- MPEG1 (881 MB)
- OGG (362 MB)

Public Domain Films - Voyage Dans La Planète Jupiter (1907)

Viaje al planeta Jupiter

Viaje al planeta Júpiter (Voyage dans le planète Jupiter, 1907) sigue la trayectoria iniciada por Méliès, tan rica en este cine primitivo, consistente en la «exploración espacial», inspirándose en grabados de la época o en la fantasía de escritores imaginativos como Julio Verne. Aquel cine encantador ofrecía maravillas por quince céntimos, precio de las localidades de general en las barracas de feria donde se exhibía. El encanto de contemplar vedettes de music-hall encaramadas en los cuernos de la Luna, producía tanta fascinación como ver surcar el cielo a un largo tren con su penacho de humo flameante a todos los vientos; o el hallazgo de vida y placer en lejanos y misteriosos planetas. (Enciclopedia Aragonesa, Segundo de Chomón y Ruiz)

Ficha técnica:

Título original: Voyage dans la planète Jupiter
Director: Segundo de Chomón
Efectos especiales: Segundo de Chomón
Productora: Estudios Pathé Frères
Nacionalidad: Francia
Duración: 8,17 minutos.

Public Domain Films: Dracula (1931)

Esta primera versión sonora no se basaba directamente en la novela de Bram Stoker, sino en la versión teatral de Hamilton Deane y John L. Balderstone, lo que repercute negativamente en el filme, que acusa de forma evidente este origen. La película es excelente en su primera parte, donde el talento de Karl Freund se muestra en todo su esplendor. Las escenas iniciales y las que transcurren en el castillo de Drácula tienen una fuerza feérica y un aliento misterioso preñado de presagios funestos que se pierde en la segunda parte (2/3 del metraje total), excesivamente estática y teatral, no sólo en la planificación y dirección escénica, sino también en la actuación afectada del protagonista.

Este Drácula ha alcanzado el rango de mito, de clásico, lo que ha provocado que hoy, de forma irreflexiva y por parte de aquéllos que no la conocen bien, sea considerada la versión de referencia y el original irreprochable del que todas las demás películas son meras copias sin alcanzar ni mucho menos su excelencia. Es, pues, necesario hacer algunas matizaciones.

La imagen del vampiro que transmite este filme está muy alejada de la concepción de Stoker: su hieratismo, su pelo engominado, su tez empolvada, sus movimientos solemnes carecen por completo de la ambigüedad con la que el novelista irlandés dotó a su criatura. Hollywood, a diferencia del cine europeo, había hecho escasas incursiones en el horror, por lo que la Universal no las tenía todas consigo respecto a la respuesta del público ante un tema tan novedoso.

El hecho de que la obra de teatro hubiera sido un gran éxito parecía una garantía, pero aun así, Carl Laemmle Jr., el productor, exigió expurgar la obra:

Drácula sólo podría vampirizar a mujeres (se eliminaba toda posible referencia homosexual), todo acto vampírico debía ocurrir fuera de la pantalla (nunca vemos al conde morder a sus víctimas, sólo lo intuimos) y, además, la versión original del director se aligeró en diez minutos, lo que hace que el montaje definitivo sea bastante chapucero.

CRÉDITOS:

UNIVERSAL (1931, USA) - 78 minutos

Director : Tod Browning

Intérpretes :

Bela Lugosi
Helen Chandler
David Manners
Dwight Frye
Edward van Sloan
Frances Dade
Herbert Bunston

Guión : Garret Fort

Fotografía : Karl Freund

Maquillaje : Jack Pierce

Música :

Tchaikovsky: Lago de los cisnes
Wagner: Die Meistersinger
Schubert: Sínfonia inacabada

VERSIÓN ORIGINAL

Ver la película en Google Videos

Versión en castellano

Public Domain Films - IT! The Terror From Beyond Space (1958)

An alien creature stows itself aboard an American spacecraft leaving Mars for the Earth and starts killing off crew members one by one.

Director: Edward L. Cahn
Writer: Jerome Bixby (writer)
Release Date: August 1958 (USA)

CAST:
Marshall Thompson ... Col. Edward Carruthers
Shirley Patterson ... Ann Anderson (as Shawn Smith)
Kim Spalding ... Col. Van Heusen
Ann Doran ... Dr. Mary Royce
Dabbs Greer ... Eric Royce

Production Status: Released
Genres: Science Fiction/Fantasy and Suspense/Horror
Running Time: 1 hr. 8 min.
MPAA Rating: Not Rated
Distributors: United Artists Films
Production Co.: Vogue Pictures
Produced in: United States



REVIEW

Though its title might evoke a bit of laughter and thoughts of a schlocky man-in-a-rubber-suit monster movie, It: The Terror From Beyond Space is more than just a standard creature feature. Not allowing his film to be hindered by a shoestring budget and relatively short runtime, director Edward Cahn (along with screenwriter Jerome Bixby) crafts a taut, science fiction thriller with issues and themes that require no special effects in the confines of a story that takes little time to tell. Here is a movie that confronts the ideas of distrust among men and fear of the unknown, all the while evoking feelings of entrapment and claustrophobia.

Col. Edward Carruthers (Marshall Thompson) is the soul survivor after a botched mission to Mars left nine crewmen dead. Years later, a rescue shuttle is sent to Mars to retrieve Carruthers, who claims the deaths of his crewmen were the result of an alien creature that inhabited the ship. However, those on the rescue mission believe that it was Carruthers that killed his crew and dismiss all accounts of encountering a creature from another world. That is until several crewmen disappear and later turn up dead with the blood sucked from their bodies. This forces the crew to overcome their paranoia of Carruthers and work with him to defeat a bigger threat: the creature that has come aboard their ship and is traveling with them on their way to earth, lurking in the shadows of the cavernous shuttle.

Cahn uses a lot of his earlier scenes to subtly construct the themes that the film touches on, one of which is the distrust in fellow man. As presented in the film, the rescue crew has an apparent suspicion of Carruthers from the moment he is brought aboard their vessel, and Cahn hints at this during one of their initial encounters. Carruthers is showing one of the crewmen the skull of a deceased partner and there is a small hole is present in the top of the bone that looks peculiarly like a gunshot wound. A close-up of the small hole in the skull reveals that it could in fact have been done with a pistol, but at the same time, the hole appears too precise to have come from a man-made tool. Cahn moves from this scene without revealing answers because he wants the audience to be constantly thinking about the skull later on when the crew begins to disappear. It is in this scene that Cahn is planting the idea of distrust within not just the characters, but the audience as well.

A similar approach is taken in regards to the crew’s fear of the unknown, a much more prominent and thriving idea in It. Shadows create convincing images up on the bare walls of the space shuttle, and glimpses of the monster’s hand only confirm the idea that there is something to be afraid of within the unknown, but what? In theory, the crew has the killer captured (Carruthers), so who (or what) is causing the sudden deaths onboard? Cahn demonstrates that such a fear can cause men to react unconventionally, charging into the unknown without answers or ideas as to what is waiting for them behind the dark curtain of the shadows. It is an idea that has since been carried over into the modern horror film (the “don’t go in there!” moments) but still carries the same warning as it does here that immense fear among man results in irrational decisions.

Since almost 90% of the action in the film takes place on board the confines of the space shuttle, there is a certain degree of entrapment and claustrophobia present here. Though neither feeling is expressed through the dialogue exchanged between characters, the space shuttle set piece used for primary filming is brimming with it. Each wall of the shuttle is plain and lacking in discernable features from the others, a design that gives lead to the feeling of entrapment, as if the characters are stuck in the same place on the ship the entire time. Another well-designed set piece is the one used for the ship’s cargo hold, the place where the rescue workers first encounter the monster. Crates are stacked high and are strewn about so much that the camera cannot navigate through them. This sense of claustrophobia is ever so apparent toward the end of the film when one of the crew is stuck in the cargo hold with the monster and there is one staircase that can lead him up to freedom.

But one feeling that felt absent from the entire film was doubt. Initially, the rescue crew has trouble believing Carruthers’ case against killing his own team, but this doubt is entirely erased within the first half of the film after the monster has killed one of their own. Granted it would have been impossible for Carruthers to have orchestrated the attack when he was above deck and the attack happen in the cargo hold, but could there not have been at least an accusation? It seems like the crew, for being so hardheaded about not believing Carruthers at first, falls out of that conviction so easily and far too early in the film. Considering the first time the monster attacks the audience sees just the creature’s shadow, why not use this to stir up some doubt among the crew? After all, shadows can be manipulated.

A much more prominent and troubled oversight is the lack of character development. Sure, the themes and emotions that these characters go through and experience are vast and clarified, but what happened to the characters themselves? None of the characters in the film truly stand out: the men are all iron-jawed, tough, and emotionless and the women are just worried and seem generally puzzled most of the time. I’m not demanding that each character be sporadic, just that the characters seem are from different molds. Aside from Carruthers, there wasn’t one character whose name I could recall mere minutes after watching the movie; to wrestle up even a simple sentence describing these characters would be cumbersome.

It: The Terror From Beyond Space has its fair share of shortcomings to be sure, but the biggest obstacle that the movie faces is being pegged as just another midnight monster movie because of its stock characters and ridiculous title. However, the film manages to be quite an entertaining science fiction thriller with some interesting themes and ideas. Upon the release of a far more successful but similar space thriller, Alien, the producers of It claimed that their movie idea was unceremoniously stolen to create the Ridley Scott-directed blockbuster. Be that as it may, both sides should be honored.

(C) By John Dubrawa. Classic Horror.com

LINKS:

- IMDB File.
- Original film version (Classic Cinema Online).

Public Domain Films - The Grass Is Greener (1960)

The Grass Is Greener is a 1960 comedy film directed by Stanley Donen and featuring an ensemble cast consisting of screen veterans Cary Grant, Deborah Kerr, Robert Mitchum, and Jean Simmons. The film was adapted by Hugh Williams and Margaret Vyner from the play of the same name which they had written and found success with in London's West End.

Plot
Members of British aristocracy, Victor and Hilary Rhyall (Cary Grant and Deborah Kerr), are facing financial troubles and are forced to have guided tours of their House. When obnoxious oil tycoon Charles Delacro (Robert Mitchum) and an equally grating ex-girlfriend of Rhyall, Hattie Durant (Jean Simmons), visit, a love triangle (or quadrangle) develops and kicks off a tale of love, jealousy and other strong emotions.

Reception
While the film was a moderate success at the U.K. box office, it fared much worse in the United States. Reviews of the film were mostly lukewarm. Despite its initial failure, the film has since developed a following and has been a staple of American cable television. At the time of its release, Jean Simmons's performance as a madcap heiress earned some praise for the British stage actress, earning her a Laurel Award nomination.

CAST:
Cary Grant as Victor, Earl of Rhyall
Deborah Kerr as Hilary, Countess of Rhyall
Robert Mitchum as Charles Delacro
Jean Simmons as Hattie Durant
Moray Watson as Trevor Sellers, the Butler

Actually, the film has been passed to public domain and completely free to be viewed just right here or via Video Google at a wider screen (not full). In Spain the movie was entitled "Página En Blanco" (translated as 'Whiter Page'), a very strange form to call in a different way original movies titles.

See it in its entire original movie soundtrack version.

The Grass Is Greener (Google Videos)

ANOTHER LINKS:

- IMdB file.
- Film Affinity. (Página En Blanco, Spanish title)

Public Domain Films - The Day The Earth Stood Still (1951)

Conocida como "Ultimátum A La Tierra" en su versión en castellano, fue dirigida por Robert Wise en 1951 y protagonizada por Michael Rennie, Patricia Neal, Hugh Marlowe y Sam Jaffe, actores casi desconocidos para la mayoría. Se trata de un conocido film de ciencia ficción, de 92 minutos de duración al que esta semana dedico nuevamente en mi interés por difundir el cine clásico de ficción.

En el contexto de la Guerra Fría, Hollywood se impuso la tarea de alertar al ciudadano medio de los peligros del comunismo, lo que cinematográficamente se tradujo en la producción de docenas de thrillers y melodramas poblados de espías soviéticos o de traidores norteamericanos, y de un no menos cuantioso número de películas en las que la amenaza roja llegaba a la tierra transmutada en marciano, selenita o cualquier otro habitante del sistema solar dotado de la suficiente capacidad tecnológica y militar con las que acabar con el modo de vida norteamericano. En medio de esta tendencia ideológica surgió Ultimátum a la Tierra, producción con la que Robert Wise contaría la tendencia de la época para emitir un discurso pacifista al que beneficia una narración impecable.

La película consiguió unas pocas distinciones: en 1952, le fue concedido el Globo de oro honorífico a la mejor película que promoviera el entendimiento internacional, algo mínimo pero que honra a los académicos, y en 1995, fue incluida en el catálogo de películas del Registro Nacional de Estados Unidos, creado para la preservación de este arte.

Podéis verlo en castellano en los siguientes videos (está dividido en dos partes):

Megavideo (Part 1)
Megavideo (Part 2)

Por otra parte, se está preparando un remake de esta obra maestra y he podido conseguir un trailer. Intervendrá en él los actores Keanu Reeves, Jennifer Connelly y John Cleese (ex-Monty Python), entre otros:



LINKS:

- VER PELÍCULA (V.O.) (Recomendable abrir otra pestaña u ventana)
- Ficha técnica.

Public Domain Films - House On Haunted Hill (1959)

Antes del olvidable remake de 1999 realizado por el director William Malone y con los actores Geoffrey Rush, Famke Janssen, Taye Diggs, Peter Gallagher y Chris Kattan, como protagonistas más destacados, cuarenta años atrás fue otro William, apellidado Castle, el encargado de realizar esta película de terror, ahora considerada de culto, con Vincent Price, Carolyn Craig y Richard Long entre sus actores principales.

Una de las películas más populares de William Castle. Y uno de los papeles míticos del siempre genial Vincent Price, capaz de crear un personaje tétrico sin que deje de despertar cierta simpatía en el espectador. Pese a que la película tenga un guión bastante sencillo, no deja de ser un muy entretenido largo, con unos cuantos sustos y momentos de suspense sabiamente repartidos. Por supuesto, en los pases que se hicieron del film en los años 50 no faltó alguno de los populares "gimmicks" de William Castle. En esta ocasión se trataba de Emergo, un esqueleto que, brillando en la oscuridad de la sala, se paseaba sobre la cabeza de los espectadores en uno de los momentos claves de la cinta, colgado de una cuerda.

Esta película hay que verla mejor en su versión original, en el link que os ofrezco a continuación.

SINOPSIS:
Frederick Loren, un excéntrico millonario invita a cinco personas a su mansión. En ella se dice que se han cometido varios crímenes en el pasado. Loren ofrece a sus invitados (los cuales no se conocen entre ellos ni a su anfitrión y tienen necesidad urgente de dinero) nada menos que 10.000 dólares si permanecen en la casa desde las 12 de la noche hasta la mañana siguiente, cuando vuelvan los criados. Mientras, estarán encerrados e incomunicados. Así pues, los cinco extraños, el magnate y su esposa permanecen en la casa, en la que comienzan a ocurrir sucesos extraños.

LINKS:
- Ver película
- Ficha técnica (IMBD)