sábado, 31 de octubre de 2009

Hello again!

¡Buenas de nuevo! Espero que el cambio desde Blogger a Wordpress sea para mejor. A partir de ahora, es como empezar de nuevo, ya que buena parte del atractivo de la anterior versión de mi blog no se podrá emplear en éste, dado las limitaciones a la hora de importar parte del código empleado, sobre todo los widgets que se podían pegar en Blogger, mientras que con Wordpress esto no es posible, salvo casos puntuales.

Me pasaré durante los siguientes días en reorganizar todo, quitar ese código que no es posible visualizar en esta nueva versión y editar/modificar de alguna manera los posts que sean necesarios.

Como ya advirtiera en la versión anterior de "La Esfera Musical", espero que actualicéis el link del blog cambiándolo por el actual.

Re-bienvenidos y nos seguimos leyendo.

viernes, 30 de octubre de 2009

Bryan Adams - The Best Of Me (1999)

If Bryan Adams's no-frills, blue-collar image evokes a Canadian take on Springsteen, his voice--and especially his pop sensibility--recalls Rod Stewart during his post-Faces Top 40 years. There's a deceptively effortless sincerity that masks the sometimes mundane themes of the infectious hits (the cheap nostalgia of "Summer of '69" and the various romantic concerns of "Run to You," "The Best of Me," and "Please Forgive Me") gathered on this updated hits collection. (Just five of the tracks appear on his previous So Far, So Good anthology.)

It's hardly surprising to learn that Adams began his career as a tunesmith covered by everyone from BTO and Loverboy to Kiss and Bonnie Tyler. That eclecticism bubbles up throughout this modern compilation, from the flamenco flavors of Don Juan De Marco's "Have You Ever Really Loved a Woman" to the MTV Unplugged classical-strings-backed rendition of "I'm Ready" and the surprisingly effective electronica of "Cloud Number Nine." This collection chronicles Adams's rise from '80s AOR (album-oriented-rock) contender to '90s MOR (middle-of-the-road) superstar, thanks to his Grammy- and Oscar-winning hit "(Everything I Do) I Do It for You" from Robin Hood and harmonizing with Sting and Stewart on Three Musketeers' "All for Love." --Jerry McCulley

Tracklist:

1. The Best Of Me - 3:33
2. Can't Stop This Thing We Started - 4:28
3. I'm Ready - 4:25
4. Summer Of '69 - 3:33
5. Let's Make A Night To Remember - 6:18
6. All For Love - 4:40
7. Have You Ever Really Loved A Woman? - 4:49
8. Run To You - 3:52
9. Cloud Number Nine - 4:10
10. (Everything I Do) I Do It For You - 6:34
11. Back To You - 4:26
12. When You're Gone - 3:25
13. Please Forgive Me - 5:53
14. The Only Thing That Looks Good On Me Is You - 3:39
15. Inside Out - 4:43



LINKS:

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Caravan - In The Land Of Grey And Pink (1971)

I've been neglecting this album too much. "In the Land of Grey and Pink" is for sure a well-bulked album with tonus and potential. A little bit of everything is hided here. 'Golf Girl' is light-hearted and funny. Music for 60's romantic french comedies (De Funès or Bardot maybe?). It's actually inspired by a real story. 'Winter Wine' takes you lyrically to the knights and dragons, while the music share ressemblance to the Moody Blues in their late 70's work. 'Love to love you' is definitely one of my favorite song of all-time. It's fresh, happy, reckless and I wonder why the Austin Power's movies didn't pick this one yet. The feel is perfect for those 'groovy' movies! I can easily see Mike Myers dancing in the streets of London signing this baby...

Anyway, my favorite of the album is for sure the title song. This song is a deep breath of fantasy and carefree attitude. And IT FEELS GOOD.

If you imagine what the song says, you're in mental vacation immediately. It's a fantasy land that Caravan is drawing perfectly with the eyes of a child. At last, the musicianship of Caravan reaches superior levels with the UNCANNY 22 minutes of 'Nine Feet Underground'. An epic moment held by the organ of David Sinclair. The song takes it's time to move around a relatively obscure theme. This song is why a Howe-Zappa-Chong-looking dude recommended me the album. 'Hey man, listen to the last track man, it's a chef d'oeuvre'. He was right. Despite the fact that I didn't listen enough to fully catch the scent of the song, I get the feeling that I will like it as more as I listen to. I don't like the Canterbury scene but I do feel a lot of sympathy for Caravan now. A huge embrace to my Caravan mates because you made my day.

© ProgArchives

Musicians:

- Richard Sinclair / bass guitar, acoustic guitar, vocals
- Pye Hastings / electric. guitars, acoustic guitar, vocals
- David Sinclair / organ, piano, mellotron, harmony vocals
- Richard Coughlan / drums, percussion
- Jimmy Hastings / flute, tenor saxophone, piccolo
- David Grinsted / cannon, bell, wind

Tracks Listing:

1. Golf girl (5:05)
2. Winter wine (7:46)
3. Love to love you (and tonight pigs will fly) (3:06)
4. In the land of grey and pink (4:51)
5. Nine feet underground: (22:40)
- Nigel blows a tune
- Love's a friend
- Make it 76
- Dance of the seven paper hankies
- Hold grandad by the nose
- Honest I did!
- Disassociation
- 100% proof

Total Time: 43:28

Bonus tracks on remaster (2001):
6. I Don't Know Its Name (6:12)
7. Aristocracy (3:42)
8. It's Likely To Have A Name Next Week (7:48)
9. Group Girl (5:04)
10. Disassociation / 100% Proof (8:35)



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Tindersticks - Waiting For The Moon (2003)

"My hands 'round your throat/ If I kill you now, well, they'll never know." Dickon Hinchliffe may be talking to a character he created, but he may as well be addressing you directly: that's the effect Tindersticks have. Even their gentlest moments can grab and startle you, and their fiercest always overwhelm. These six sad Englishmen have always been beyond classification; you've never heard anything like them, and the things you could compare them with-- Scott Walker, Serge Gainsbourg, spy film scores, Leonard Cohen, an apocalyptic bar band-- don't make for an easy description.

Their last two albums settled back a bit from their sharply confrontational, uniquely miserable trio of early works, albums whose sheer brilliance and distinctiveness the band are unlikely ever to match again. A readily identifiable R&B influence unexpectedly came to the fore in recent years, and though it suited them nicely, I was admittedly a bit worried about Waiting for the Moon, which could have very easily seen them losing the plot and slipping into formula. Instead, it resynthesizes everything they've done before, and emerges as a cohesive work mirroring the straightforward format of Simple Pleasure and Can Our Love..., all the while pushing the music in bolder directions than either of those albums.

The fact that Dickon Hinchliffe (the band's violinist and orchestrator) sings the first song comes as a bit of a surprise, though not an unpleasant one. He sounds kind of like Witness' Gerard Starkie, and his tenor is a good foil to the more familiar, foggy baritone croon of Stuart Staples. Opener "Until the Morning Comes" is a subtle lullaby, riding David Boulter's tinkling keyboards and a sweeping string arrangement and never rising much above a whisper despite the violence that crops up in the lyrics.

Staples takes the lead back on "Say Goodbye to the City", which is a tense, brooding grind of violin, syncopated drums, droning bass and minimalist guitar that explodes into gales of dissonant strings and frantic trumpet-- it's their most harrowing song since 1997, and it feels great to hear them back in this territory. Staples turns to a deadpan spoken narrative on "4.48 Psychosis", as the band builds a steadily boiling drone around him, letting drummer Alasdair MacCauley splatter jazz over his rock beat while Hinchliffe's violin coats everything.

Tindersticks are still pretty heavily set in their soul phase elsewhere, as on "Trying to Find a Home" and Hinchliffe's gorgeous "Sweet Memory"; the way the songs sit on the album, you can just feel the group constructing them, letting the pieces fall together naturally. The title track is a pensive music box of strings that gives Staples a perfect bed to shine on-- his vocals are probably one thing most likely to drive someone away from Tindersticks, but once you've acquired a taste for it, his deeply soulful gutter croon becomes a salve for all the worst emotions.

"Waiting for the Moon" is just what I needed from Tindersticks: an album that doesn't abandon their recent direction, but breathes new life into it by drawing breath from their noisier past. They may operate below the radar of hype and trends-- especially in recent years-- but for whatever public ignorace, Tindersticks are one of the best bands going today. I'm more than happy to have their hands 'round my throat.

— Joe Tangari, July 9, 2003 (© Pitchfork)

Track List:

01. Until The Morning Comes (3:34)
02. Say Goodbye To The City (4:29)
03. Sweet Memory (4:29)
04. 4.48 Psychosis (5:12)
05. Waiting For The Moon (2:51)
06. Trying To Find A Home (5:43)
07. Sometimes It Hurts (4:38)
08. My Oblivion (7:00)
09. Just A Dog (3:27)
10. Running Wild (4:14)



LINKS:

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- Price Minister
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jueves, 29 de octubre de 2009

Porcupine Tree - In Absentia (2002)

One of the best rock bands in modern music, calling what Porcupine Tree does nowadays prog-rock might be stretching it a little. Steve Wilson has morphed from an experimental Pink Floyd disciple to a fantastic singer/songwriter, sounding more like Radiohead (or even later Pink Floyd) than anything else. After really hitting their stride with 2000's gorgeous, melancholy Lightbulb Sun, PT somehow managed to get even better on In Absentia. The main weakness on LS was some truly cringe-worthy lyrics. The music was more than enough to overcome them, and they weren't always that bad, but if you can honestly read the lyrics to "Hatesong" the whole way through without cracking up, I admire you. Wilson has really gotten better in that regard, delivering sharp commentary on the state of modern music on "The Sound of Muzak", surrealistic poetry on "Gravity Eyelids", and beautiful (if slightly cheesy) romaticism on the gorgeous Radiohead-esque closer "Collapse The Light Into Earth".

Yet there's more to In Absentia than words. It leans more towards metal than any previous PT release, tracks like "Blackest Eyes", "Wedding Nails", and the dark, Tool-esque "Strip The Soul" all contain some distinctly heavy guitar work, helping to give things that extra punch. Yet "Lips of Ashes", "Prodigal" and "Heartattack in a Lay By" show that the band can still make great melodic tracks with the wonderful harmonies that made Lightbulb Sun so appealing. There's not one track I'd skip on here (although some are distinctly stronger than others), even if some are better than others. The standouts for me are "Gravity Eyelids" (this album's "Russia On Ice"), "Trains" (a great acoustic/electric rocker with a wonderful melody), and "Collapse the Light Into Earth", which has to rank among one of the most gorgeous piano ballads ever, closing the album out perfectly.

In Absentia is a great starting place for anyone interested in the band, and since it's not hard to find in stores (the same cannot be said for their previous albums, unfortunately), you really have no excuse to not get it. Whether you're into straightforward pop-rock, heavy metal, prog-rock, psychedelia, or whatever else you may be seeking in your music, odds are there's some of it on In Absentia. I greatly anticipate the next Porcupine Tree album, because this is a band capable of phenomenal things.

(C) ProgArchives.

Releases information:
Lava/Atlantic Records #83604-2 (CD)
Special European version WEA Intrnational Inc. 7567 93163 with enhanced CD.

Tracks Listing:

1. Blackest Eyes (4:23)
2. Trains (5:56)
3. Lips of Ashes (4:39)
4. The Sound of Muzak (4:59)
5. Gravity Eyelids (7:56)
6. Wedding Nails (6:33)
7. Prodigal (5:32)
8. .3 (5:25)
9. The Creator Has a Mastertape (5:21)
10. Heartattack in a Layby (4:15)
11. Strip the Soul (7:21)
12. Collapse the Light Into Earth (5:52)

Musicians:

- Steven Wilson / guitars and vocals
- Richard Barbieri / keyboards
- Colin Edwin / bass
- Gavin Harrison / drums

guest musicians:
- John Wesley / backing vocals (1,4,7), guitar (1)
- Aviv Geffen / backing vocals (4,7)
- Dave Gregory / string arrangements (8,12)

Enhanced CD bonus tracks:

1. Drown With Me
2. Chloroform
3. Strip The Soul (Video edit)



LINKS:

- Porcupine Tree website
- Amazon USA
- Amazon UK
- Last FM
- Yes-FM
- CD Universe

Larry Carlton - Larry Carlton (1978)

Lawrence Eugene Carlton (born 2 March 1948), well known as Larry Carlton, is an American jazz fusion, pop, and rock guitarist and a singer, from Torrance, California. He has divided his recording time between solo recordings and session appearances with various well-known bands. Over his career, Carlton has won three Grammy Awards for his performances and compositions, including the theme music for the hit television series, Hill Street Blues (1981).

Carlton started learning to play guitar when he was six years old, studying under Slim Edwards near his home. Taking an interest in jazz while at high school, his playing style was most influenced by guitarists Joe Pass, Wes Montgomery, Barney Kessel and B. B. King. Saxophonist John Coltrane has also made a notable impression on Carlton, and Carlton's live albums have featured cuts from Miles Davis's hallmark Kind of Blue.

During the 1970s and early 1980s, Carlton was a busy session musician in Los Angeles, making up to five hundred recordings a year, including albums by Steely Dan, Joni Mitchell, Billy Joel, Michael Jackson, Quincy Jones, The Four Tops, the Partridge Family, and Charly García's Clics Modernos. His loopy, dazzling guitar work on Steely Dan's "Kid Charlemagne" from their 1976 LP The Royal Scam has been listed as the third best guitar solo on record by Rolling Stone Magazine. From 1971 to 1976 he played with the jazz-rock group The Crusaders. In 1977 he signed with Warner Bros. Records for a solo career. Although still relatively unknown outside his fan-base, Carlton produced six albums from 1978 to 1984, during which his adaptation of Santo Farina's "Sleepwalk" climbed the pop and adult contemporary charts and his 1983 LP Friends garnered a Grammy nomination.

His solo career took a twist in 1985 when he signed with MCA Master Series for an acoustic jazz album. The result was Alone/But Never Alone, which featured sparse but emotive arrangements, including a rendition of The Lord's Prayer. From 1985 to 1990 Carlton did various solo projects, the 1986 live Last Nite being one of his best recordings and winning another Grammy for his cover of the McDonald/Abrams song "Minute by Minute" from the successful LP Discovery.

In 1988, while working on his electric guitar LP On Solid Ground, which was released in 1989, Carlton was the victim of a random act of violence, shot in the throat outside Room 335, his private studio in Southern California. The bullet shattered his vocal cord and caused significant nerve trauma. Carlton managed to recover quickly and completed On Solid Ground by the end of the year. He continued his work with the electric guitar in 1991 when he started to record a blues album, but decided to delay the project to meet demand for a more commercially-oriented jazz offering, which resulted in Kid Gloves. The rawer, southern-blues infused Renegade Gentleman was finally released in 1993, featuring Nashville harmonica legend Terry McMillan on several tracks.

From 1994 to 1997 Carlton participated in various tours (notably with Toto guitar supremo Steve Lukather) and released an album with similar Los Angeles-based guitarist Lee Ritenour, which featured Remembering J. P., a tribute to the recently deceased Joe Pass. Shortly thereafter, in 1997, he took Ritenour's place in the successful smooth jazz quartet, Fourplay, even adopting a softer, Wes Montgomery-flavored style similar to Ritenour's work.

In 2000, Carlton furthered his solo career with the polished Fingerprints, which at its strongest points demonstrated his continued growth as a composer and also downplayed his blues-roots in favor of jazz-chordal playing and octaves. His career received another considerable boost the following year when his live performance with Toto lead guitarist Steve Lukather, No Substitutions: Live At Osaka, garnered his third Grammy.

Carlton's most recent work includes the guest-appearance laden Deep Into It, the aggressive jazz-blues cut Sapphire Blue, and Firewire, his hardest album yet.

At the beginning of 2007 Carlton released two CDs. A live recording together with blues guitarist Robben Ford, Live in Tokyo, and The Jazz King album. The Jazz King record is the result of a composition Carlton wrote for H. M. King Bhumibol Adulyadej of Thailand. The Jazz King project was initiated to celebrate the 60th anniversary of King Bhumibol's accession to the throne as well as his 80th birthday in 2007. Carlton was commissioned to write this composition by the Royal Project Foundation and Rotary Club of Bangkok. These compositions were released on CD only in Thailand, the net proceeds of the CD will be used to support the indigenous hill-tribe children of Thailand. Carlton's compositions for this Jazz King project resulted in a concert. This special performance featured, besides Carlton, other notable jazz musicians. The concert was held on January 28, 2007 at BEC-Tero Hall, Suan Lum Night Bazaar, Bangkok.

In July, August and September of 2009, Carlton joined Steely Dan as guest guitarist for six selected dates in New York, Los Angeles and Chicago for the band's "Rent Party '09" tour.

(C) Wikipedia

About this album:

Carlton's debut was 1968's With a Little Help From My Friends, a respectable if not boring effort of him playing popular songs of the time. As the guitarist for the Crusaders, he helped to personify their commercial and fulfilling West Coast sound from 1971-1976. During the end of his tenure, it seemed like the group was limiting what he could do on his own. In many respects, Larry Carlton renews the artist. Unlike many efforts of the time, Carlton enlists a small, accomplished band with bassist Abe Laboriel, drummer Jeff Porcaro, and Greg Mathieson on keyboards.

"Room 335", an ode to the studio in L.A. where this was recorded, all but sets the stage for the style of his early solo work. "Nite Crawler", a track Carlton originally did with the Crusaders for Free As the Wind, shows up here. In this version, Carlton's lines replace Wilton Felder's sax lead and this is better than original. The album's best track, the exhilarating "Rio Samba," is a more muscular take on the work Lee Ritenour did at the time as Carlton hits amazing notes, aided by Mathieson's keyboard work. The last track "(It Was) Only Yesterday" has Carlton's inimitable style of doing a disconsolate song with the emotion of his guitar providing a catharsis.

Larry Carlton is a self-production and was a great way for Carlton to again do solo work. ~ Jason Elias, All Music Guide

Year: 1978
Produced By Larry Carlton
Original Label: Warner Bros. Records
Cat Number: BSK 3221 (LP Warner Bros) / MCAD-42245 (CD Warner Bros / MCA, 1988) / (CD; GRP Label 1990) / WPCR-758 (CD Japan) / (CD Rhino / Warner Bros, 2008)
Genre: jazz-rock fusion

Track Lists:

1. Room 335
2. Where Did You Come From
3. Nite Crawler
4. Point It Up
5. Rio Samba
6. I Apologize
7. Don't Give It Up
8. (It Was) Only Yesterday



LINKS:

- Larry Carlton website
- Amazon USA
- Rhapsody Music
- Rhapsody MP3 Store
- 7-Digital España
- 7-Digital UK
- 7-Digital USA
- Yes-FM
- CD Universe
- MP3 Shake
- DiscoGS

Transatlantic - Live In America (2001)

If you have been looking for the ultimate progressive rock super group you need not look any further. Transatlantic is made up of members from four of the premier prog-rock bands active today. Represented are the Flower Kings - Roine Stolt (guitar, vocals), Dream Theater - Mike Portnoy (drums), Marillion - Pete Trewavas (bass), and Spock's Beard - Neal Morse (keyboards, vocals). This is an impressive group of musicians to be sure. And the music is more than you could possibly expect from any group, super group or otherwise. Previous to this live recording release the group had never actually played together because of their tremendous workload recording with their main groups, touring, and spread out locations (hence their name being a perfect fit).

Due to these circumstances each member recorded their respective parts for each album at different locations worldwide. This situation really just has me awestruck, how could these guys just come together for the first time, go out on stage and pull this off? And they do it with such ease, just as if they have been together forever, Now that my music loving friends is the true meaning of talent and a real genuine love for one's craft.

You can tell that they are all enjoying themselves so much on these tracks. Just wait until you hear the "Magical Mystery Tour" and "Strawberry Fields Forever," it's a slice of heaven and nostalgia, and a nod to the great Beatles and their acknowledged influence upon anyone that started a group after they hit these shores back 1965. The nineteen minute medley on disc two is a superior showcase of prog-rock at its very best and most transitional. They cover five songs in the medley and leave nothing to chance, or to your imagination. There are so many reasons I love this kind of music. You are never bored, its always changing, and when you least expect it, and you never have time for your mind to wander off into useless mental masturbation, this is thought provoking intense music with meaning and thought put into every note.

Welcome to the Transatlantic musical experience, welcome to progressive rock.

(C) ProgArchives.

DISC ONE:

1. All Of The Above (30:47)
2. Mystery Train - Magical Mystery Tour - Strawberry Fields Forever (15:32)
3. We All Need Some Light (6:51)

DISC TWO:

1. Watcher Of The Skies - Firth Of Fifth (10:47)
2. My New World (16:51)
3. Medley: There Is More To This World - Go The Way You Go - The Great Escape - Finally Free - She's So Heavy (19:10)



LINKS:

- Transatlantic official site
- Amazon USA
- CD Universe
- Price Minister
- Play.com UK

miércoles, 28 de octubre de 2009

¿Todos Los Santos o Halloween?


Como cada año, y ya van no sé cuántos, estamos notando nuevamente la presencia en televisión, pero también en algunos locales de nuestras ciudades, la invasión de la fiesta pagana por excelencia, Halloween. No contentos con manifestarse en los días previos a su "celebración" en aquellos sitios que no les importe caerse de un guindo, con tal de ganar unos cuantos cuartos (además de que estamos en crisis), nos restriegan literalmente por la cara las típicas figuras de las calabazas que ni mucho menos se parecen por su careto a la siempre recordada Ruperta del concurso televisivo "Un, Dos, Tres... responda otra vez" (cuánto lo echo de menos), sin olvidarnos de los inevitables demonios de nuestro subconsciente convertidos en monstruos de todo tipo: muertos recalcitrantes amigos del difunto Michael Jackson, calaberas de lo más guayaberas, brujas más feas y ordinarias que la Lola, murciélagos desterrados de la cueva de Batman, espíritus que aullan a la luna su desesperación de no haber cruzado el túnel y así hasta completar todo un conjunto de lo más "gore", simbólicamente hablando.

El año pasado por estas mismas fechas me explayé a gusto poniendo mucho énfasis en algo tan nuestro como las fiestas nacionales relacionadas con la festividad eclesiástica de Todos Los Santos del próximo domingo 1 de Noviembre.

¿Qué queréis que os diga? ¿Os tengo que recordar que sin el Halloween no somos nadie, unos míseros arroyos sin fuente, como decía Battiato en su "Fisiognómica"? Si queréis sentiros bien, no es necesario dirigiros al Señor si no sois creyentes, pero estaría de más pasar olímpicamente de lo pagano por su carácter eminentemente comercial. No hace falta pasar por caja para divertirse a costa de recordar a los muertos, pero tampoco es cuestión de plantearse desde un punto de vista metafísico o teocrático cuál es nuestra posición ante este dilema de a qué agarrarnos.

Unos prefieren las fiestas de siempre, y así lo veo yo desde la barrera y lo prefiero mayormente; y otros, pues sin pensárselo dos veces se apuntan a todo lo que suene a fiesta. Y el Halloween no es una excepción. A unos les unirá la fe y la creencia en lo divino y a otros lo puramente pagano y mundano.

Me parece de lo más normal, pero no tengo por qué sujetarme a uno o a otro bando. Ni la televisión ni nadie me tiene que convencer de nada; ni Su Santidad el Papa ni mucho menos una calabaza con mirada aviesa. Claro que hay veces que el propio Benedicto XVI me recuerda a cierto personaje de una película de terror...

Yo, por muchos motivos, no me vuelco ni en un sentido ni en otro; prefiero estar completamente al margen porque ante la vida es mejor vivir de una manera totalmente pragmática y conforme a la realidad, nunca por sentimientos absolutamente fingidos desde meras suposiciones sin fundamento.

Y es más... cada uno celebra lo que quiere y le apetece y cuando quiere si tiene motivos suficientes para ello, pero no porque lo que diga cualquier televisión.

Bill Whelan - Riverdance (Music From The Show) (1995)

Todo comenzó cuando Irlanda tenía que organizar la edición del Festival de la Canción de Eurovisión en el año 1994, tras haber quedado como pais ganador en la edición anterior, igualmente celebrado en el mismo pais, gracias a la cantante irlandesa Niamh Kavanagh con el tema "In Your Eyes" y la que propició que todo quede nuevamente en casa, pero mejorando la ubicación del evento, pasando de un hipódromo a un gran teatro, el Point Theatre de Dublín, con un escenario particularmente inspirado en una típica ciudad irlandesa. Por si fuera poco, volvería a ganar Irlanda con Paul Harrington & Charlie McGettigan y su canción "Rock'n'Roll Kids".

Para el intermedio del festival, se encargó al músico Bill Whelan la composición de una pieza de música tradicional del pais sobre la que poder ofrecer a la gran audiencia europea una muestra del baile típico zapateado irlandés. "Riverdance" era el nombre escogido para aquella pieza bailable, y a la postre iba a suponer la fabulosa idea para el montaje de un disco y seguidamente un espectáculo enormemente seguido y admirado en muchos paises de todo el mundo.

La grabación del álbum con buena parte de la música del show se realizó en el transcurso desde 1993 a 1995. A partir de ahí, se trabajó intensamente en llevar a los escenarios la misma magia de la música de Bill Whelan, en conjunción con los bailarines y cantantes que operan dentro del espectáculo. El resultado es, en dos palabras... COJONUDAMENTE INCREIBLE. Los que hayan podido acudir al espectáculo en su día, tanto en Nueva York, Génova, Londres, y demás ciudades donde se realizó, seguro que habrán quedado extasiados por la gran calidad y lujo de los intervinientes en el mismo. Michael Flatley fue el principal bailarín que representó buena parte de los espectáculos montados durante largas temporadas, y con la experiencia vivida en él se decidió a montar su propio espectáculo de baile tradicional irlandés, el magnífico e impecable show "Lord of the dance". Una experiencia irrepetible e inolvidable que muchos desearían volver a revivir.

En la presentación realizada en el Radio City Music Hall de Broadway, Nueva York, en el año 1996, se contó con la presencia del gran bailarín Colin Dunne junto con Jean Butler como bailarina principal. La audiencia quedó embelesada y subrogada al poderío artístico desplegado sobre el escenario. Dicha actuación ha quedado posteriormente grabado en un lujoso video tanto en VHS como en DVD, bajo el título "Riverdance - Live From New York City". Uno de los números más aplaudidos fue el llamado "Trading Taps", una especie de duelo interpretativo entre un trío de bailarines irlandeses frente a un par de claquetistas americanos con un toque entre sutil e inverosímil dado la gran capacidad de ambos para el espectáculo de baile; a este duelo se unían dos músicos, uno representando la música urbana de Nueva York (un saxofonista de jazz) frente a la música tradicional irlandesa (una violinista de prestigio como Márie Breatnach).







Otro DVD con otro montaje escénico del mismo show se produjo a partir de la actuación llevada a cabo en la ciudad suiza de Génova en el año 2002, ante una expectante y cálida audiencia, y en la cual los principales bailarines eran Breandán De Gallaí y Joanne Doyle, más The Riverdance Irish, Dance Troupe, The Riverdance Orchestra y The Riverdance Singers, y Yolanda González Sobrado, en lugar de María Pagés (ésta hizo su papel en Broadway con mucho arte y poderío).

En cuanto a la creación del álbum, editado para el sello Celtic Heartbeat, se han hecho dos ediciones ligeramente distintas del disco en su edición CD; una, por el sello Atlantic en 1995 y nº de catálogo (82816-2) y la otra por la Universal (UND-53076).

La principal diferencia entre ambas está, por un lado, en el color de fondo de los títulos de la portada, y por el otro en la última pista de cada CD, una especie de "reprise" del tema principal; mientras que en la edición realizada por Atlantic cuenta con una versión bailable de Riverdance (se escuchan los zapateados de los principales bailarines tal como se vería en el show), la grabada por Universal es sin embargo un remix del mismo tema con inclusión de cortes pregrabados y programados en el estudio, como si fuese hecho para ser incluido o radiado en las emisoras musicales.

Más tarde, aparecería otra edición en 2001 con un contenido parecido pero distinto en cuanto a presentación y al repertorio, ya que se trata de una grabación de los temas incluidos en el show realizado en Broadway, Nueva York.

En 1997, Bill Whelan ganaría un premio Grammy por el disco, que además, desde su lanzamiento, llegó a mantenerse en el primer puesto del ránking de ventas durante algo más de seis meses en Estados Unidos, en Irlanda y Australia, consiguiendo la certificación del doble disco de platino en estos dos últimos paises, dos discos de oro en el Reino Unido, otro en Noruega, Estados Unidos y Canadá, más otro de platino también en USA.

Bill Whelan fue nombrado el Mejor Artista de la World Music por la revista Billboard en 1996 y 1997, y el álbum Riverdance como el Mejor Disco de World Music en 1997 por segundo año consecutivo. En él se integran 15 composiciones propias de Whelan en las que ha capturado la extraordinaria belleza de la música tradicional y celta con nuevas melodías que evocan sonidos desde lugares como Rusia, España, el Este de Europa y la música americana.













Tracklist:

1. Reel Around The Sun
2. The Heart's Cry
3. The Countess Cathleen/Women Of The Sidhe
4. Caoineadh Cu Chulainn (Lament)
5. Shivna
6. Firedance
7. Slip Into Spring
8. Riverdance
9. American Wake (The Nova Scotia Set)
10. Lift The Wings
11. Macedonian Morning
12. The Marta's Dance / The Russian Dervish
13. Andalucia
14. Home And The Heartland
15. The Harvest
16. Riverdance Remix (Universal) // Riverdance (Dance Reprise) (Atlantic)

(1995, Universal edition)

(2001, Broadway Cast)

LINKS:

- Riverdance - The Show home page
- Bill Whelan home page
- Amazon USA
- Last-FM
- Price Minister
- Yes-FM
- 7-Digital España (Edición Broadway Cast, 2005)
- 7-Digital UK (2005 B'way Cast Reissue)
- Rhapsody
- Solsticio De Invierno - review

Latte E Miele - Papillon (1973)

Latte e Miele's second album was also a concept album, at least for the first half. This time they eschew weighty religious matter and opt for a more rustic Pinocchio theme. The story can characterised as (little wooden) boy meets girl, boy loses girl, boy is sentenced to death for disappearance of girl. Both English language and Italian language versions of the first half of this album exist. Listening to the two side by side are instructive of the pros and cons of foreign groups singing English lyrics. The story itself is as entertaining as most Genesis narratives, but the accents are pretty awful at times, and the vocalists struggle so much with the word that things like tone suffer. I go for the Italian version, but it's worth hearing the English version at least once if opportunity arises.

Musically, the Papillon story is divided into an overture and seven acts. Each act begins with a variation of the same air, with occasional variations in instrumentation, key and tempo, during which the narrator sings. This is usually followed by a piece of instrumental music appropriate to the story. The third act however is a love song, quite pretty in Italian but nauseating in English. The main air is fortunately strong enough to sustain its repetition, and most of the instrumental music is of a very high quality. The story of Papillon is very enjoyable both for its component parts and the overall effect.

The remainder of the album nails its colours to the wall straight away with "Divertimento" and its keyboard-centred combination of jazz and classical music. What follows includes excerpts from Beethoven's "Pathetique" Sonata and Vivaldi's "Four Seasons", jazz developments of themes and Keith Emerson-style analogue synths. The only real exception to this is the thid part of "Patetica" with it's arpeggio guitar and laid back tempo augmented by a lush keyboard orchestration.

Despite the strong ELP influences, Papillon is another very good album. Although I personally prefer Passio Secundum Mattheum, it's the second album that is generally accepted as the better of the two. Either way, it's a close-run thing, and both are certainly worth purchasing. (C) Ground And Sky

Label: Polydor
Release year: 1973
Cat. n.:
- LP: 2448 015 A (1973);
- CD: Polydor/Mellow (517 537-2) (1995, never released); BTF/Vinyl Magic (VM085) (2003, w/ mini gatefold cover)
Genre: Italian rock / Progressive rock

Tracklisting:

1. Papillon - tempo total (19:50):
a) Overture - 1:09
b) Primo Quadro (La Fuga) - 2:04
c) Secondo Quadro (Il Mercado) - 3:23
d) Terzo Quadro (L'Incontro) - 3:58
e) Quarto Quadro (L'Arresto) - 2:51
f) Quinto Quadro (Il Verdetto) - 1:32
g) Sesto Quadro (La Trasformazione) - 3:45
h) Settimo Quadro (Corri Nel Monde) - 0:48

2. Divertimento (2:02)

3. Patetica - tempo total (16:42)
a) Parte Prima - 4:30
b) Parte Seconda - 6:21
c) Parte Terza - 5:51

4. Strutture (3:52)

5. Tanto Amore (bonus) (3:50)

Total Time: 46:16

Line-Up:
- Oliviero Lacagnina / keyboards- Alfio Vitanza / drums
- Marcello Giancarlo Dellacasa / guitar & vocals
- Alfio Vitanza / drums



LINKS:

- Amazon USA
- 7-Digital España
- 3-MP3

martes, 27 de octubre de 2009

"U.F.O.", continuando con Gerry Anderson

Se trata de una mítica serie de televisión de producción inglesa (ITC Entertainment) creada en el año 1969 por Silvia y Gerry Anderson, autores del ya comentado "Espacio: 1999" así como de otras grandes series de aquella época, y en cuya sinopsis nos habla de una organización secreta que defiende el planeta Tierra de las incursiones de una raza alienigena. Se compone de una sola temporada formada por 26 episodios, empezando a emitirse en el Reino Unido a partir del otoño del 1970 y en Estados Unidos en 1972.

Las invasiones extraterrestres siempre fueron uno de los temas clásicos de la ciencia-ficción, tanto dentro de la literatura como en el cine. La TV no podía mantenerse al margen de este subgénero y por eso aparecieron series que aportaron interesantes visiones sobre el tema, como la clásica Los Invasores (1967-68) o la más moderna V: Invasión Extraterrestre (1983-85), por nombrar algunas de las más importantes. Entre ambas, cronológicamente hablando, encontramos una casi olvidada serie británica: U.F.O. (en español conocida como OVNI) la cual aporta una interesante vuelta de tuerca al tópico de las invasiones. En este caso no se trata de una invasión silenciosa y una humanidad ignorante de lo que sucede (como ocurría en 'Los Invasores'), ni tampoco una violenta invasión neofascista con grupos de resistencia armados (V). En OVNI la invasión es repelida por una organización militar internacional equipada con moderna tecnología, aunque la mayoría de la población se mantiene ajena al conflicto.

Primero lo primero

A esta altura ya es obvio, pero no está de mas aclararlo. UFO es la sigla de Unidentifiqued Flying Objects, en castellano Objeto Volador No Indentificado (OVNI). Desde los años ´50 es tradición catalogar como extraterrestre cualquier UFO que se vea surcando el cielo.

Premisa

La premisa de la serie es bastante simple: En el "futurístico" 1980 (tengamos en cuenta que UFO es de principios de los ´70) la tierra sufre una ataque por parte de una raza alienígena.

El fin de estos extraterrestres nunca queda del todo claro, pero en algún episodio se desliza la teoría de que su plan es raptar humanos y utilizar "ciertas partes" para hacer transplantes a los más envejecidos miembros de su raza y de esa manera prolongar su vida. La principal arma de los extraterrestres son sus platillos voladores (aunque realmente no parecen platillos, más bien parecen trompos o peonzas), aunque también tienen tendencias hacia la "guerra psicológica" (creando alucinaciones, fabricando dobles, manejando mentes,...).

Para impedir estos ataques, el gobierno terrestre decidió crear una organización militar para repeler estos ataques, se trata de la SHADO (Supreme Headquarters Alien Defence Organisation, algo así como Cuartel General Supremo de la Organización de Defensa Alienígena).

Esta organización cuenta con varios elementos para combatir a los extraterrestres, como una base en la Luna, una red de satélites, submarinos y los famosos Interceptores, naves de combate bastante parecidas a los Vipers de Galáctica (para los que dicen que Glen Larson sólo le robó a Star Wars para crear a Battlestar Galactica), que si bien cargan un solo misil suelen ser muy efectivas.

El centro de operaciones de la SHADO, está disimuladamente ubicado en un estudio cinematográfico cerca de Londres (los Harlington-Straker Studios) y todos sus integrantes llevan una vida secreta (Straker, por ejemplo, aparenta ser un productor de películas).

Los Creadores

No se puede hablar de OVNI sin hacer un aparte sobre sus creadores. Se trata de Gerry y Sylvia Anderson, personajes fundamentales de la ciencia-ficción televisiva. Los Anderson crearon, a principios de los años ´60 una técnica conocida como Supermarionation y la aplicaron para cumplir con sus objetivos, crear una serie de TV exclusivamente hecha con marionetas. Así llegaron éxitos como Supercar (1961-61) cuyo principal interés radicaba en el "auto fantástico" del título; Fireball XL5 (1963) que giraba en torno a una nave espacial que recorría el universo; Stingray (1964-65) que se centraba en un submarino. Cada una de estas series era un éxito, lo que naturalmente significaba crear otras con nuevos adelantos y más riesgos. Así llegó la aclamada Thunderbirds (1966), una compleja serie -con episodios de una hora de duración- cuyo interés se centraba en una organización -Rescate Internacional- que luchaba por el bien equipada con poderosas naves espaciales. Otras destacables series de los Anderson son Captain Scarlett and the Mysterions (1967-68), en esta serie la organización SPECTRUM liderada por el Capitán Escarlata es la encargada de defender la tierra de los Mysterions, una peligrosa raza extraterrestre. En todas estas series se pueden ver ciertos elementos que serían posteriormente retomados en UFO, básicamente estas organizaciones parea defender al mundo y el tema de la invasión extraterrestre presente en Captain Scarlett.

Luego de Joe 90 (1968-69) la pareja dio muestras de que estaban cansados de jugar con muñecos y en 1969 se despachan con Secret Service una fallida serie que combinaba acción real con marionetas y con Doppelganger una película completamente filmada con actores (y que incluía varios miembros del elenco de UFO). En ese mismo año comienzan la filmación de OVNI, su primera serie televisiva sin marionetas. Como en las producciones anteriores de los Anderson, Reg Hill fue el productor y además aportó varias ideas finalmente incluidas en el show.

La Serie

UFO se estrenó en Reino Unido en 1970 y en general no tuvo el recibimiento esperado. El problema surgía en las emisoras que no sabían exactamente como programarla ya que, conociendo a los Anderson, esperaban una serie infantil mientras que en realidad se trataba de una serie para adultos. A pesar de que a veces era pasada en horarios absurdos para su temática, no se trató exactamente de un fracaso. Y si bien sólo duró una temporada (26 episodios) eso no puede atribuirse exclusivamente a una hipotética falta de éxito ya que una característica de los Anderson era no hacer series muy extensas (grandes éxitos como Thunderbirds o Captain Scarlett apenas sumaron 32 episodios).

A partir de 1972 la serie comienza a emitirse en EE.UU. a través de la CBS Syndication Network obteniendo, en sus primeras emisiones, un éxito notable. Esto planteó a los Anderson no ya la posibilidad de hacer una segunda temporada sino más bien hacer un spin-off ambientado 20 años en el futuro. Al tiempo los ratings empezaron a bajar lo que llevó a suspender el proyecto. Sin embargo, esta idea fue reformulada tiempo mas tarde y se convirtió en la semilla de otra gran serie de los Anderson: Cosmos: 1999 (Space: 1999), la cual conservaría unos pocos elementos de su predecesora (como la Base Lunar).

Como era tradición en aquellos tiempos, se hizo una película de OVNI, remontando fragmentos de diversos episodios. Los más fanáticos han detectado en el film Invasion: UFO fragmentos de, al menos, seis episodios distintos (Identified, Computer Affair, Reflections in the Water, Confetti Check A-OK, The Man Who Came Back y Esp). La película fue proyectada en todo el mundo con gran éxito. En España, a pesar de ser bautizada con el absurdo título OVNI, los diablos rojos atacan la tierra, los registros oficiales señalan que fue vista por casi 635.000 personas a fines de 1974.

Argumentos

Generalmente cada episodio de UFO relataba los diferentes intentos de los extraterrestres por atacar la tierra - o en su defecto destruir la SHADO o matar a Ed Straker- y las repetidas peripecias de la organización para impedirlo. Sin embargo también había lugar para desarrollar historias mas centradas en los personajes, especialmente en la complicada vida familiar del comandante Ed Straker (interpretado por Ed Bishop), el protagonista excluyente de la serie. Es por eso que generalmente se plantea si se trata de una serie de ciencia-ficción o una soap opera (digamos una "telenovela". En algún reportaje Ed Bishop aseguró que UFO era "mitad sci-fi, mitas soap opera". Para la época, esto era todo una novedad. Posteriormente se pudo comprobar, en series como Star Trek Next Generation, que la ciencia ficción era compatible con el desarrollo de los personajes.

En general, los guiones eran bastante complejos y requerían de un público atento. Su principal característica era la de moverse entre tramas complejas y escenas de acción, generalmente de luchas de naves.

Quienes son (o que es lo que quieren) los extraterrestres es uno de los grandes misterios de UFO. No se sabe mucho de ellos mas allá de que parecen humanos, aunque sus trajes espaciales suelen estar llenos de un liquido verde. La hipotesis de que buscan órganos humanos se basa en que tienen, al menos, un corazón humano. Sin embargo en algun episodio intentan destruir a toda la humanidad, con lo que esa teoria se resquebraja.

Una de las cosas que hay que resaltar de UFO son los efectos especiales, en los que Gerry Anderson aplicó toda la experiencia adquirida en sus series de marionetas. Así la serie es todo un despliegue de maquetas y modelos a escala:

Base Lunar

Desde la Base Lunar se controla la acción de los Interceptores. A pesar de estar en la Luna, la gravedad dentro de la base es igual a la terrestre, gracias al trabajo de los científicos que colaboraron en la construcción de la base a fin de que la movilidad dentro de ella fuese la más natural posible.

Interceptores

Son la principal arma contra los invasores. Cargan con un sólo misil, pero son casi infalibles.

Ovnis

Son muy ruidosos y tienen tendencia a explotar facilmente, especialmente cuando entran a la atmósfera terrestre.

SID

Estos satélites (llamados Space Intruder Detector) detectan a los ovnis a miles de kilómetros de la tierra.

Movil Lunar

Ideal para desplazarse por la luna.

Skydiver

Submarino de la SHADO. En la punta se ubica el SkyOne, aparato volador que se encarga de los ovnis que están dentro de la atmósfera terrestre.

Otro punto a destacar es la vestimenta de los miembros de la SHADO, con una indumentaria "del siglo XXI" creada por Sylvia Anderson (en los títulos ella figuraba en el ítem Century 21 Fashions). Entre las cosas más curiosas está el hecho de que las señoritas de la Base Lunar lucen unas llamativas pelucas violetas que nunca se supo exactamente qué funciones cumplían (aunque combinadas con la ropa ajustada que usaban, no quedaban nada mal).

Elenco

UFO es protagonizada por el actor estadounidense Ed Bishop, en el papel de Ed Straker. Bishop no tenía una gran experiencia actoral. Su primera aparición en las pantallas databa de 1962, con una brevísima aparición en Lolita de Stanley Kubrick. También tuvo una muy breve aparición en 2001: Odisea del Espacio (1968), del mismo director y en Doppelganger (1969), película de ciencia-ficción producida por Gerry y Sylvia Anderson. Con posterioridad a UFO trabajó esporádicamente en algunas series (El Santo, Los Profesionales, Highlander) y algunas películas como Diamonds are Forever (1971). También trabajó mucho con su voz, ya sea en radio o en televisión (puso la voz a algunos personajes de Star Trek The Animated Series). Sin dudas su interpretación del rubio Ed Straker (vale aclarar que no es "natural" el color del pelo de su personaje) fue el punto más alto de su carrera.

El resto de los principales personajes de UFO tampoco tuvieron una gran carrera en las pantallas, más allá de algún papel ocasional en el cine y su permanente participación en la televisión británica (en series con poca trascendencia en el exterior).

En el rubro "actores invitados" no hay grandes sorpresas. Tan solo se puede mencionar la breve aparición de la bella Stephanie Beacham en el episodio "Destruction". Beacham es una recordada Scream Queen que participó en películas como Dracula AD 1972 de la Hammer Films.

REPARTO:

Ed Bishop - Commander Ed Straker
George Sewell - Col. Alec Freeman
Michael Billington - Col. Paul Foster
Peter Gordeno - Capt. Peter Carlin
Norma Roland - Miss Ealand
Wanda Ventham - Col. Virginia Lake
Gabrielle Drake - Lt. Gay Ellis
Grant Taylor - General James Henderson
Dolores Mantez - Lt. Nina Barry
Antoni Ellis - Lt. Joan Harrington
Vladek Sheybal - Dr. Douglas Jackson
Keith Alexander - Lt. Keith Ford
Harry Baird - Lt. Mark Bradley
Lois Maxwell - Miss Holland
Ayshea Brough - SHADO operative
Mel Oxley - the Voice of SID
Gary Myers - Captain Lew Waterman
Maxwell Shaw - Dr. Shroeder
Anouska Hempel - SHADO radio operator
Jon Kelly - Skydiver engineer
Georgina Moon - Skydiver operative
Jeremy Wilkin - Skydiver navigator

EPISODIOS (EN SU VERSIÓN EN CASTELLANO):

01 - Identificacion Positiva
02 - La Computadora Detective
03 - El pasaje Secreto
04 - Descubierto
05 - Superviviente
06 - Conflicto
07 - El caso Dalotek
08 - Una Cuestion De Prioridades
09 - Prueba Peligrosa
10 - Puesto De Responsabilidad
11 - El Triangulo Cuadrado
12 - Corte Marcial
13 - Primer Plano
14 - Triangulo Tragico
15 - Poderes Sobrenaturales
16 - Eliminar A Straker
17 - Atrapados En Un Submarino
18 - El Sonido Del Silencio
19 - Las 10 Vidas Del Gato
20 - Destruccion
21 - El Hombre Que Regreso
22 - Las Phycobombas
23 - Refejos En El Agua
24 - Fraccion De Segundo
25 - Lavado De Cerebro
26 - Un Largo Sueño







- Wikipedia (en inglés)
- UFO Series Home Page
- IMDb
- BFI's Screen Online
- UFO German fan site

lunes, 26 de octubre de 2009

"Espacio: 1999", la serie

Título original: Space: 1999 (ITC Entertainment, 1975-1977).

Fue una serie de ciencia ficción de televisión realizada en la década de los setenta, que se transformó en serie de culto en su género.

Se trata de una serie británica de ciencia ficción transmitida por televisión y emitida durante dos temporadas, hasta 48 episodios en total, habiéndose iniciado su difusión a partir de 1975. En la serie, los residuos nucleares terrestres se almacenaban en la luna. Los residuos explotan en un accidente catastrófico el 13 de septiembre de 1999, lo que lanza a la luna fuera de su órbita y la envía, junto con los 311 habitantes de la base lunar Alfa, al espacio exterior navegando sin control. El satélite se transforma en una nave espacial sin rumbo a través de la galaxia y a lo largo de la serie se viven diferentes peripecias hasta que debe ser abandonada en pos de perpetuar la raza humana.

Sus efectos especiales recuerdan en gran grado a los realizados en la película de ciencia ficción de culto 2001: Una odisea del espacio de Stanley Kubrick.

La serie fue la última producción del matrimonio de Sylvia y Gerry Anderson, productores de las memorables series "Thunderbirds", "El Capitán Escarlata", "El Capitán Marte y el XL5" y "UFO".

La serie fue transmitida en unos 96 países entre 1975 y 1979.

En Argentina, Chile, Colombia y Uruguay se la llamó "Cosmos 1999"; en México "Odisea 1999"; en Brasil y Portugal, "Espaço: 1999"; España, "Espacio: 1999"; Alemania, "Mondbasis Alpha 1"; Italia, "Spazio: 1999"; Francia, "Cosmos: 1999"; Dinamarca, "Månebase Alpha"; Suecia, "Månbas Alpha 1999"; Polonia, "Kosmos 1999"; Finlandia, "Avaruusasema Alfa"; Sud Africa, "Alpha 1999".

La banda sonora de la serie ha correspondido, en función de las temporadas, a los compositores Barry Gray y Derek Wadsworth.

LP: RCA (US 1976, 33,3 rpm Stereo LP record; ABL1-1422)
CD: 1st Season by Barry Gray (Fanderson, FANSF7 UK December 14th, 1998)
CD: 2nd Season by Derek Wadsworth (Fanderson, FANSF8 UK January 17th, 2000)

"Mucho se ha escrito sobre Espacio 1999 en todo el mundo. Sin embargo, no he visto que en España nadie haya comentado lo que supuso la serie, el orden en el que se emitieron los episodios, ni nada similar. Aunque no sé si existe, ni siquiera he visto algo procedente de Hispanoamérica. Durante años, la ausencia de un medio de comunicación como Internet ha hecho que me sintiese prácticamente solo en mi afición por Espacio, pero Internet me ha descubierto que somos muchos los fans también en España.

Existe información sobre lo que Espacio 1999 supuso en Inglaterra, Francia, Italia e incluso Japón. En muchos de estos países Espacio 1999 tuvo un rótulo perfectamente traducido a cada uno de los idiomas con la misma calidad que el original inglés: Cosmos 1999 para Francia, Spazio 1999 para Italia y otro imposible de transcribir para Japón. El caso de Italia no sorprende por cuanto la RAI co-producía la serie. Pero no he visto a nadie que haya aportado información de cómo fue la serie en España, cómo fue su doblaje, cuándo se emitió, etc.

Han pasado 32 años desde la emisión en España del último episodio, estamos en 2009, así que ya es hora de que alguien comente algo de forma más extensa.

(...)

Recuerdo perfectamente cómo conocí Espacio 1999. La que luego sería mi serie favorita (incluso obsesivamente favorita durante años), sustituyó a “En ruta” una buena serie americana sobre camioneros que me agradaba muchísimo. Recuerdo aquella tarde del Jueves, 30 de Septiembre de 1.976 en la que fui a recoger a un amigo a su casa. Mientras lo esperaba en el salón, vi en el televisor (en blanco y negro por supuesto), a un par de astronautas que se desplazaban en un vehículo lunar. Aquello no me agradó nada porque significaba que habían quitado “En Ruta”. Recuerdo que apenas le presté atención al episodio durante los minutos que estuve esperando a mi amigo y luego le comenté un poco enojado la desaparición de la serie.

Pero una persona como yo, que había sido un fan de todas las anteriores series de Gerry Anderson, no podría ignorar durante mucho tiempo la mejor serie de ciencia ficción de la televisión de los años 70. Tenía todos los ingredientes para “engancharme” más que las anteriores: maquetas, efectos especiales, tecnología del futuro, música de Barry Gray...

Pero Espacio 1999 fue programado por Televisión Española los Jueves a las 15:30 y posteriormente a las 16:00 horas (horario de máxima audiencia después de la noche) y a esas horas yo tenía que estar en el colegio, así que tuvieron que pasar varios meses (Septiembre-Diciembre) para que, con las vacaciones escolares de Navidad, conociera detenidamente la que habría de ser mi serie favorita.

Fue el 23 de Diciembre de 1.976 cuando visioné detenidamente un episodio completo. Además, tuve la suerte de ver un clásico: “El Testamento de Arcadia”. Y ese fue el pistoletazo de salida. Desde ese día esperé ansioso la emisión del siguiente; eso fue siete días después, el 30 de Diciembre de 1.976 y el episodio fue otro clásico “Otro tiempo otro lugar”. El siguiente episodio se emitió el Día de Reyes: el 6 de Enero de 1.977 y el episodio fue “La fuerza de la Vida”. A estas alturas, con el visionado de tres episodios y a mis 14 años, acababa de empezar una relación de amor por la serie que dura hasta hoy.

Pero las vacaciones de Navidad finalizaron y yo tuve que volver al colegio. Para podernos situar, hay que recordar que en aquella época nadie tenía vídeo, así que comencé a sufrir al comprobar que la serie se seguía emitiendo y yo me la iba perdiendo.

En febrero de 1.977 mi padre compró nuestro primer televisor en color. Ninguno de mis amigos tenía uno y el acontecimiento todavía lo recuerdan. Una de las primeras preguntas que le hice a mi madre el primer jueves que tuvimos el televisor fue: “¿Espacio 1999 es en color?”. Curiosamente mi madre se paró un momento, reflexionó, y haciendo un gran esfuerzo por recordar dijo: “Sí, creo que es en color, pero no tiene mucho”. Y era verdad, para una persona que acababa de adquirir un televisor en color, Espacio 1999 en su primera etapa tenía unos colores muy “discretos”."


Del Portal de Ciencia Ficción







LINKS DE REFERENCIA:

- Space: 1999 Official site
- Sitio de Ciencia-Ficción
- Homage to the "Space: 1999" sci-fi series
- Mala Ciencia
- "Space: 1999" Net
- "Space: 1999" Fiction Archive
- IMDb
- Discografía de la serie

Cameos - Lost Lover (195?, Dean Records 504)







Here's a rare one by East Orange's Cameos. Patsy Coleman is singing lead, while two of her brothers are in the background. The Coleman brothers ended up becoming members of another East Orange group, the legendary Ocapellos (The Stars). The Dean label was a tiny company and only put out two records that I know of. This 45 is quite rare. ~ PJDooWop

Supposed release during 1950s decade, but no concrete year is known.

domingo, 25 de octubre de 2009

The Playboys - Over The Weekend (1958, Martinique M-101)







Previously released on Cameo Parkway label (C-142).

The Playboys were one of those odd groups that bridged the gap between the pop music of the early 1950s and the rock & roll of the late 1950s. Their roots go back to 1951, when athlete-turned-saxman Ray D'Agostino decided to form a band. With Phil Wing (later replaced by Lou Mauro) on drums, John Procopio (succeeded by Joe Franzosa) playing bass, Paul Coletti (succeeded by Irv Mellman) on piano, and D'Agostino (billed as Ray Dee), later joined by Ronnie James on guitar, and Sammy Vale as lead singer, they began working in the area around Philadelphia in the early 1950s.

They mastered a style that was somewhere between small-group swing -- though they sounded bigger than four instruments -- and vocal pop, and found that there was enough work to keep them busy and solvent, especially if they were willing to travel. They got through the Korean War with a couple of personnel changes and managed to get enough gigs to survive and thrive, even making it to Las Vegas (where they crossed paths with the Treniers), and over time absorbed elements of rhythm & blues into their sound.

When rock & roll came along, they adopted it as well, extending themselves into the new musical style while never quite giving up their swing and pop roots. The group was signed to Cameo Records in 1958, and always seemed to be on the edge of cutting a hit -- their Cameo single "Over the Weekend" charted high in individual cities across the East Coast and into the Midwest without ever making a dent for the group nationally.

They later cut sides for Martinique, United Artists, and other labels, and even tried getting aboard the "twist" bandwagon on Chancellor. The Playboys' sound was a mix of hot instrumental playing and vocalizing that ran from '40s pop to something close to rockabilly -- on their good days, they sounded like upscale rivals to Bill Haley & His Comets. The group split up in the mid-'60s, and to show just how contradictory they were for a band of that era, their guitar player jumped to a gig in Louis Prima's band, before joining veteran rock & roll bandleader Mike Pedicin.

~ Bruce Eder, All Music Guide

sábado, 24 de octubre de 2009

Tindersticks - Can Our Love... (2001)

Tindersticks es un grupo de rock formado en Nottingham, Gran Bretaña en 1991 por los siguientes miembros:

Stuart Ashton Staples, voz, guitarra y melódica (14-11-1965)
Dickon James Hinchliffe, guitarra, violín, piano, y arreglos de cuerda y viento (9-7-1967)
Neil Timothy Fraser, guitarra y vibráfono (22-11-1962)
David Leonard Boulter, teclados y percusiones (27-2-1965)
Alasdair Robert De Villeneuve, batería, percusiones y trompeta (2-8-1965)
Mark Andrew Colwill, bajo (12-5-1960).

El sonido del grupo parte del pop independiente al que incorporan arreglos orquestales, de jazz y de soul. Su sello distintivo lo marcan la profunda voz de barítono de Stuart A. Staples, que le emparenta con los crooners clásicos, y las sofisticadas orquestaciones de Dickon Hinchliffe, que utiliza una amplia variedad de instrumentos que contribuyen al ecléctico sonido del grupo. Entre ellos están el piano Rhodes, carillón, vibráfono, violín, trompeta, fagot o el órgano Hammond.

También destaca en su música la influencia de cantantes como Serge Gainsbourg, Lee Hazlewood y especialmente Scott Walker. Todas estas referencias dotan a su sonido de un toque pulcro y elegante del que no está excluida la experimentación.

Year release: 2001
Label: Beggar's Banquet
Cat. n.: BBQCD222X

Tracklist:

01. Dying Slowly
02. People Keep Comin' Around
03. Tricklin'
04. Can Our Love...
05. Sweet Release
06. Don't Ever Get Tired
07. No Man in the World
08. Chilitetime



LINKS:

- Tindersticks website
- Amazon
- Amazon UK
- Price Minister
- Norman Records
- 3-MP3 (Includes bonus extra tracks, as "A Marriage Made In Heaven" featuring Isabella Rossellini - ¿?)
- Yes FM

Styx - Cornerstone (1978)

Cornerstone is the ninth studio album and third concept album by Styx, released in 1979 (see 1979 in music). It was Styx's follow-up to their second consecutive Top 10 selling Triple Platinum album in a row, 1978's Pieces of Eight.

Like the four previous Styx albums, the band produced the album themselves once again. However, the band started using a new recording studio Pumpkin Studios in Oak Lawn, Illinois. Plus, the album was the first where the band shied away from the art-rock/prog-rock influences that dominated their first eight studio albums and was the band's first move towards a more pop/rock direction (band member Dennis DeYoung stated in a 2009 interview that the change in direction came from reading bad reviews the group got in the rock press whilst on their first tour of England).

Dennis DeYoung had two ballads on the album. The first was the album's first single and Styx's only US #1 single "Babe" which Dennis wrote for his wife Suzanne. The track was performed and recorded as a demo with just him and the Panozzo brothers but then James Young and Tommy Shaw heard the track and decided to put it on Cornerstone with Shaw overdubbing a guitar solo in the song's middle section. Another ballad was the power ballad "First Time" which was intended to be Cornerstone's second single (radio stations were playing it and got such a response that A&M wanted it out) until Shaw complained and threatened to leave the band. "Borrowed Time" was released instead, reaching a disappointing #63 on the charts. DeYoung also wrote the Top 30 hit, the poppish "Why Me", which was the third single release from the album. Dennis pre-dominantly used a Fender Rhodes electric piano on over half of the tracks. Also, the group used real horns and strings on the album on several tracks.

DeYoung and Shaw co-wrote two tracks. The opening "Lights" was music by DeYoung and Shaw with lyrics by Shaw (who also sang the track). The rocking "Borrowed Time" had music by DeYoung (intro) and Shaw with lyrics from DeYoung (who sang this track). "Borrowed Time" would open concerts on the group's tour in support of Cornerstone nicknamed The Grand Decathlon tour.

Shaw's famous song on the album was the folkish sounding Boat on the River which became the band's biggest European hit. He also penned the pop-rocer "Never Say Never" and the epic proggish closer "Love in the Midnight," which has been sampled to create the hip-hop song "The Streets been good to me" by the artist Maino, on the album "Death before Dishonor".

JY contributed the rocker "Eddie", which was about Edward Kennedy pleaing him not to make a US run for President.

Cornerstone became Styx's first US Top 5 album peaking at #2 on the Billboard album chart and is currently sitting at Double Platinum according to the R.I.A.A. although A&M said it went Triple Platinum (3 million copies sold in the US).

Year release: 1978
Label: A&M Records
Cat. n.: SP-3711 (US LP) & AMLK-63711 (UK LP) / CD 3239 (CD)
Genre: Rock > Power prog-rock

Tracklist:

01. "Lights" (DeYoung, Shaw) – 4:38
Lead vocals and guitar fills: Tommy
Lead guitar: James Young

02. "Why Me" (DeYoung) – 3:54
Lead vocals: Dennis
Lead guitar: JY
Saxophone solo: Steve Eisen

03. "Babe" (DeYoung) – 4:25
Lead vocals: Dennis
Lead guitar: Tommy

04. "Never Say Never" (Shaw) – 3:08
Lead vocals: Tommy

05. "Boat on the River" (Shaw) – 3:10
Lead vocals, mandolin and autoharp: Tommy
Accordion and harmony vocals: Dennis
Acoustic guitar: JY
String bass: Chuck Panozzo
Bass drum and Tambourine: John Panozzo

06. "Borrowed Time" (DeYoung, Shaw) – 4:58
Lead vocals: Dennis
Lead guitar: Tommy

07. "First Time" (DeYoung) – 4:24
Lead vocals, lead guitar and guitar synthesizers: JY

08. "Eddie" (Young) – 4:15

09. "Love in the Midnight" (Shaw) – 5:25
Lead vocals: Tommy
Synthesizer solo: Dennis
Lead guitar: JY

LINKS:

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Roger Taylor - Happiness? (1994)

Roger Meddows Taylor nació el 26 de julio de 1949 en Kings Lynn Norfolk, Reino Unido. Se le conoce mundialmente como el batería del grupo Queen, y si bien es poco valorado por ciertos sectores de la prensa, es un reconocido y destacado músico de la historia del rock, que en algunas canciones como solista actuó como guitarrista y vocalista. En la banda cantó y grabó coros, además de escribir canciones famosas de Queen como "Sheer Heart Attack", "I'm In Love With My Car", "Innuendo", "Radio Ga Ga" y "A Kind of Magic".

En 1977 empieza su trayectoria como solista. Su primer sencillo ('single') fue I Wanna Testify, con el que fracasó en su intento por ser un impacto en las listas de éxitos, sin embargo fue el principio de una extensa y discutible trayectoria en solitario. Su primer album de estudio fue Fun in Space en 1981, el que escaló hasta el número 18 de las listas inglesas de éxitos. El sencillo de dicho álbum fue Future Management, que llegó al número 49.

Su segundo álbum sería Strange Frontier, de 1984. En él aparecen ocho temas propios de Roger y dos versiones, además de la participación especial de Freddie Mercury, y de Rick Parfitt, de Status Quo. El sencillo Man On Fire sería su segunda entrada en las listas de sencillos, esta vez logrando sólo el lugar 66.

En 1987 Roger decidió que su nuevo disco debía ser grabado "en vivo" en el estudio. Por lo que se embarcó en la búsqueda de músicos para formar una nueva banda, y, como resultado, este nuevo grupo llamado The Cross grabó 3 álbumes (Shove It - 1987, Mad, Bad & Dangerous To Know - 1990, Blue Rock - 1991) entre 1988 y 1991, y realizó giras por Gran Bretaña y Alemania.

En 1994 grabó el disco Happiness? en solitario. Llegó al número 22 de las listas, y 3 de sus sencillos permanecieron en el 'top 30'. El primero, Nazis 1994 fue censurado, quizá por miedo a represalias de grupos neonazis o por el contenido de las letras; en la versión sin censurar, en lugar de decir "we gotta stop those stinking nazis", dice "we gotta kick those fucking nazis", aunque no evitó que llegase al número 22. Otro sencillo que tuvo éxito fue Foreing Sand, que contenía dos canciones compuestas por Yoshiki, líder de X Japan y cantadas por Roger. Posteriormente, Roger hizo una gira por el Reino Unido, y en 1995 por Italia.

Ya en septiembre de 1998, después de proyectos como el álbum póstumo de Queen, Made In Heaven, y la canción final del grupo, No One But You, sale a la luz su último disco, titulado Electric Fire. De éste se editarían 2 sencillos: Pressure On y Surrender. Roger realizó una nueva gira promocional por el Reino Unido, incluido el concierto Live At The Cyberbarn, transmitido por internet desde su casa en Surrey, el que batió el récord Guiness para un concierto en directo por internet, superando los 500.000 internautas.

Taylor también puso su voz en temas de Queen como "The Loser In The End" del álbum Queen II, "I'm In Love With My Car" de A Night At The Opera, o "Rock It" de The Game.

También fue solista en la última canción de Queen, "No One But You".

Year release: 1994
Label: EMI
Cat. n.:

Tracklist:

1. Nazis 1994 (Taylor)
2. Happiness (Taylor)
3. Revelations (Taylor)
4. Touch The Sky (Taylor)
5. Foreign Sand (Taylor/Yoshiki)
6. Freedom Train (Taylor)
7. You Had To Be There (Taylor)
8. The Key (Taylor)
9. Everybody Hurts Sometime (Taylor)
10. Loneliness... (Taylor)
11. Dear Mr. Murdoch (Taylor)
12. Old Friends (Taylor)



LINKS:

- Wikipedia
- Queen official site

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- Yes FM

Ortheia Barnes - I've Never Loved Nobody (Like I Love You) (1967, Coral 62529)







Despite never having a hit record, Ortheia Barnes is one of Detroit, MI's most beloved singers. She started singing in church, made some solo singles, and toured with Motown artists, though she never signed with the label. Barnes has enjoyed a full career, but unlike J.J. Barnes, her older brother, it hasn't been scrutinized much, and a chronological discography of her work does not exist.

She debuted on Mickay Records in 1962 with two Dorothy Pierce tunes: "Your Picture on the Wall" b/w "Same as Before"; the single did so well locally that ABC Records acquired the licensing and reissued it in 1963. The dates dispute the notion that she got the secular singing bug at 14 when J.J. Barnes cut his biggest hit, "Baby Please Come Back Home," since it would have made her nine when she cut the Mickay single.

Other recordings include two popular Northern soul selections -- "Watch Out Boy," written by J.J. Barnes, Don Davis, and Kirkland Peterson and "I've Never Loved Nobody (Like I Love You)" -- in 1967 on Coral Records. Coral issued a second single, "Take My Heart and Soul" b/w "Heartbreaker," in 1968; the former was composed by Joe Hunter and Anthony "Tony" Wilson. A few years later, Wilson moved to Cleveland, OH, and was the Ponderosa Twins Plus One's manager; he co-wrote their song, "Bitter With the Sweet." Barnes worked behind the scenes, vocalizing on sessions and backing artists live. In 1980, she formed Cut Glass with Mildred Vaney for two singles on 20th Century Records -- "Alive With Love" b/w "Without Your Love" and "Rising Cost of Love" b/w "Sometimes Soon." She even cut a funk tune entitled "Green Eye Monster" in 1984. In 1987, she sang at Diana Ross' aunt's funeral with Ross in attendance -- the two songbirds were high school friends.

At WCHB she became a radio personality with her own talk show, Ortheia's Special Touch, which aired every Wednesday; she also had a cable TV show on Bloomfield Community Television that was broadcast on Booth Cable, but her aim to be syndicated for the show never happened.

Later, Barnes married elder Robert L. Kennerly and became Reverend Ortheia Barnes-Kennerly, evangelist and singer; she became part of SpiritLove Ministries and appeared and performed at many religious and civic functions throughout the country. She celebrated civil rights activist Rosa Parks' 83rd birthday in Nassau, Bahamas, performing with the Freedom Soldiers -- who consisted of Barnes, Sandra Feva, Pat Lewis, and Hezekiah Williams. She performed at the Plymouth Neon Jammin' Ball in 1995 to help introduce a new generation of young Detroiters to the city's historic Music Hall of Fame, and she represented at A Season For Nonviolence with Reverend Jesse Jackson and other luminaries. Barnes-Kennerly was also a member of Michigan's Volunteers of America.

~ Andrew Hamilton, All Music Guide

LINKS:

- Artist Direct
- Hitsville Records Soul Club

David Bowie - Billboard Hits U.S.A. (1990)

He is commonly known as the chameleon of pop, predicting trends and adjusting his style and persona, while holding on to his own ideas and creativity. A multi-instrumentalist, he is famous for playing guitar, keyboard and saxophone; but also plays harmonica, drums, cello, marimba, bass guitar, koto and stylophone. He first rose to prominence with the heady, 1969 folk rocksingle "Space Oddity" but is perhaps best known for the single "Changes" from Hunky Doryglam rock of The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972), and Aladdin Sane (1973). Subsequent albums have explored blue-eyed soul, electronica and new wave, often predating these genres' popularity or even the point at which they were defined as genres. The so-called "Berlin Trilogy", although receiving mixed commercial success at the time, is seen by many today as masterful and groundbreaking. (1971), and the flamboyant, androgynous After slumping sales in the mid- to late-1970s, Bowie again gained commercial success in the early 1980s with his hit single "Ashes to Ashes" and the album it came from, Scary Monsters (and Super Creeps) (1980). He reached his commercial peak with his singles "Modern Love," "China Girl" and "Let's Dance", the latter the title track of his very successful 1983 album. Many fans and neutral observers will argue that Bowie's consistency as a songwriter became more hit-and-miss afterwards.

Year release: 1990
Label: Thecodisc
Catalogue n.: B-0033

Tracklist:
1. Starman
2. Changes
3. John I'm Only Dancing
4. The Jean Genie
5. TVC 15
6. Fame
7. Space Oddity
8. Ziggy Stardust
9. I Can't Explain
10. Rebel Rebel
11. Sound And Vision
12. Heroes

LINKS:

- Last-FM
- MySofa Music

The Edsels - Do You Love Me (1958, Roulette 4151)







ESP - The Edsels fueron un grupo estadounidense de música de estilo Doo-Wop - basado en la interpretación a capella - estuvo activo durante el final de los 50 (1958) hasta el principio de los 60 (1963).

Su nombre original fue "The Essos", si bien, con la aparición del modelo Edsel de la Ford cambiaron el nombre.

Los Edsel grabaron 25 canciones, entre las que se cuentan "Rama Lama Ding Dong", "What Brought Us Together", "Bone Shaker Joe" y "Do You Love Me" (la canción que escucháis en este videoclip), que les permitió grabar con Capitol Records en 1961.

El éxito que les llevó a la fama fue "Rama Lama Ding Dong", el único por el que son ahora conocidos. Esta canción se grabó en 1957, apareció con la carátula erronea indicando "Lama Rama Ding Dong," en 1958. Se hizo famosa gracías a un DJ de Nueva York que, en 1961, empezó a pincharla debido a su parecido a otro éxito del momento, la versión Doo-Wop de "Blue Moon" de The Marcels, llegando al puesto número 21 del Billboard.

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UK - The Edsels were an American doo-wop group active during the late 1950s and early 1960s. The name of the group was originally The Essos, after the oil company, but was changed to match the then-new Ford automobile, the Edsel. The Edsels recorded over 25 songs and had multiple performances on Dick Clark's American Bandstand . The Edsels were one of the few doo-wop groups to sign with a major record label, as most groups of that era found success with small independent labels. Before their national hit "Rama Lama Ding Dong," songs like "What Brought Us Together," "Bone Shaker Joe," and "Do You Love Me" helped the group land a major recording contract with Capitol Records in 1961.

Today, the group is known almost exclusively for their song, "Rama Lama Ding Dong." The song was recorded in 1957 and released, under the errant title "Lama Rama Ding Dong," in 1958. The song did not become popular until 1961, after a disc jockey in New York City began to play it as a segue from The Marcels doo-wop version of "Blue Moon." The song eventually became popular throughout the USA, peaking at number 21 on the Billboard Hot 100 chart.

The group continues to perform today. In addition, James Reynolds performs with his five sons Jeff, Baron, Patrick, Chris and Carlise (as The Reynolds Brothers). That group released an album, The Reynolds Brothers, featuring songs written by James and fellow Edsels member George Jones, Jr.

- The Edsels official site
- Wikipedia
- JC Marion - The Edsels

"Animales, Animales, Animales" con Hal Linden

Lo que muestro aquí más abajo es la versión original, pero yo recuerdo bastante bien que fue emitida en la Primera Cadena de TVE durante una parte de los primeros años 80, sobre todo la recuerdo por la sintonía del programa, una animosa canción más influenciable en los niños que en la gente adulta, dado que el programa presentado por el actor Hal Linden estaba pensado para la familia, pero en principio para los chavales.

La serie trataba de imitar a una enciclopedia animada, detallando datos sobre cada una de las especies animales. Cada episodio estaba dedicada a un animal específico. El programa estaba compuesto por entrevistas a expertos en animales, cortos animados con anécdotas de los animales y canciones.

Leyendo en Internet, se dice que apareció dentro de los contenidos del programa infantil "Sabadabadá". Yo apenas recuerdo que fuese emitida dentro de ese espacio, pero han pasado más de 25 años, por lo que... es posible...

Sin embargo, teníamos a Félix Rodríguez de la Fuente y su maravillosa serie "El Hombre y la Tierra" como nuestro más personalísimo agente transmisor de la belleza de la naturaleza, y nada mejor que él para hablarnos con sumo detalle y rigor de la fauna y flora de nuestro pais y de otras partes del planeta. Pero también teníamos a Linden, aunque solo estuviera de visita por nuestra tele.

En este video se puede ver tanto la "intro" como el "outro"; es decir, tanto la careta principal como la final.





jueves, 22 de octubre de 2009

An alternate Pixar intro







I knew some day would happen and the time has come! XDDDDDDDDDDDDDDDDDDD!!!

Simon & Garfunkel (LP Allegro, ALL-836)


Se trata de una de estas rarezas difíciles de encontrar y que tuve la gran suerte en su día de encontrar en un mercadillo callejero, por un mísero euro y en las condiciones que podéis ver por la portada: bastante bueno y el estado del vinilo tanto mejor como la carátula, sin apenas grandes disgustos por mi parte cuando me puse a oirlo tras entrar con él en casa.

La sorpresa me la llevo cuando oigo la primera de las canciones "Hey Schoolgirl". Todas ellas suenan a antiguas y para nada se parece este Simon y Garfunkel a aquel dúo de éxitos como "America", "The Boxer", "Bridge Over Troubled Waters", "Homeward Bound"; es un sonido más sencillo, nada cutre, pero en un estilo inconfundiblemente cercano al movimiento "skiffle" de finales de los 50. Un sonido "pop" con algunas reminiscencias cercanas al folk americano y con el sello de Paul Simon y Art Garfunkel, como autores de buena parte de estas canciones.

En realidad, la época de estas canciones es la misma cuando los dos amigos Paul Simon y Art Garfunkel se llamaban entonces Tom & Jerry (por Tom Graph y Jerry Landis, seudónimos usados por Art y Paul, respectivamente), entre 1957 y 1962, por lo que estamos ante una especie de recopilatorio publicado en plena efervescencia de su carrera discográfica, cuando con la compañía americana Columbia Records andaban ya saboreando las mieles del éxito no bajo dicho seudónimo, sino utilizando sus propios apellidos, ya consagrados para la historia del rock.

El disco fue editado por Pickwick para el sello Allegro en el Reino Unido, con el número de catálogo ALL-836 y en el año 1967. También hay otra referencia de este mismo disco con otro número de serie: SPC 3059, publicado el año anterior.

Las canciones incluidas en este disco son las siguientes, junto con una información complementaria del origen de cada una de ellas, en forma de datos discográficos:

Cara A:

1. Hey Schoolgirl (Big Records, 613 - 1957)
2. Our Song (A-side Big Records, 616 - 1958)
3. That's My Story (B-side Big Records, 618 - 1958)
4. Teenage Fool (no info)
5. Tia-juana Blues (1966)

Cara B:

1. Dancin' Wild (B-side Big Records, 613 - 1957)
2. Don't Say Goodbye (A-side Big Records, 618 - 1958)
3. Two Teenagers (B-side Big Records, 616 - 1958)
4. True Or False (no info)
5. Simon Says (no info)

Big Records fue la que publicó algunos de sus singles con aquel primer nombre artístico, como en el caso de su "Hey Schoolgirl" / "Dancin' Wild", habiendo publicado más tarde en 1962 un nuevo single para la ABC Paramount "Surrender, Please Surrender" / "Fightin' Mad" y un último intento por hacerse un hueco en el mercado firmando por un nuevo sello, Ember Records con el que sería el último disco con llevar su antiguo nombre: I'm Lonesome / Looking At You, antes de usar sus apellidos auténticos y probar suerte con la Columbia americana.




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